Daenerys Targaryen.
El cine comercial estadounidense cambió en la segunda parte de la década de los setentas del siglo pasado con el estreno de dos películas, una fue Star Wars (1977), y la otra fue Tiburón (Jaws 1975) dirigida por Steven Spielberg. La película se basa en la novela homónima del escritor Peter Benchley.
El estreno veraniego de esta película fue arrollador, generando el prototipo de éxito cinematográfico veraniego, convirtiéndola en la película más taquillera de la historia hasta el estreno de la película de Lucas. La productora Universal Pictures puso en marcha una enorme y efectiva campaña publicitaria para promocionar la película y la estrenó simultáneamente en más de 450 salas de cine de Norteamérica. Estableció el sistema de negocio en el Hollywood contemporáneo, que gira en torno a películas de acción o aventura basadas en premisas sencillas, que se estrenan en verano rodeadas de grandes campañas publicitarias y en muchas salas de cine para intentar asegurar su éxito entre el público.
Debido al gran éxito cosechado por la película los estudios decidieron hacer una secuela. En octubre de 1975 Spielberg afirmó ante los asistentes a un festival de cine que «hacer una secuela es sólo un truco barato de feria». Sin embargo, se planteó sumarse a la primera secuela cuando su director, John D. Hancock, fue despedido tan sólo unos días antes de iniciar el rodaje. Finalmente, sus obligaciones con la filmación de Encuentros en la tercera fase, que protagonizaba precisamente Dreyfuss, lo hizo imposible. Tiburón 2 (Jaws 2 1978) acabó siendo dirigida por Jeannot Szwarc y los actores Roy Scheider, Lorraine Gary, Murray Hamilton y Jeffrey Kramer repitieron en sus personajes.
Pero ya el sharksploitation empezó tener sus propias versiones del gran escualo, así en un año después del gran estreno, aparece Mako, el tiburón de la muerte (The jaws of death 1976) dirigida por William Grefe, y con Richard Jaeckel, Jennifer Bishop, Buffy Dee. Película en donde un estudioso de los escualos logra aprender a comunicarse con ellos. Cuando unos científicos toman a los tiburones como sujetos de experimentos, los tiburones toman venganza. Así durante esta década aparecen en Italia títulos tales como Bermudas: la cueva de los tiburones (Bermude: la fossa maledetta, 1978) de Tonino Ricci o El cazador de tiburones (Il cacciatore di squali, 1979) de Enzo G. Castellari y con Franco Nero de protagonista.
Ya en los 80’s, nos tenemos que quedar en Italia para seguir la senda del sharksploitation, allí apareció L’ultimo squalo (1981) nuevamente de Enzo G. Castellari, con actores italianos con seudónimos como James Franciscus, Vic Morrow, Micaela Pignatelli. Está película llegó a España y se la tituló con el título “Tiburón 3“ pese a no tener nada que ver con la saga iniciada por Spielbergy tuvo una gran taquilla en cines. Otro título de la misma procedencia fue La noche de los tiburones (La notte degli squali, 1988) con nuevamente Tonino Ricci a la dirección.
Mientras tanto en EEUU estrenaron una nueva secuela de la franquicia del tiburón, llamada Jaws 3-D (1983), en España debido al estreno de la película italiana se la llamó El gran tiburón (Tiburón 3). Dirigida por Joe Alves, con Dennis Quaid, Bess Armstrong, Lea Thompson, Louis Gossett Jr. Rodada en 3-D, durante el renovado interés de ésta tecnología a principios de los 80.
De vuelta al cine italiano aparece El devorador del océano (Shark: Rosso nell’oceano, 1984), de Lamberto Bava, con Michael Sopkiw, Valentine Monnier, Gianni Garko. Es una de las últimas producciones italianas surgidas del éxito de Tiburón y otras películas de terror submarino. En está ocasión se incorporaron elementos de cine fantástico, pues los protagonistas no deben enfrentarse a una bestia marina existente, sino al producto de un cruce de material genético de un pez prehistórico y un pulpo común.
Todavía la franquicia de tiburón dio un nuevo mordisco en taquilla con el estreno de Tiburón, la venganza (Jaws: The Revenge, 1987) dirigida por Joseph Sargent y protagonizada por Lorraine Gary, Lance Guest, Mario Van Peebles, Karen Young y Michael Caine. Vapuleada por la crítica pero que su buen beneficio se llevó en taquilla, y permitió a Caine comprarse su casa en las Bahamas.
