Archivo de la etiqueta: Cine de los 80’s

Breve Historia Desconocida: La fotografía de El Resplandor

El resplandor (1980) Stanley Kubrick finaliza la película con la inquietante escena final, la cámara se aproxima lentamente a una fotografía del baile celebrado el 4 de julio de 1921 del Hotel Overlook. En el centro aparece Jack Torrance, interpretado por Jack Nicholson, sonriendo entre una multitud de asistentes.

Cuando Stanley Kubrick preparaba El resplandor a finales de los años setenta, necesitaba una imagen muy concreta para cerrar la película. En lugar de organizar una sesión fotográfica con actores y figurantes vestidos de época, Kubrick decidió partir de una fotografía histórica auténtica.

La imagen elegida mostraba a decenas de personas elegantemente vestidas durante un baile celebrado en Londres en los años veinte. Kubrick conocía bien el valor visual de las fotografías históricas y había trabajado extensamente con archivos iconográficos durante la preparación de sus películas. Una fotografía auténtica proporcionaba algo difícil de reproducir artificialmente: la disposición espontánea de los cuerpos, los rostros, la iluminación y, sobre todo, la textura visual de una verdadera fotografía social de comienzos del siglo XX.

Pero todavía faltaba un pequeño detalle había que introducir al actor Jack Nicholson en la composición de la fotografía. La transformación se realizó mediante un fotomontaje. El rostro original de uno de los asistentes fue sustituido por el de Jack Nicholson, mientras se conservó su cuerpo, su postura y prácticamente toda la composición histórica. También se modificaron determinados elementos de la imagen para integrarla en la ficción del Hotel Overlook y convertir aquella image de un baile real en el supuesto Overlook Hotel, July 4th Ball, 1921.

Breve Historia Desconocida: La fotografía de El Resplandor
Overlook Hotel, July 4th Ball, 1921.
Imagen que aparece al final de la cinta de El Resplandor (1980) Stanley Kubrick

Durante décadas se desconoció el origen exacto de una célebre fotografía, se sabía que correspondía a un gran baile celebrado en Londres durante los años veinte. Se sabía que era una imagen auténtica de la época, pero habían desaparecido de su historia datos fundamentales: quiénes eran aquellas personas, dónde se había tomado y qué acontecimiento había reunido a aquella multitud ante la cámara.

Más de un siglo después, una investigación emprendida por Alasdair Spark, con la colaboración durante buena parte de la búsqueda de Aric Toler, periodista de Visual Investigations de The New York Times, consiguió reconstruir su procedencia.

La investigación comenzó intentando identificar al hombre situado en el centro de la fotografía. Los primeros resultados obtenidos mediante reconocimiento facial apuntaron hacia Santos Casani, un conocido bailarín, profesor de baile y empresario de la vida nocturna londinense de los años veinte y treinta. La investigación biográfica permitió descubrir que Casani había utilizado anteriormente el nombre de John Golman.

Breve Historia Desconocida: La fotografía de El Resplandor
Patrons at a St. Valentine’s dance and ballroom dancing competition in the Empress Rooms at the Royal Palace Hotel, Kensington, London, 14th February 1921. In the foreground (centre) is South African ballroom dancing teacher Santos Casani (aka John Golman). (Photo by Morey/Topical Press Agency/Hulton Archive/Getty Images)

Mucho antes de convertirse en Santos Casani, el hombre que llegaría a ser uno de los personajes más reconocibles del mundo del baile londinense de entreguerras tuvo varios nombres y, en cierto modo, varias vidas. Nació el 14 de abril de 1893 como Joseph Zisling, en Baranavichy —entonces Baranowitz, dentro del Imperio ruso y actualmente en Bielorrusia—, en el seno de una familia judía encabezada por el rabino Zvi Menachem Zisling y Esther Kaplan. Uno de sus hermanos, Aharon Zisling, seguiría un camino completamente distinto y acabaría convirtiéndose décadas después en una figura importante del nacimiento del Estado de Israel y en su primer ministro de Agricultura. Joseph, sin embargo, abandonó muy joven Europa oriental y comenzó una existencia marcada desde el principio por los desplazamientos y los cambios de identidad.

Breve Historia Desconocida: La fotografía de El Resplandor

Hacia 1908 o 1909, siendo todavía adolescente, fue enviado al Transvaal, en Sudáfrica, donde trabajó para un tío suyo que tenía un negocio de vinos y licores en Krugersdorp. Allí comenzó también la complicada historia de sus nombres.

En distintos documentos aparece como Joseph Goldman, Joe Goldman, John Goldman y finalmente John Golman. Estas variaciones no fueron un detalle menor: décadas más tarde, cuando solicitó la nacionalidad británica, las autoridades del Home Office tuvieron serias dificultades para reconstruir quién era exactamente aquel hombre que había vivido bajo diferentes identidades y ofrecía versiones contradictorias incluso sobre su propio lugar de nacimiento.

La guerra terminó por llevarlo hasta Gran Bretaña. Después de una primera experiencia militar en África austral, sirvió en las fuerzas británicas y acabó vinculado al Royal Flying Corps y posteriormente a la recién creada Royal Air Force bajo el nombre de John Golman. Su vida cambió radicalmente el 10 de octubre de 1919. Mientras estaba destinado en RAF Leuchars, en Escocia, sufrió un grave accidente aéreo.

Sobrevivió, pero padeció quemaduras y severas lesiones en la cabeza y el rostro, incluyendo fracturas craneales y nasales. Pasó aproximadamente un año entrando y saliendo de hospitales militares, especialmente RAF Finchley, y fue sometido a cirugía reconstructiva en una época en la que la reconstrucción facial moderna apenas comenzaba a desarrollarse como consecuencia de las terribles heridas producidas por la Primera Guerra Mundial.

