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Estatua de la Libertad en el Universo de la Ciencia Ficción.

«Estatua de la Libertad en el Universo de la Ciencia Ficción: Un Viaje Artístico a través del Tiempo».

La Estatua de la Libertad es un ícono reconocido mundialmente, pero ¿alguna vez te has preguntado cómo se vería en un entorno de ciencia ficción? A lo largo de los años, talentosos artistas han dado rienda suelta a su imaginación para recrear este símbolo icónico en futuros distópicos, mundos alienígenas y galaxias lejanas.

En el vasto y fascinante mundo de la ciencia ficción, los artistas han encontrado un lienzo ideal para dar vida a sus imaginaciones más audaces. A lo largo de los años, algunos talentos destacados han tomado la icónica Estatua de la Libertad como su musa y la han transformado en escenarios sorprendentes y futuristas. En este artículo, exploraremos las extraordinarias ilustraciones de la Estatua de la Libertad creadas por cuatro artistas de renombre: Alex Schomburg, Rodney Matthews, Tony Roberts y Barry Jackson.

1. Alex Schomburg (1964):
Alex Schomburg nos lleva en un viaje a un futuro alternativo en su interpretación de la Estatua de la Libertad en 1964. Un pionero en el arte de portada de cómics y ciencia ficción, Schomburg nos sorprendió en 1964 con su visión de la Estatua de la Libertad en un futuro distópico. En su ilustración, vemos a la estatua emergiendo entre los escombros de una ciudad en ruinas, rodeada de naves espaciales y tecnología avanzada. Esta imagen evoca un sentido de esperanza y resistencia en un mundo post-apocalíptico.

Estatua de la Libertad en el Universo de la Ciencia Ficción. Alex Schomburg (1964)

2. Rodney Matthews (1984):
Matthews, conocido por su estilo único y detallado, un maestro en la creación de paisajes imaginativos, nos sorprende con su interpretación de la Estatua de la Libertad en 1984. En su obra, la estatua emerge majestuosamente en un mundo alienígena, rodeada de exuberantes paisajes y criaturas extraterrestres. La combinación de colores vibrantes y detalles meticulosos enriquece esta ilustración, sumergiendo al espectador en un universo de ciencia ficción inexplorado.

Libertad en el Universo de la Ciencia Ficción. Rodney Matthews (1984)

3. Tony Roberts (1975):
Tony Roberts, un artista versátil, se destacó por su capacidad para fusionar la ciencia ficción con elementos surrealistas y abstractos. En su interpretación de la Estatua de la Libertad en 1975, Roberts la llevó a un futuro apocalíptico y tecnológico. Con detalles intrincados y colores vibrantes, la Dama Libertad emerge como un símbolo de resistencia en un mundo en el que la humanidad ha alcanzado nuevas cotas tecnológicas, pero también enfrenta desafíos inéditos. La habilidad de Roberts para provocar emociones y reflexiones a través de su arte resalta en esta ilustración futurista.

Estatua de la Libertad en el Universo de la Ciencia Ficción. Tony Roberts (1975)

4. Barry E. Jackson (1981):
Barry Jackson, famoso por su estilo realista y detallado, nos cautiva con su interpretación de la Estatua de la Libertad en 1981. En su creación, la estatua se encuentra en un mundo postapocalíptico, dominado por ruinas y máquinas abandonadas. En esta obra, la Estatua de la Libertad aparece como un símbolo de una Nueva York decadente y aislada del mundo exterior. Esta representación icónica ha perdurado a lo largo de los años y ha dejado una impresión duradera en la cultura pop.

Estatua de la Libertad en el Universo de la Ciencia Ficción. Barry E. Jackson (1981)


Estas ilustraciones de la Estatua de la Libertad en los entornos de la ciencia ficción, creadas por los talentosos artistas Alex Schomburg, Rodney Matthews, Tony Roberts y Barry E. Jackson, nos muestran cómo este emblemático símbolo puede trascender el tiempo y el espacio para formar parte de emocionantes realidades alternativas.

A través de su arte, estos visionarios nos invitan a explorar universos llenos de imaginación y posibilidades infinitas. Cada ilustración es una ventana hacia el futuro y un recordatorio de que la creatividad humana no tiene límites en el vasto lienzo de la ciencia ficción.