Después parece que el tema de los escualos en el cine flojeó, pero en Italia la sharksploitation continuó con Jaws 5: Cruel Jaws , protagonizada por Richard Rocío y fue dirigido por el célebre cineasta italiano Bruno Mattei. La película utiliza imágenes de Jaws, Deep Blood y L’ultimo squalo. La comercializaron en muchos países como parte de la franquicia de Tiburón.
A principio del años 2000 aparece otra “franquicia”, en este caso se trata de Shark Attack (1999) con Casper Van Dien, Ernie Hudson, Bentley Mitchum, Jenny McShane protagonizan este filme de acción de Bob Misiorowski. Película que contaría con otras dos secuelas, la primera Shark Attack: El demonio del mar, (Shark Attack 2, 2000) de David Worth, con Thorsten Kaye, Nikita Ager. Y una tercera parte Terror del abismo (Shark Attack 3: Megalodon 2002) dirigida por David Worth, y con los interpretes George Stanchev, Jenny McShane, John Barrowman y Ryan Cutrona.
Entonces el cine se adentró en el mundo de la tv, pero eso es otra historia que continuaremos próximamente.
Al Borde del Spoiler: Il tunnel sotto il mondo (1969). Luigi Cozzi.
Luigi Cozzi dirigía en 1969 esta película de ciencia ficción, basada en el relato “El túnel debajo el mundo” (The Tunnel Under the World) de Frederik Pohl, con guion de Alfredo Castelli y Tito Monego.
La historia cuenta como un hombre despierta todas las mañanas tras sufrir la misma pesadilla. En ella, alguien le dispara con un rifle desde la elevada torre de un reloj. Un día, mientras pasea por una zona apartada, un par de de individuos intenta atacarle cuando, por sorpresa, un extraño personaje abre fuego contra los asaltadores.
Interpretada por Alberto Moro, Anna Mantovani, Bruno Salviero, Gretel Fehr, Isabel Karalson, Lello Maraniello. Y dirigida por Luigi Cozzi que es identificado como uno más de los muchos artesanos italianos que consagraron buena parte de su carrera a expoliar, con más cara que vergüenza, aquellos títulos que gozaban de una mayor popularidad en cada época. Suyos son títulos como “Starcrash, choque de galaxias” o “El desafío de Hercules”.
Está película es su debut en el cine como director, lleva a la pantalla “El túnel debajo del mundo” (The Tunnel Under the World), relato corto de Frederik Pohl en el que, bajo las formas de una fábula futurista, el escritor norteamericano daba su particular visión del mundo de la publicidad, industria que, al igual que Cozzi, conocía de primera mano tras haber trabajado en ella algunos años. Se trata de un buen relato, en el que la trama confunde al lector. Hay varias pistas que pueden conducir a la explicación de lo que ocurre, y algunos pasajes parecen haber inspirado obras posteriores como Dark City (1998) Alex Proyas. Pese a ello, el final consigue resultar sorprendente e imaginativo.
La historia comienza un 15 de junio de un año indeterminado. Guy Burckhardt se despierta de una pesadilla y comienza su jornada habitual camino de la industria química en la que trabaja. El día transcurre con la sensación de que todo es extraño, diferente, sin que se puede concretar por qué.
El día siguiente amanece… siendo 15 de junio. Guy Burckhardt se despierta de una pesadilla y comienza su jornada habitual sin recuerdos del día anterior. Poco después de despertarse, en el exterior comienzan a oirse sirenas y, al asomarse a la ventana, él y su mujer ven furgonetas que anuncian por megafonía un determinado tipo de congelador. Ese día termina cuando Guy se queda dormido en el sótano, al que había bajado a buscar algo y en el que le ha vencido una extraña somnolencia.
El día siguiente Guy se despierta en el sótano. Para él es 16 de junio, pero para su mujer es 15. Sale a la calle y observa que es 15 para todos, menos para él. Ese día un extraño hombre, Swanson, contacta con él. Swanson también sabe que los días pasan sin que la gente guarde recuerdos de ello, aunque no sepa darle explicación.