Su nariz tuvo que ser reconstruida en gran medida y las lesiones dejaron señales permanentes en su rostro. Cuando abandonó el servicio activo a finales de 1920 recibió una pensión por discapacidad del 40 %. Tenía veintisiete años y debía reconstruir no solamente su apariencia, sino también su vida. Lo sorprendente es el camino que eligió: comenzó a practicar judo y se introdujo en el mundo del baile.

A finales de 1921 comenzó a utilizar profesionalmente un nombre mucho más teatral: Santos Casani. Todo indica que comprendió perfectamente algo esencial del mundo del espectáculo: un bailarín profesional necesitaba no solo saber bailar, sino construir un personaje reconocible. En 1925 terminó formalizando el cambio de nombre y John Golman fue desapareciendo progresivamente de la vida pública. Muy pronto se convirtió en un conocido profesor y bailarín de salón en Londres.

Breve Historia Desconocida: La fotografía de El Resplandor
Santos Casani y Jose Lennard bailando Charleston.

Durante los años veinte Casani se convirtió en una figura cada vez más conocida del baile de salón británico. Su gran compañera artística fue Jose Lennard, con quien formó desde aproximadamente 1923 una pareja profesional especializada en exhibiciones y demostraciones. Ambos comprendieron muy pronto el enorme potencial de los nuevos medios de comunicación. No se limitaron a enseñar en academias: aparecieron ante las cámaras de los noticiarios cinematográficos enseñando al público los bailes que estaban de moda.

De todas sus acciones publicitarias, ninguna representa mejor su personalidad que la célebre exhibición en la que Casani y Lennard bailaron el Charleston sobre el techo de un taxi londinense en movimiento. La escena fue filmada y se convirtió en una de esas imágenes que todavía hoy aparecen ocasionalmente en documentales sobre los “felices años veinte”. El número tenía algo de clase de baile, algo de espectáculo circense y mucho de publicidad. Casani entendía perfectamente que para vender el baile había que convertirlo en noticia.

No era simplemente un bailarín extravagante. También fue un importante divulgador de la transformación que estaba experimentando el baile social británico. Publicó manuales destinados a enseñar a bailar sin necesidad de acudir constantemente a un profesor, entre ellos Casani’s Self-Tutor of Ballroom Dancing, publicado en 1927, y posteriormente Casani’s Home Teacher: Ballroom Dancing Made Easy, de 1936. Su actividad coincidió con una época en la que el baile de salón se estaba estandarizando y profesionalizando, mientras ritmos procedentes de Estados Unidos modificaban profundamente las costumbres de ocio europeas.

Casani convirtió progresivamente su nombre en una marca. Dirigió una importante escuela de baile, primero en Knightsbridge y después en Regent Street, una de las direcciones comerciales más prestigiosas de Londres. Su gran proyecto llegó en 1933 con la apertura del Casani Club, en Imperial House, Regent Street. No era únicamente una academia, sino un sofisticado espacio de ocio donde se mezclaban baile, música, restauración y vida social.

El club quedó relacionado con algunos nombres importantes de la música popular británica. Casani contrató al pianista y director de orquesta Charlie Kunz, cuya popularidad aumentó enormemente gracias, entre otras cosas, a las emisiones radiofónicas realizadas desde el establecimiento. Por aquel ambiente pasó también una jovencísima Vera Lynn, mucho antes de convertirse durante la Segunda Guerra Mundial en una de las voces más queridas de Gran Bretaña. Casani no era ya simplemente alguien que enseñaba pasos de baile: se había convertido en empresario, promotor y mediador entre músicos, bailarines, radio y público.

Pero su ambición empresarial terminó superando sus posibilidades económicas. Se involucró también en proyectos relacionados con Firbeck Hall, en Yorkshire, y la expansión de sus negocios acabó provocando graves dificultades financieras. En 1938 fue declarado en bancarrota. El hombre que había convertido su nombre en sinónimo de elegancia, baile y vida nocturna londinense había perdido buena parte de aquello que había construido.

Casani regresó al servicio militar durante la Segunda Guerra Mundial, esta vez en el Royal Army Service Corps. Su carrera militar resulta tan peculiar como el resto de su vida, porque terminó aplicando precisamente aquello que había aprendido en los salones de baile a una necesidad completamente diferente: mantener la moral de los soldados. Organizó actividades recreativas, bailes y espectáculos para las tropas y terminó destinado en India y el sudeste asiático. Una de las iniciativas asociadas a su trabajo fue el llamado Butlin Ballet, un conjunto de entretenimiento destinado a ofrecer espectáculos a los militares. Al finalizar su servicio había alcanzado el rango de teniente coronel, una transformación extraordinaria para alguien cuya imagen pública anterior había sido la de un extravagante maestro de Charleston.

Breve Historia Desconocida: La fotografía de El Resplandor
Dance master Santos Casani (right), circa 1930. (Photo by Fox Photos/Hulton Archive/Getty Images)

Después de la guerra intentó trasladar aquella experiencia al mundo civil. Participó en proyectos relacionados con la rehabilitación y el ocio de los veteranos y colaboró durante un tiempo con el universo de los campamentos vacacionales de Billy Butlin, defendiendo la importancia del entretenimiento organizado y las actividades recreativas. Sin embargo, sus problemas económicos regresaron y en 1951 volvió a declararse en bancarrota.