Jólakötturinn

La leyenda dice que Jólakötturinn, conocido también como el «Yule Cat» (gato navideño) de Islandia, es la «mascota» de los trolls islandeses conocidos como Grýla y Leppalúði, que son caníbales, y de sus 13 hijos, conocidos como «Yule Lads» («muchachos de Navidad»). A los «Lads» les gusta comer mucho, hacerles bromas a la gente y les dejan regalos a los niños dentro de zapatos.

Jólakötturinn
The Icelandic Yule Cat Illustration by Alexandria Noel

Pero el Jólakötturinn es menos simpático. Esta fiera se come a las personas que no se ponen o no reciben ropa nueva para Navidad. El temible gato ronda por los techos de las casas y se asoma por las ventanas para verificar quiénes han recibido prendas nuevas y quiénes no.

Si siempre te has preguntado porque todos los años te regalan calcetines aquí tienes la razón… ¡Feliz Navidad y Feliz Año Nuevo a todos!

Guillermo del Toro’s Pinocchio

‘Guillermo del Toro’s Pinocchio’ by James Jean.

'Guillermo del Toro's Pinocchio' by James Jean.
‘Guillermo del Toro’s Pinocchio’ by James Jean.

Adaptación del libro  «Las aventuras de Pinocho», escrito por Carlo Collodi, seudónimo de Carlo Lorenzini (Florencia 1826-1890), y publicado en un periódico italiano entre 1882 y 1883, con los títulos «Storia di un Burattino» («Historia de un títere») y «Le avventure di Pinocchio» («Las aventuras de Pinocho'»), libro ilustrado por Enrico Mazzanti.​

Pinocho es conocido por su nariz que se alarga cuando miente. En el cuento original, Collodi lo describe como un «bribón», un «diablillo», que ya en el momento de cobrar vida se ríe de su creador y padre adoptivo, Gepetto.

El mal comportamiento de Pinocho, más que encantador y entrañable, pretende servir como advertencia. Se deja llevar por malas compañías y así se mete en problemas. Collodi pretendía que la historia fuera trágica, y culmina con la ejecución del títere: sus enemigos el Zorro y el Gato, lo ahorcan de una encina.

Como muchos héroes literarios occidentales, Pinocho desciende a los infiernos, experimentando un renacimiento a través de una metamorfosis, motivo muy común en la literatura fantástica. La estructura de la historia sigue la de los cuentos populares de campesinos que se aventuran por el mundo pero que, ingenuos, no están preparados para lo que se encuentran y se ven envueltos en situaciones ridículas.

En el momento en que se escribió el libro, este era un problema serio, debido al inicio de la industrialización en Italia, que condujo a una creciente demanda de mano de obra en las ciudades; el problema se agravó por demandas similares, más o menos simultáneas, de mano de obra para la industrialización en otros países. Su efecto principal fue la emigración de gran parte del campesinado italiano a ciudades y países extranjeros, como Estados Unidos y Argentina.

Los principales imperativos exigidos a Pinocho son trabajar, ser bueno y estudiar. Y al final, la voluntad de Pinocho de mantener a su padre enfermo y dedicarse a esas cosas, lo transforma en un niño de verdad con las comodidades modernas.

Películas pixeladas

Películas pixeladas por el artista Gustavo Viselner que tomó una serie de películas las rehízo mediante pixel art creando de esta manera escenas de famosas películas en su versión “pixelada”.

Películas pixeladas
Regreso al Futuro (1986) Robert Zemeckis
Películas pixeladas
Thor: Ragnarok (2017) Taika Waititi
Películas pixeladas
Grease (1978) Randal Kleiser
Películas pixeladas
El Señor de los Anillos: Las Dos Torres (2002) Peter Jackson
Películas pixeladas
Forrest Gump (1994) Robert Zemeckis
Películas pixeladas
Guardianes de la Galaxia (2014) James Gunn
Películas pixeladas
Beetlejuice (1988) Tim Burton
Películas pixeladas
Cuenta conmigo (1986) Rob Reiner
Películas pixeladas
La Historia Interminable (1984) Wolfgang Petersen
Películas pixeladas
Los Goonies (1985) Richard Donner
Películas pixeladas
Batman The Dark Knight (2008) Christopher Nolan
Películas pixeladas
Rocky (1977) John G. Avildsen
Películas pixeladas
La Loca Historia de las Galaxias (Spaceballs) (1987) Mel Brooks

A-Long Pandas

A-Long Pandas

A-Long Pandas. Un artista en línea con sede en Shenzhen (China) que se volvió viral por sus representaciones imaginativas de osos pandas en piezas de arte icónicas.