Swanson asegura que existen guardianes y que uno de ellos los ha descubierto. De esta forma, Guy y Swanson se ven envueltos en una huida para tratar de adivinar qué es lo que está pasando.
Detrás de las cámaras: Alfred Hitchcock durante el rodaje de ‘Psicosis’ (1960) Alfred Hitchcock
Al Borde del Spoiler: La marca del Muerto (1961) Fernando Cortés adapta a H.P. Lovecraft en el cine, con esta película mexicana.
Vamos a hablar de la que posiblemente sea la primera adaptación al cine de un relato de Lovecraft, en este caso, concretamente “El caso de Charles Dexter Ward” (1927-1928). En esta adaptación se deshace por completo del punto de vista de la magia negra de la novela, a favor de la pura ciencia de la mano del típico doctor loco del cine de los 50’s.
Se trata de una producción mexicana dirigida por el prolífico director mexicano, de origen portorriqueño, Fernando Cortés (1909-1979),
Componen su reparto Fernándo Casanova, Sonia Furio, Edmundo Espino, Aurora Alvarado, sobre un guión escrito por José María Fernández Unsain.
En la cinta Fernándo Casanova interpreta un papel doble, por una parte al científico loco Juan Malthus, ambientado en 1860, que aparece al inicio de la cinta, y a Gonzalo Malthus descendiente de éste, ya entrado en los años 60 del siglo pasado. Y narra las maquinaciones por parte del antepasado de los Malthus por conseguir un elixir de la vida eterna, cuyo principal ingrediente es la sangre de mujeres jóvenes no mayores de 25 años. Así el jóven Gonzalo descubre los estudios de su antepasado y decide comprobar si sus resultados son ciertos, provocando con ello el regreso desde la muerte de su antepasado, lo que originará problemas morales en el joven médico y pondrá en riesgo la vida de su prometida.
Al igual que muchas películas de terror mexicanas de su época, La marca del muerto tomó premisas e ideas que ya se habían visto en el cine de Hollywood, al que le añade nuevas e interesantes formas. La fotografía en blanco y negro, es muy limpia y juega muy bien con las luces y sombras, y Fernando Cortés muestra una buena cantidad de imaginación visual más que el cineasta estadounidense medio en su rango de sueldo.
Por su parte, el actor Fernándo Casanova (1925-2012), es muy conocido en la cinematografía mexicana con importante películas, interpretando a un icono de la cultura mexicana como “El Santo” o trabajando con Luis Buñuel en El (1953). Incluso forma parte del libro de récords Guinness debido a su fascinante e increíble trayectoria como actor al haber interpretado más de 300 películas como “actor estrella que tiene más interpretaciones en el cine nacional y en el extranjero”.
Posteriormente, el productor estadounidense Jerry Warren (1925-1988) compró la cinta y la retocó para estrenarla en los EE.UU. de este modo gran parte de la esencia lovecraftiana del film original se fue al garete. Warren comenzó en el mundo del cine como actor y se convirtió en un productor después de darse cuenta que eran estos los que hacían mayor cantidad de dinero en el negocio. Así que se dedicaba a comprar películas mexicanas que estrenaba en EEUU añadiendo o eliminando metraje según conveniese.
La película llegó a los cines estadounidenses con el título Creature of the walking dead (1965). Modificó los diálogos al inglés, reordenó los segmentos, al menos en cierta medida, sin duda, extirpó una cierta cantidad de material de archivo por completo, y luego fue insertando nuevas escenas filmadas con un reparto y el equipo propio. En otras palabras, el método de Warren era muy parecido a lo que tantas veces se ha hecho con las importaciones japonesas de la época.
Incluso añadió un nuevo elenco de actores estadounidense alengando que necesitaba un elenco de caras blancas, pese a que en el fin original todos los actores eran de apariencia caucásica, así en los títulos de crédito aparecen Rock Madison, Ann Wells, George Todd, Willard Gross. Además, la versión estadounidense cuenta asombrosamente con poco doblaje convencional, al parecer porque Warren no tenía ganas de contratar a más de una voz y actor de cada género para la tarea. Así la mayoría de las veces, nos conformamos con escuchar una voz en off del protagonista, tanto si él está presente en la escena o no. El momento más asombroso en toda la película llega cuando el protagonista y su prometida tienen su primer enfrentamiento, en lugar de escuchar la conversación entre ellos, como lo haríamos en cualquier película, es la voz en off del protagonista quien resume el diálogo original, que se escucha en español.