Ese mismo año se casó con Joan Winifred Tilney, una mujer que también llevaba físicamente las consecuencias de la guerra: había perdido una pierna durante el Blitz. La pareja se hizo relativamente conocida en determinados círculos sociales londinenses durante los años cincuenta y sesenta y protagonizó algunas pequeñas historias recogidas por la prensa. Una de las más curiosas tenía como protagonista a su periquito, Poochi, que los acompañaba habitualmente. En 1961 la prensa llegó a publicar una historia sobre el ave bajo un título que podría traducirse como “Un martini para el periquito”, muestra del carácter excéntrico con el que la pareja era presentada en las páginas sociales.

También su relación con las autoridades británicas produjo episodios singulares. Casani había pasado gran parte de su vida reinventando su identidad y ofreciendo versiones poco consistentes sobre sus orígenes. Durante su proceso de naturalización afirmó haber nacido en Krugersdorp, Sudáfrica, algo que las propias autoridades sudafricanas negaron. El Home Office tuvo que investigar su pasado, sus distintos nombres y sus movimientos entre Rusia, África y Gran Bretaña. Finalmente obtuvo la ciudadanía británica en 1950, pero la cuestión de su lugar de nacimiento resultó suficientemente problemática como para que sus documentos oficiales evitaran consignarlo de manera convencional.

Santos Casani murió en Londres el 11 de septiembre de 1983, a los noventa años. Su esposa Joan murió seis años después. Para entonces, el mundo que lo había hecho famoso prácticamente había desaparecido. Los grandes salones de baile de entreguerras habían perdido su centralidad, el Casani Club pertenecía al pasado y su nombre era conocido principalmente por especialistas en la historia del baile y por aficionados a antiguas filmaciones británicas.

Breve Historia Desconocida: La fotografía de El Resplandor
Kate Brenda Holberton, Lady Muir Mackenzie (centre) congratulates Anna Elizabeth Green (Mrs Neville Green, left) and her dance partner, professional dance teacher Santos Casani (aka John Golman), after they won a ballroom dancing competition at a St. Valentine’s dance held at the Empress Rooms at the Royal Palace Hotel, Kensington, London, 14th February 1921. On the right is dance teacher and competition organiser, Belle Harding. (Photo by Morey/Topical Press Agency/Hulton Archive/Getty Images)

Volviendo al tema de la historia de la fotografía, sin embargo, identificar al protagonista no resolvía el misterio principal. Durante meses se rastrearon hemerotecas y archivos fotográficos, se revisaron centenares de salones de baile, hoteles, teatros, restaurantes y locales relacionados con la trayectoria de Casani, pero ninguno coincidía con el escenario de la imagen. La búsqueda partía además de un problema inesperado: la fotografía nunca había sido publicada en la prensa de la época, por lo que no existía una noticia fácilmente localizable que permitiera relacionarla con un lugar y una fecha.

La pista decisiva apareció al reconstruir la propia historia material de la fotografía. El fotógrafo Murray Close recordó que la imagen procedía de la antigua Hulton Picture Library. Tras nuevas búsquedas, Matthew Butson, responsable de los archivos de Getty Images, localizó finalmente el 1 de abril de 2025 el negativo original sobre placa de vidrio.

La fotografía había sido hecha con negativo fotográfico sobre placa de vidrio, una tecnología habitual entre los fotógrafos profesionales y las grandes agencias de prensa de comienzos del siglo XX. Las placas de vidrio ofrecían negativos de extraordinaria definición, pero eran objetos físicos pesados, frágiles y difíciles de almacenar. Aquella placa pasó a formar parte de los archivos de la Topical Press Agency, una importante agencia fotográfica británica fundada a comienzos del siglo XX que documentó durante décadas acontecimientos políticos, conflictos, ceremonias, deportes, espectáculos y escenas de la vida cotidiana.

La conservación del negativo original acabaría vinculada a una de las mayores aventuras archivísticas de la historia de la fotografía británica: la formación del Hulton Picture Library. Su origen se encuentra en la revista ilustrada británica Picture Post, fundada en 1938. Durante sus años de existencia, la publicación reunió un enorme archivo fotográfico procedente tanto de sus propios reporteros como de colecciones y agencias anteriores.

Pese a que Picture Post dejó de publicarse en 1957, aquel inmenso patrimonio visual no desapareció. Durante las décadas siguientes se incorporaron numerosas colecciones históricas y fondos procedentes de agencias fotográficas. Entre aquellos materiales terminaron integrándose los negativos de la antigua Topical Press Agency. En 1996, Getty Images adquirió la colección Hulton, que posteriormente sería conocida como Hulton Archive, que inició un enorme proceso de catalogación, conservación y digitalización de sus fondos históricos.

El hallazgo de la placa permitió llegar hasta la documentación original de la agencia. El antiguo day book, el libro donde se registraban diariamente los trabajos realizados por los fotógrafos, conservaba la información que se había perdido durante más de un siglo. Gracias a ese registro pudo establecerse definitivamente que la fotografía había sido tomada el 14 de febrero de 1921 en los Empress Rooms del Royal Palace Hotel de Kensington, Londres, durante un baile de San Valentín y una competición de baile de salón. Aquella noche la Topical Press Agency realizó cuatro fotografías a cargo de un fotógrafo identificado como Morey.

El registro contenía además una sorpresa fundamental para entender por qué había resultado tan difícil reconstruir la historia. Santos Casani no aparecía con ese nombre, sino como Golman. En febrero de 1921 todavía era John Golman; aunque poco después comenzaría a utilizar profesionalmente el nombre de Santos Casani, no formalizaría legalmente el cambio hasta años más tarde. Buscar exclusivamente su nombre posterior había hecho prácticamente invisible su presencia en los documentos contemporáneos.