El ilustrador, que se conoce con el nombre de A-Long, había planeado hacer las pinturas durante bastante tiempo, y está encantado con todos los comentarios positivos que le llegan. El ilustrador publica cada pieza como una foto normal y un GIF.

Los pandas son un símbolo omnipresente en la identidad china, y los internautas han estado abrumadoramente entusiasmados por los lindos osos comedores de bambú que aparecen en las obras históricas.

Se puede ver más trabajos del autor en su cuenta de Weibo here.

A-Long Pandas

A-Long Pandas
A-Long Pandas
A-Long Pandas
A-Long Pandas
A-Long Pandas

God Mazinger

God Mazinger is a Japanese comic book from the 1980s by Go Nagai that is a part of a long-running series, though it may easily be the most bizarre, creative, and entirely off-model, showing the influence of the American author, Edgar Rice Burroughs. A young boy from modern day Japan is transported back in time to the ancient prehistoric lost continent of Mu, where he has to defend an extremely bosomy princess from an invading empire, who uses forces made of still living giant dinosaurs.

God Mazinger is a Japanese comic book from the 1980s by Go Nagai
God Mazinger is a Japanese comic book from the 1980s by Go Nagai

The origin of the giant robot in this series is fascinating. Mu was the first civilization created when men were expulsed from the Garden of Eden into the primeval, prehistoric world. I can’t help but think that God was excessively harsh in sending the first people into a landscape with terrifiying giant dinosaurs. Either way, to atone for this, God left a statue of himself, a hundred feet tall, that would protect the first human civilization from monsters and dinosaurs. But according to the Prophecy, it would activate only when a Marty McFly/Luke Skywalker type boy protagonist from 20th Century Japan arrived to use his soul to awaken the giant statue, which becomes a robot with a giant sword.

God Mazinger is a Japanese comic book from the 1980s by Go Nagai
God Mazinger is a Japanese comic book from the 1980s by Go Nagai

Frank R. Paul, the definitive pulp scifi…

Frank R. Paul, the definitive pulp scifi...

Frank R. Paul, the definitive pulp scifi artist, did the cover of the first-ever Marvel Comic in 1939. This is because Marvel’s comic books were an extension of their already existing pulp magazine publishing empire. 

Marvel Magazines (Timely Publishing), founded by Martin R. Goodman, knew Frank R. Paul as he illustrated the cover of many of their pulp magazines, like Marvel Mystery Stories and Marvel Science Stories as far back as 1938. Marvel Comics started off as an extension of the pulps into a new medium, hence why they called the most famous 20s-30s scifi artist of all time, with whom Marvel Magazines had a strong working relationship. 

Frank R. Paul’s cover for Marvel Science Stories, a year before:

Frank R. Paul, the definitive pulp scifi...

Martin Goodman, pulp publisher and the founder of Marvel Magazines in the late 30s, was Stan Lee’s uncle by marriage, and gave Lee his first job in comics writing text stories in Captain America #3 (1942). Goodman had tickets on the Hindenburg’s final explosive flight (two years before creating Marvel’s comic publishing division), but had to cancel at the last minute. Incidentally, I am always amused by pedants who insist that Marvel “was actually called Timely Publishing in the 1930s-40s.” Technically true, I guess…but they were known as Marvel Magazines as far back as the 1930s.  

Frank R. Paul, the definitive pulp scifi...

Here’s more support for the idea that Marvel Comics grew out of the Marvel pulp publishing empire: notice that in the first-ever Marvel Comic, they mention “Ka-Zar” on the cover as if the audience should know who he is. And they did! Marvel created that character in 1937, 2 years before Marvel even started publishing comics at all, in a character pulp in imitation less of Tarzan than of the Ki-Gor series.

Many know of Ka-Zar and the Savage Land because he was, like Captain America and the Human Torch, a pre-existing hero who was revived in the 1960s. The really unusual thing is that Ka-Zar was revived in the pages of X-Men, and so was absorbed into the cast of that title and never really broke out as a solo star, though every 2 decades, he gets a solo series.

Frank R. Paul, the definitive pulp scifi...