Al Borde del Spoiler: NightFlyters (1987) Robert Collector. Como homenaje al fallecido James Avery, vamos a hablar de NightFlyters de George R.R. Martin.
Dirigida por Robert Collector, que la firmó con el seudónimo T.C. Blake, e interpretado por Catherine Mary Stewart, Michael Praed, John Standing, Lisa Blount (1957-2010), Glenn Withrow, Michael Des Barres y James Avery (1948-2013).
Nightflyers (1987) empieza con el reclutamiento de físicos, biólogos, criptólogos y telépatas para iniciar una odisea espacial en busca de la raza de los Volcrim, unos tipos que conocen el origen del universo. Seres sin edad y testigos de la Historia de la Humanidad desde sus comienzos. La nave que los transporta, carece de tripulación y su único contacto es el capitán Roy Erris, quien tendrá que defenderles de unas fuerzas diabólicas confabuladas contra los humanos…
Se trata de una adaptación de una novela corta escrita por George R. R. Martin en 1980. Galardonada con el premio Locus en 1981. La adaptación de la novela corre a cargo de Robert Jaffe. Martin, por desgracia, acabó frustrado con los múltiples cambios de guion que hubo de hacer para adaptar la producción a un nimio presupuesto. La película fue estrenada en 1987 y, con poco más de un millón de recaudación, no pasará a la historia ni por ser un taquillazo ni por su calidad.
Cartel promocional de El Hobbit (2013) Peter Jackson.
Al Borde del Spoiler: Хоббит (El Hobbit, a secas) o ”Skazochnoye puteshestviye mistera Bilbo Begginsa Khobbita (El viaje de cuento de hadas del hobbit Bilbo Bolsón)“ (1985) dirigida por Vladimir Latyshev. La televisión de Leningrado produjo, en 1985, una curiosa adaptación con actores de carne y hueso.
Filmada durante los primeros años de la Perestroika, no disponía ni del presupuesto ni del equipamiento con el que contó Peter Jackson para su versión del Hobbit. Así, se tuvieron que obviar algunos detalles con el objetivo de representar fílmicamente la diversidad del libro.
Un curioso JRRR Tolkien, interpretado por el actor Zinovi Gerd, era el narrador que guiaba a través de la historia, permitiendo generosos saltos en la acción sin que los espectadores perdieran el hilo conductor. Por eso, cualquier fanático echará a faltar los capítulos de los encuentros con los trolls, los elfos o Beorn.
Tanto hobbits, como enanos fueron representados por actores dentro del estudio a través de cámaras estáticas. Los fondos de bastidores disponibles, pintados o por vídeo composición, sólo permitían limitados cambios de perspectiva.
El dragón Smaug y la araña del bosque oscuro eran títeres. Gollum y los orcos fueron personificados a través de actores de carne y hueso con relativamente poco maquillaje y sin ningún tipo de prótesis.
Sin embargo, el guion se atuvo a los diálogos, a menudo de manera muy fiel, al texto del libro. También la música juega un papel importante similar a la que tiene en el libro. Los cantos de los enanos se apoyan en varias voces y cuando los orcos hacen prisioneros a los enanos en la montaña, realizan toda una coreografía.
Al Borde del Spoiler: El Hobbit (1966)
Para ser un poco friki… aquí os dejo la primera adaptación de la novela “El hobbit“ (1966) de JRR Tolkien, por el director norteamericano Gene Deitch.
Animada en Checoslovaquia durante la década de los 60’s. Cuenta con ilustraciones de Adolf Born, la película estuvo perdida durante décadas hasta su redescubrimiento a principios de 2012. Adaptación bastante libre, aunque fiel en su idea principal. Fue la primera versión de la película de dibujos animados de “El Hobbit”, de J. R. R. Tolkien, una película de unos 12 minutos que fue rechazada por los productores.
El dibujante Adolf Born (České Velenice, 12 de junio de 1930), entre 1949 y 1955 estudió artes plásticas en la Facultad de Pedagogía de la Universidad Carolina de Praga. Desde los años 1960 sus obras han sido exhibidas en todo el mundo y ha recibido varios premios, entre ellos el GranPrix de la Exposición universal de caricatura en Montreal en 1964.