La investigación permitió también comprender detalles que habían permanecido ante nuestros ojos durante décadas. Los corazones que algunos asistentes llevan sobre la ropa, los adornos y otros elementos festivos responden precisamente a la celebración de San Valentín. Casani tampoco era todavía la celebridad en la que se convertiría posteriormente: había abandonado definitivamente el hospital apenas unos meses antes y comenzaba a abrirse camino en el mundo profesional del baile.

Breve Historia Desconocida: La fotografía de El Resplandor
Two couples at a St. Valentine’s dance and ballroom dancing competition at the Empress Rooms at the Royal Palace Hotel, Kensington, London, 14th February 1921. (Photo by Morey/Topical Press Agency/Hulton Archive/Getty Images)

Más de un siglo después, la imagen conserva algo extraordinario: un instante de la vida nocturna londinense apenas tres años después del final de la Primera Guerra Mundial. Decenas de hombres y mujeres, vestidos para una ocasión especial, se agrupan ante la cámara. Algunos sonríen abiertamente, otros mantienen la compostura exigida por las fotografías formales de la época. En primera fila, un hombre extiende los brazos hacia sus compañeros mientras mira directamente al objetivo.

Pero para comprender realmente la imagen hay que regresar al Londres de 1921. La ciudad estaba saliendo de uno de los periodos más traumáticos de su historia reciente. La Primera Guerra Mundial había terminado en noviembre de 1918 dejando cientos de miles de británicos muertos, heridos o desaparecidos. A aquella tragedia se había sumado la pandemia de gripe de 1918-1920. Tras años de guerra, restricciones, pérdidas y duelo, la sociedad británica comenzó lentamente a recuperar sus espacios de ocio.

Los salones de baile volvieron a llenarse. La música, el baile y las reuniones sociales adquirieron una importancia extraordinaria en aquella nueva década. El jazz comenzaba a transformar la cultura popular europea y nuevas formas de bailar desafiaban progresivamente las rígidas convenciones sociales heredadas de la época victoriana y eduardiana. El baile se estaba convirtiendo en una expresión de modernidad.

Breve Historia Desconocida: La fotografía de El Resplandor
Couples at a St. Valentine’s dance and ballroom dancing competition at the Empress Rooms at the Royal Palace Hotel, Kensington, London, 14th February 1921. Among the group are Kate Brenda Holberton, Lady Muir Mackenzie (standing, centre, right) and members of the judging panel: writer on dancing Phillip John Sampey Richardson (Phillip J. S. Richardson, standing, third from left), actor, playwright and theatre impresario, George Grossmith Jr. (standing, centre, left), Francis Dudley Leigh, 3rd Baron Leigh (standing, fourth from right), actress and singer Heather Thatcher (seated far left) and dancer and choreographer Phyllis Bedells (seated, second from right). The competition was organized by dance teacher Belle Harding (seated, second from left). (Photo by Morey/Topical Press Agency/Hulton Archive/Getty Images)

Situados dentro del Royal Palace Hotel de Kensington, donde había amplios espacios destinados a bailes, banquetes, competiciones y acontecimientos sociales. El hotel, construido a finales del siglo XIX frente a Kensington Gardens, pertenecía a aquella generación de grandes establecimientos londinenses concebidos no solamente como lugares donde alojarse, sino también como centros de sociabilidad. El Royal Palace Hotel fue demolido a comienzos de la década de 1960 y el paisaje urbano de Kensington cambió profundamente. En el lugar donde se encontraba aquel complejo hotelero se levanta actualmente el Royal Garden Hotel.

Avatar de Charles A.R. Byrne

Obituario: Gene Hackman

Obituario: Gene Hackman

Obituario de Gene Hackman: Un Legado Inolvidable en la Historia del Cine

Eugene Allen Hackman, conocido mundialmente como Gene Hackman, falleció el 17 de febrero de 2025 en su residencia de Santa Fe, Nuevo México, a la edad de 95 años. Su esposa, Betsy Arakawa, y uno de sus perros también fueron encontrados sin vida en el lugar. La noticia de su partida deja un vacío inmenso en el mundo del cine, donde Hackman se consolidó como uno de los actores más versátiles y respetados de su generación.

Nacido el 30 de enero de 1930 en San Bernardino, California, Hackman fue hijo de Eugene Ezra Hackman y Lyda Gray. Su infancia estuvo marcada por constantes mudanzas hasta establecerse en Danville, Illinois, en casa de su abuela materna. A los 13 años, sus padres se divorciaron, y poco después, su padre abandonó a la familia, un hecho que impactaría profundamente en la vida de Gene. A los 16 años, mintió sobre su edad para alistarse en los Marines, donde sirvió como operador de radio en China, Hawái y Japón durante tres años.

Obituario: Gene Hackman

Tras su servicio militar, Hackman exploró diversas ocupaciones antes de decidirse por la actuación. Estudió periodismo y televisión en la Universidad de Illinois, pero su pasión por el arte dramático lo llevó a inscribirse en la Pasadena Playhouse en Los Ángeles. Allí conoció a Dustin Hoffman, con quien formaría una amistad duradera. A pesar de ser considerados «los menos propensos al éxito» por sus instructores, ambos desafiaron las expectativas y se convirtieron en figuras icónicas de Hollywood.

El debut cinematográfico de Hackman se produjo con un pequeño papel en Mad Dog Coll (1961) Burt Balaban, aunque no fue acreditado. Su primer rol significativo llegó en Lilith (1964) Robert Rossen, compartiendo pantalla con Warren Beatty y Jean Seberg. Sin embargo, fue su interpretación de Buck Barrow en Bonnie and Clyde (1967) Arthur Penn, la que le valió su primera nominación al Óscar como Mejor Actor de Reparto, catapultándolo al reconocimiento internacional.

La década de 1970 fue especialmente prolífica para Hackman. En 1971, protagonizó The French Connection (1971) William Friedkin, interpretando al intrépido detective Jimmy «Popeye» Doyle, papel que le otorgó el Óscar al Mejor Actor. Este éxito consolidó su estatus en la industria cinematográfica.

Obituario: Gene Hackman

Posteriormente, trabajó en La aventura del Poseidón (1972) Ronald Neame, donde encarnó al Reverendo Frank Scott. En La conversación (1974) Francis Ford Coppola, dio vida a Harry Caul, un experto en vigilancia, en una actuación que él mismo consideró una de las mejores de su carrera. Otros títulos destacados de esta década incluyen Scarecrow (1973) Jerry Schatzberg, compartiendo protagonismo con Al Pacino, y Night Moves (1975) Arthur Penn, donde interpretó al detective privado Harry Moseby. Y quizás su papel más recordado de la década de los 80’s fuera su Lex Luthor en Superman (1978) Richard Donner.

Durante los años 80, Hackman continuó demostrando su versatilidad al asumir una amplia gama de personajes. En Under Fire (1983) Roger Spottiswoode, interpretó a Alex Grazier, un periodista en medio de conflictos políticos. En Hoosiers (1986) David Anspaugh, encarnó a Norman Dale, un entrenador de baloncesto en busca de redención, en una actuación que se convirtió en un clásico del cine deportivo. Ese mismo año, participó en Power (1986) Sidney Lumet, interpretando a Wilfred Buckley, un influyente consultor político.

Obituario: Gene Hackman

Uno de sus papeles más recordados de esta década fue el de Rupert Anderson en Mississippi Burning (1988) Alan Parker, donde interpretó a un agente del FBI investigando crímenes raciales en el sur de Estados Unidos, actuación que le valió una nominación al Óscar como Mejor Actor.

La década de 1990 trajo consigo más éxitos y reconocimientos para Hackman. En Unforgiven (1992) Clint Eastwood, interpretó al despiadado sheriff Little Bill Daggett, papel que le otorgó su segundo Óscar, esta vez como Mejor Actor de Reparto. Su capacidad para encarnar personajes complejos y moralmente ambiguos quedó nuevamente demostrada.

Otros trabajos destacados de esta década incluyen The Firm (1993) Sydney Pollack, donde actuó junto a Tom Cruise interpretando a Avery Tolar, un abogado con secretos oscuros; The Quick and the Dead (1995) Sam Raimi, donde encarnó al villano Herod; y Get Shorty (1995) Barry Sonnenfeld, donde dio vida a Harry Zimm, un productor de cine de serie B.

En los años 2000, Gene Hackman siguió deslumbrando con su talento en la gran pantalla. En The Royal Tenenbaums (2001) Wes Anderson, interpretó a Royal Tenenbaum, el patriarca de una familia de prodigios caídos en desgracia. Su actuación fue ampliamente elogiada, con una mezcla perfecta de humor y drama, lo que le valió un Globo de Oro como Mejor Actor en una Película de Comedia o Musical.

En Enemy of the State (1998) Tony Scott, aunque estrenada en la década anterior, Hackman tuvo un papel fundamental como Edward Lyle, un exespía que ayuda a un abogado (Will Smith) a escapar de una conspiración gubernamental. Este thriller tecnológico fue un éxito de taquilla y mostró a Hackman en un personaje reminiscentemente similar al de The Conversation (1974).

En Runaway Jury (2003) Gary Fleder, basado en la novela de John Grisham, Hackman interpretó a Rankin Fitch, un cínico y manipulador consultor de jurados, enfrentándose en pantalla con John Cusack y Dustin Hoffman en un duelo actoral memorable.

Obituario: Gene Hackman

Su última película antes de retirarse fue Welcome to Mooseport (2004) Donald Petrie, una comedia ligera en la que interpretó a un expresidente de los Estados Unidos que se postula como alcalde en un pequeño pueblo. A pesar del elenco, la película recibió críticas mixtas y no tuvo el impacto de sus anteriores trabajos.

Tras esta última producción, Hackman anunció su retiro de la actuación. Alegó motivos de salud y un deseo de disfrutar de una vida más tranquila fuera del ajetreo de Hollywood. A diferencia de muchos de sus colegas, nunca volvió de su retiro para cameos o apariciones especiales.

Después de su retiro, Gene Hackman se dedicó a la escritura, publicando varias novelas de ficción histórica y thrillers. Entre sus libros más notables se encuentran:

«Wake of the Perdido Star» (1999), coescrita con Daniel Lenihan, una novela de aventuras marítimas.

«Justice for None» (2004), ambientada en la Gran Depresión, con una historia de venganza y corrupción.

«Escape from Andersonville» (2008), sobre un prisionero de la Guerra Civil estadounidense que intenta escapar de un campo de prisioneros confederado.

Estos libros mostraron su amor por la historia y el detalle narrativo, logrando cierto reconocimiento en el mundo literario.

En su vida personal, Hackman vivió alejado de los reflectores en Santa Fe, Nuevo México, junto a su esposa, Betsy Arakawa, con quien estuvo casado desde 1991. Su amor por las carreras de autos, la arquitectura y la pintura ocupó gran parte de su tiempo libre.

Gene Hackman dejó un legado incomparable en la industria del cine. Su capacidad para interpretar tanto héroes como villanos con igual maestría lo convirtió en uno de los actores más versátiles de la historia. Ganador de dos premios Óscar, cuatro Globos de Oro y un BAFTA, su impacto en el cine es incuestionable.