Su trabajo se centra sobre todo en la obra gráfica, la técnica del grabado a punta seca, el aguafuerte y la litografía. En su obra aparecen animales extraños, figuras atípicas, hombres con sombreros de copa, damas conescotesprofundos y motivos exóticos. Entre sus obras más famosas destacan las ilustraciones de libros para niños del autorMilošMacourek (Machy Šebestová, La mona Žofka). Ilustró El náufrago del Cynthia de Julio Verne, Los tres mosqueteros de Alejandro Dumas, etc.
Fue el diseñador de vestuario y decoración de una de las interpretaciones de la ópera “El diablo y Catalina” de Antonín Dvořák, representada en el Teatro Nacional de Praga.
En total ilustró 220 libros y realizó 70 películas de dibujos animados. Publicó cinco libros de caricaturas y obras gráficas. Ha organizado más de 70 exposiciones individuales y ha participado en numerosas exposiciones colectivas tanto en la República Checa como en varios países del mundo.
El asteroide 17806 Adolfborn fue llamado así en su honor.
Por su parte, Gene Deitch (8 de agosto de 1924 en Chicago, Illinois, Estados Unidos) es un ilustrador, animador y director estadounidense, ganador de un premio Oscar. Entre 1945 y 1951 Deitch fue un colaborador frecuente de “TheRecord Changer”, una revista de jazz. Ha producido dibujos animados para estudios como UPA/Columbia (Tom Terrific), MGM (Tom y Jerry), y Paramount Pictures (Nudnik).
Desde 1968, Deitch ha sido el director de la organización de Connecticut, Weston Woods/Scholastic, adaptando libros infantiles. En 2004, fue premiado con el “Annie” porASIFAHollywood por su trabajo en el arte de la animación.
Sus hijos Kim Deitch y Simon Deitch fueron destacados artistas en el ambiente de los cómics. Otro hijo, Seth Deitch escribe ficción, generalmente para publicaciones clandestinas.
Deitch ha vivido en Praga desde 1961 donde trabaja como un director de animación independiente. Escribió sus memorias, «For the Love of Prague«, basado en su experiencia de ser “el único estadounidense libre en Praga durante 30 años de comunismo”.
Se cumplen 85 años del nacimeinto de Philip K. Dick
Philip Kindred Dick (Chicago, 16 de diciembre de 1928 – Santa Ana, California, 2 de marzo de 1982), conocido como Philip K. Dick, fue un prolífico escritor y novelista estadounidense de ciencia ficción, que influyó notablemente en dicho género.
Dick trató temas como la sociología, la política y la metafísica en sus primeras novelas, donde predominaban las empresas monopolísticas, los gobiernos autoritarios y los estados alterados de conciencia. En sus obras posteriores, el enfoque temático de Dick reflejó claramente su interés personal en la metafísica y la teología. A menudo se basó en su propia experiencia vital, reflejó su obsesión con las drogas, la paranoia y la esquizofrenia en novelas como “A Scanner Darkly” y “SIVAINVI”.
La novela “El hombre en el castillo”, galardonada con el Premio Hugo a la mejor novela en 1963, está considerada como una obra maestra del subgénero de la ciencia ficción denominado Ucronía. “Fluyan mis lágrimas, dijo el policía”, una novela sobre una estrella televisiva que vive en un estado policial en un cercano futuro distópico, ganó el Premio John W. Campbell Memorial a la mejor novela en 1975.
Además de treinta y seis novelas, Dick escribió 121 relatos cortos. Gran parte de sus muchas historias cortas y obras menores fueron publicadas en las revistas pulp de la época; fue en una de ellas donde apareció “Beyond Lies the Wub”, su primera venta profesional: “Planet Stories” de julio de 1952.
Aclamado en vida por contemporáneos como Robert A. Heinlein o Stanisław Lem, Dick pasó la mayor parte de su carrera como escritor casi en la pobreza y obtuvo poco reconocimiento antes de su muerte.
Numerosas obras de K. Dick han sido llevadas a la gran pantalla, pues Hollywood parece haber encontrado un filón en sus historias futuristas repletas de protagonistas no del todo heroicos, pero llenos de determinación, así como en el magnetismo que desprende el halo de sufrimiento y autodestrucción de su obra autobiográfica.