Obituario: Gene Hackman

Detrás de las Cámaras: Cazafantasmas (1984)

Detrás de las Cámaras: Cazafantasmas (1984)

Detrás de las Cámaras: Cazafantasmas (1984)

Detrás de las Cámaras: Cazafantasmas (1984)

Producida y dirigida por Ivan Reitman, fue nominada a los premios Oscars con dos nominaciones en Efectos Especiales y Canción original (que luego resultó no ser tan original como se pensaba). El trabajo de efecto recayó en Richard Edlund y su equipo, quienes trabajaron sobre los diseños de Berni Wrightson.

What If – Tom Selleck es Indiana Jones

Tom Selleck como Indiana Jones en la película imposible En busca del arca perdida.

Durante la concepción del borrador de la película, tanto George Lucas como Steven Spielberg pensaron que el actor Tom Selleck sería perfecto para el papel de Indiana Jones en Raiders of the Lost Ark (1981) Steven Spielberg; y estaban preparados para comenzar a filmar con él como protagonista.

What If - Tom Selleck es Indiana Jones

Lucas, creador de Star Wars (1977), había coincidido con Selleck en dos de sus películas anteriores y no quería que apareciera en otra de sus películas. Lucas dijo:

Yo dije: ‘Oh, Steven. Él ha estado en dos de mis películas. No quiero que sea mi Bobby De Niro.

George Lucas

Desafortunadamente para Selleck, el actor ya había filmado un piloto para un serial de detectives producido por CBS llamado Magnum P.I. y no podía salir del contrato. La decisión de elegir entre los roles de Indiana Jones en Raiders of the Lost Ark (1981) o Magnum, P.I. afectó tanto a Selleck que consultó a su mejor amigo.

«[Spielberg y Lucas] mantuvieron la oferta durante aproximadamente un mes». «Mientras más tiempo mantenían la oferta y hablaban con la cadena, más la cadena decía que no… así que tuve que seguir adelante».

Tom Selleck en el Late Show With David Letterman

Resultó que la filmación del piloto de Magnum, P.I. se retrasó por más de seis meses, lo que habría permitido a Selleck completar el papel de Indiana Jones. Irónicamente, mientras esperaba en Hawái a que comenzara el rodaje de Magnum, P.I., Steven Spielberg y George Lucas también estaban en Hawái filmando escenas para Raiders of the Lost Ark.

Magnum, P.I. finalmente fue seleccionada, incluso le valió a Selleck un premio Emmy, pero no se comparaba con la franquicia de $1.8 mil millones en la que se convertiría la serie de Indiana Jones.

A Selleck se le ofreció protagonizar junto a Julie Andrews en Víctor Victoria (1982) Blake Edwards, pero dudó, y cuando finalmente decidió que quería el papel, ya estaba comprometido con su contrato de Magnum, P.I. – el mismo contrato que le costó el papel de Indiana Jones.

Este caso de posible cast de Indiana Jones es tan conocido, que a día de hoy existe la alocución «es un Tom Selleck«, que se usa para presentar distintas consideraciones de casting de película antes de la versión definitiva y que es popularmente conocida.

Mujeres en el Cine: Doris Wishman.

A Doris Wishman se le atribuye haber dirigido y producido al menos una treintena de largometrajes durante su carrera, que abarcaba más de cuatro décadas. Como cineasta, guionista y productora de cine participó en película sobre todo en el género cinematográfico de explotación sexual (sexploitation films).

Doris Wishman nació el 1 de junio de 1912 en la ciudad de Nueva York. Su padre era vendedor de heno y grano; su madre murió cuando ella aún era una niña.​ Se crio en el distrito del Bronx de Nueva York, donde se graduó en la escuela secundaria James Monroe. Después llegó a tomar clases de actuación en la Alviene School of Dramatics a principios de la década de 1930, donde fue compañera de clase de Shelley Winters.​ Más tarde estudió en el Hunter College.​

Mujeres en el Cine: Doris Wishman.

Más tarde trabajó como filmer booker para su primo Max Rosenberg, un distribuidor de cine independiente que manejaba producciones de cine arte con las primeras producción del cine de explotación durante la década de 1940 y principios de 1950.​

Wishman también trabajó como actriz en la ciudad de Nueva York durante la década de 1950, y durante algún tiempo trabajó con Joseph Levine.​ Durante este mismo período, contrajo matrimonio con el asesor publicitario Jack Abrams y residió con él en Florida hasta su muerte en 1958, a consecuencia de un paro cardíaco a los 31 años,​ enviudando sólo cinco meses después de su matrimonio.

​Por su propia cuenta, Wishman comenzó su carrera de producción cinematográfica después de la prematura muerte de Abrams, ya que sintió que «necesitaba algo con lo que llenar mis horas».​ Debutó tras las cámaras con el largometraje Hideout in the Sun (1960), pasando a dirigir posteriormente numerosas películas de corte nudista y de explotación sexual, como Gentlemen Prefer Nature Girls (1963), Behind the Nudist Curtain (1963) o Bad Girls Go to Hell (1965).

Sus primeras películas son conocidas como películas de campo nudista o romances nudistas.​ En 1957, un fallo del tribunal de apelaciones de Nueva York permitió que las películas que representaban el nudismo se exhibieran en los cines del estado de Nueva York. Wishman estaba familiarizada con el atractivo y potencial de esta clase de películas entre la audiencia debido a su contacto con Walter Bibo, cuya película Garden of Eden (1954) ganó notoriedad debido a su influencia de las leyes de censura para filmar desnudos.​

Mujeres en el Cine: Doris Wishman.

Inspirada por este desarrollo, Wishman afirmó en varias entrevistas haber pedido prestados 10.000 dólares a su hermana para producir su primera película, Hideout in the Sun (1960). Esta película nudista filmada a finales de 1958 y finalmente estrenada comienzos de 1960.

Su siguiente película, Nude on the Moon (1961), combinó el matiz de nudismo con la ciencia ficción. La película fue prohibida en el estado de Nueva York después de que la Junta de Censura del Estado de Nueva York dictaminara que las producciones que mostraban desnudez en una colonia nudista estaban legalmente permitidas, pero la desnudez en una película de fantasía ambientada en una «colonia nudista en la Luna» no lo era.

Su cuarta película nudista, Blaze Starr Goes Nudist (1962), estuvo protagonizada por la artista del burlesque Blaze Starr.​ Entre 1958 y 1964 Wishman produjo ocho películas nudistas en total. A medida que la popularidad del género comenzó a decaer, decidió abandonar las películas de explotación nudista y hacer la transición al nuevo género de la sexplotation. En ese momento, cuando decidió cambiar de género, Doris Wishman había producido, dirigido y escrito más películas del género nudista que nadie.​

Ella misma comenzó a producir películas de explotación en las que el sexo era un tema central que envolvía la trama y todos los elementos que captaba el espectador.​ En los años 1960 la censura permitía muy poco, lo que significa que Wishman y otros directores de explotación sexual usaron diferentes tácticas para retratar el erotismo y la emoción, usando melodrama, cortes, conversaciones sexuales suaves y desnudez sugerente que simplemente eludía la ley.

Todos estos aspectos colocaron a Wishman en claro desacuerdo con la ley de censura. En este género, Wishman también usó un estilo diferente de realización de películas en el que recortaba objetos o escenarios que no estaban en la escena, similar al montaje soviético.​ Moya Luckett consideró que el estilo recortado que Wishman usó fue posiblemente para interrumpir la mirada masculina e incorporar una mirada femenina.​

Su evolución a la sexplotation comenzó con The Sex Perils of Paulette (1965), que contó con Tony Lo Bianco en su debut cinematográfico y que fue fuertemente censurada por la Junta de Censores de Nueva York. Su segundo trabajo en este género fue Bad Girls Go to Hell (1965), la primera colaboración de Wishman con su director de fotografía C. Davis Smith. Durante este período trabajó con frecuencia bajo el seudónimo de Louis Silverman, el nombre de su segundo marido. También dirigió The Sex Perils of Paulette (1965), ​

Todo el trabajo de explotación sexual de Wishman se filmó en blanco y negro hasta el lanzamiento de su primera producción softcore, Love Toy (1970). Poco después, produjo una comedia sexual titulada Keyholes Are for Peeping (1972), también conocida como Is There Love After Marriage?, protagonizada por el comediante Sammy Petrillo. A mediados de la década de 1970, pasó a dirigir un par de thrillers de bajo presupuesto con la actriz y artista de burlesque Chesty MorganDeadly Weapons y Double Agent 73, el primero de los cuales fue distribuido internacionalmente por Hallmark Releasing Corporation y realizado con un presupuesto de 50 000 dólares.​

Mujeres en el Cine: Doris Wishman.

Su trabajo en la década de 1970 y 1980 fue todo en el género de explotación softcore, excepto que a mediados de la década de 1970. Wishman dirigió dos películas pornográficas hardcore tituladas Satan Was a Lady (1975) y Come With Me, My Love (1976), ambas con Annie Sprinkle. Con el colapso de la ley de censura, la demanda de desnudos en las películas aumentó, lo que afectó a su dirección en sus películas. El hardcore ahora estaba disponible y se podía filmar sexo explícito; esto, sin embargo, Wishman y muchos directores de explotación sexual consideraron de mal gusto.

A Wishman no le gustaba trabajar en películas pornográficas y más tarde en su vida negó haberlas dirigido. En 1968 lanzó The Hot Month en agosto y Passion Fever, dos películas ya terminadas, que Wishman compró y agregó un mínimo de material original, como voz en off.​

En 1978 lanzó un largometraje semidocumental titulado Let Me Die a Woman, que originalmente había comenzado a filmar en 1971. La película incluía entrevistas con varias personas transgénero, una de las cuales era Deborah Hartin, e incluía reconstrucciones dramáticas de escenas. de sus vidas.​ Fue una de las primeras películas en centrarse en la transexualidad y protagonizarlas personas transexuales. Los eventos en la película fueron representaciones de eventos reales, según Leo Wollman, quien apareció en la película.​ Una de esas dramatizaciones contó con el actor pornográfico Harry Reems, antes de que se hiciera famoso por su papel en Garganta profunda (1972) Gerard Damiano.​

A la luz de la creciente locura del cine slasher que comenzó con Halloween (1978) John Carpenter, filmó su única película de terror y a la par su último largometraje, A Night to Dismember. Iniciada a fines de la década de 1970, que pasó varios años editando después de que se destruyeran varios carretes durante la posproducción y pasó por varios montajes hasta finalmente se completó en 1983.​ La película está protagonizada por la actriz pornográfica Samantha Fox. Esta película nunca llegó a estrenarse en cines.

Después del fracaso de A Night to Dismember, Wishman se mudó a Coral Gables (Florida) a mediados de la década de 1980, donde encontró trabajo en una tienda de artículos para adultos. El interés en su trabajo comenzó a aumentar lentamente debido al lanzamiento de videos caseros de muchas de sus películas a través de Something Weird Video.​

Mujeres en el Cine: Doris Wishman.

Comenzó a formarse un culto de seguidores y Wishman fue honrada en el New York Underground Film Festival en 1998 y apareció dos veces en Late Night with Conan O’Brien de la CBS,​ una de las cuales fue entrevistada con Roger Ebert. Cuando regresó en 2001, comenzó a trabajar en dos proyectos. Una era una comedia sexual llamada Dildo Heaven, lanzada en 2002. El otro fue Each Time I Kill, que tenía cameos de John WatersLinnea Quigley y Fred Schneider, el cantante de The B-52’s.​

Doris Wishman murió el 10 de agosto de 2002 en Miami (Florida), poco después de ser tratada por un linfoma, a los 90 años de edad.

Cabe destacar que Wishman ha realizado más películas que cualquier otra directora de la era del sonido.​ Ella no hizo ascos a mostrar su gusto por retratar el lado más picante y desenfadado de esa puritana sociedad norteamericana sesentera que ocultaba en su interior auténticos depravados ansiosos por toquetear todo lo que se pusiera a tiro de diana.

El cineasta John Waters presentó un clip de Deadly Weapons en su película Serial Mom (1994). El crítico de cine Joe Bob Briggs describió a Doris Wishman como «la directora de cine de explotación más grande de la historia«.​ Fue una de las directoras más activas del mundo durante las décadas de 1960 y 1970 trabajando en tal género.​ Antes de su muerte, recibió un premio a la trayectoria del Chicago Underground Film Festival, y varias de sus películas fueron seleccionadas para una gala que celebraba su trabajo en el Nuart Theatre de Los Ángeles (California) en 1998, titulada Doris Wishman: Queen of Sexploitation.​

Peter Cushing con lupa.

La lupa fue un elemento que Peter Cushing pareció utilizar durante su carrera en un número considerables de sus películas, y no sólo porque interpretara al más famoso asistente investigador de la historia, Sherlock Holmes. Este fue un artilugio que le permitió ampliar aún más sus ojos azules. Con este atrezo elevaba su representación del investigador y del científico, que con eterna curiosidad resaltaba su actuación.

Peter Cushing con lupa.
La maldición de Frankestein (1957) Terence Fisher

Fotograma de Peter Cushing en La maldición de Frankestein (1957) Terence Fisher, donde interpreta al doctor Victor Frankenstein. El fotograma corresponde a una escena en donde el doctor está examinando unos restos para su macabro experimento de dar vida a los muertos.

Peter Cushing con lupa.
Top Secret! (1984) David Zucker, Jerry Zucker, Jim Abrahams

Peter Cushing en su aparición en Top Secret! (1984) David Zucker, Jerry Zucker, Jim Abrahams donde regentaba una librería tapadera de espías. Y el humor de los hermanos Zucker, hacía destacar un juego de lentes al descubrir que la alteración de la lente en realidad era una alteración física.

Lugares de Película

Lugares de Película

Lugares de película: La Rambla Otero en la localidad de Gádor (Almería) ha sido el plató natural durante años para diferentes películas. De este modo en estos parajes se han rodado films bélicos y de aventuras.

Lugares de Película

Play Dirty (Mercenarios sin gloria) (1968) André de Toth, con Michael Caine y Nigel Davenport.


Un esercito di 5 uomini (Un ejército de cinco hombres) (1969) Italo Zingarelli con Bud Spencer y Dave Graves.

Lugares de Película


Indiana Jones and the Last Crusade (Indiana Jones y la última cruzada) (1989) Steven Spielberg con Harrison Ford y Sean Connery.

Lugares de Película

.

Nakatomi Plaza

Nakatomi Plaza. Dónde murió cada terrorista en el interior del del edificio.

Nakatomi Plaza. Dónde murió cada terrorista en el interior del del edificio.

El rascacielos Nakatomi Plaza es mucho más que un conjunto de pisos y oficinas. Este icónico edificio se convirtió en el escenario principal de uno de los thrillers más memorables del cine: Die Hard (1988) John MacTiernan, protagonizada por Bruce Willis como el intrépido policía John McClane.

Ubicado en Los Ángeles, Nakatomi Plaza se convirtió en el escenario de un enfrentamiento explosivo entre McClane y un grupo de terroristas liderados por Hans Gruber, interpretado magistralmente por Alan Rickman.

El atrevido intento de robo durante la fiesta navideña se convierte en una batalla de ingenio, valentía y tácticas desesperadas para salvar a los rehenes y detener a los delincuentes. Pero, ¿dónde encaja la realidad en esta historia de ficción?

Nakatomi Plaza, en la realidad conocida como Fox Plaza, se erige majestuosamente en Century City, Los Ángeles. Aunque la película se filmó principalmente en este lugar, ciertos detalles y exageraciones cinematográficas marcaron la diferencia.

La arquitectura del Fox Plaza se hizo famosa como Nakatomi Plaza, y su estructura distintiva se convirtió en un símbolo perdurable de la película. Sin embargo, a pesar de la narrativa de Die Hard, no hubo tal incidente terrorista en la vida real. La película dio vida a la idea de un edificio siendo tomado por ladrones profesionales, pero la realidad es que Fox Plaza sigue siendo un lugar de negocios y oficinas, sin dramas épicos como los vistos en la pantalla grande.

A pesar de esto, la película dejó una huella indeleble en la cultura popular, estableciendo a John McClane como un ícono del cine de acción y haciendo de Nakatomi Plaza un nombre que resuena en la memoria colectiva de los amantes del cine. Más allá de la ficción, Nakatomi Plaza sigue en pie, recordándonos no solo una historia épica de Hollywood, sino también la magia del cine para transformar lugares comunes en escenarios de leyendas.