Archivo de la etiqueta: Cine de los 70’s

Detrás de las Cámaras: Tarkan contra los vikingos (1971)

La película Tarkan contra los vikingos (Tarkan: Viking Kanı) (1971) Mehmet Aslan y protagonizada por Kartal Tibet, es una película basada en el cómic de Sezgin Burak, sin embargo, en la película hay una escena con un pulpo gigante llamado Camgöz que no aparece en el cómic original. 

Detrás de las Cámaras: Tarkan contra los vikingos (1971)

El equipo de producción de la película pidió a una fábrica de plástico en Bayrampaşa que le fabricaran un pulpo gigante. Acto seguido, la fábrica construye el pulpo solicitado. Incluso se le colocan espirales en los brazos para hacerlo más realista, pero lamentablemente, debido a la falta de tecnología, no se puede colocar ningún mecanismo que pueda mover esos brazos.

Detrás de las Cámaras: Tarkan contra los vikingos (1971)

El equipo de producción supera el problema de movilidad de los brazos con fuerza humana. Se contratan buzos profesionales, el pulpo se carga en un camión y se deja caer al mar. Los buzos son encargados de mover los brazos mientras se rueda la escena, donde el pulpo llega lentamente a la orilla del mar donde cuelga el Tarkan.

Detrás de las Cámaras: Tarkan contra los vikingos (1971)

Las escenas en las que Tarkan está bajo el agua luchando con un pulpo, en cambio no fueron rodada en el mar; el pulpo es cargado de nuevo en el camión y llevado directamente al hotel Izmir Ephesus. Este hotel tenía un bar debajo de la piscina y los clientes que pasaban el rato en el bar podían ver a la gente nadando en la piscina al mismo tiempo. Las famosas escenas de lucha de Tarkan están filmadas en esta piscina y la cámara toma la escenas desde el bar.

Detrás de las Cámaras: Tarkan contra los vikingos (1971)
Avatar de Charles A.R. Byrne

Al Borde del Spoiler: Las eróticas aventuras de Don Quijote (1976)

The Amorous Adventures of Don Quixote and Sancho Panza (1976) Raphael Nussbaum una versión del clásico de Cervantes donde recrea la historia de Don Quijote y su fiel escudero Sancho Panza, pero en tono jocoso y erótico. Algunas frases publicitarias que lanzaron la película en su estreno fueron las siguientes: «La llave de el paraiso…», «A la carga rocinante», «Su lanza era la más poderosa de La Mancha», «El último fandango en España», «La más original y erótica comedia del siglo»…

La producción erótica The Amorous Adventures of Don Quixote and Sancho Panza, de Raphael Nussbaum, convierte las andanzas del personaje en hazañas amatorias en un musical erótico. El producto, cuya escasa calidad deja indiferente a la crítica, cuenta entre sus intérpretes a Corey John Fisher (don Quijote), Hy Pyke (Sancho Panza), Shmuel Livneh, Adriana Van Hemert, Roberta Reeves y Sandy Carey. La cinta llega al público bajo el expresivo subtítulo When Sex Was A Knightly Affair.

Rodada en La Mancha, en los paisajes que una vez hubiera recorrido el propio Don Quijote. Cuenta con la participación de Patrice Rohmer, una actriz rubia muy radiante, bien formada y sexy que tuvo una carrera como actriz extremadamente fugaz, pero hizo todo lo posible para animar en gran medida el pequeño puñado de películas de autocine de los 70 que adornó con su presencia contagiosamente atractiva, enérgica y desinhibida.

Obituario: Gene Hackman

Obituario: Gene Hackman

Obituario de Gene Hackman: Un Legado Inolvidable en la Historia del Cine

Eugene Allen Hackman, conocido mundialmente como Gene Hackman, falleció el 17 de febrero de 2025 en su residencia de Santa Fe, Nuevo México, a la edad de 95 años. Su esposa, Betsy Arakawa, y uno de sus perros también fueron encontrados sin vida en el lugar. La noticia de su partida deja un vacío inmenso en el mundo del cine, donde Hackman se consolidó como uno de los actores más versátiles y respetados de su generación.

Nacido el 30 de enero de 1930 en San Bernardino, California, Hackman fue hijo de Eugene Ezra Hackman y Lyda Gray. Su infancia estuvo marcada por constantes mudanzas hasta establecerse en Danville, Illinois, en casa de su abuela materna. A los 13 años, sus padres se divorciaron, y poco después, su padre abandonó a la familia, un hecho que impactaría profundamente en la vida de Gene. A los 16 años, mintió sobre su edad para alistarse en los Marines, donde sirvió como operador de radio en China, Hawái y Japón durante tres años.

Obituario: Gene Hackman

Tras su servicio militar, Hackman exploró diversas ocupaciones antes de decidirse por la actuación. Estudió periodismo y televisión en la Universidad de Illinois, pero su pasión por el arte dramático lo llevó a inscribirse en la Pasadena Playhouse en Los Ángeles. Allí conoció a Dustin Hoffman, con quien formaría una amistad duradera. A pesar de ser considerados «los menos propensos al éxito» por sus instructores, ambos desafiaron las expectativas y se convirtieron en figuras icónicas de Hollywood.

El debut cinematográfico de Hackman se produjo con un pequeño papel en Mad Dog Coll (1961) Burt Balaban, aunque no fue acreditado. Su primer rol significativo llegó en Lilith (1964) Robert Rossen, compartiendo pantalla con Warren Beatty y Jean Seberg. Sin embargo, fue su interpretación de Buck Barrow en Bonnie and Clyde (1967) Arthur Penn, la que le valió su primera nominación al Óscar como Mejor Actor de Reparto, catapultándolo al reconocimiento internacional.

La década de 1970 fue especialmente prolífica para Hackman. En 1971, protagonizó The French Connection (1971) William Friedkin, interpretando al intrépido detective Jimmy «Popeye» Doyle, papel que le otorgó el Óscar al Mejor Actor. Este éxito consolidó su estatus en la industria cinematográfica.

Obituario: Gene Hackman

Posteriormente, trabajó en La aventura del Poseidón (1972) Ronald Neame, donde encarnó al Reverendo Frank Scott. En La conversación (1974) Francis Ford Coppola, dio vida a Harry Caul, un experto en vigilancia, en una actuación que él mismo consideró una de las mejores de su carrera. Otros títulos destacados de esta década incluyen Scarecrow (1973) Jerry Schatzberg, compartiendo protagonismo con Al Pacino, y Night Moves (1975) Arthur Penn, donde interpretó al detective privado Harry Moseby. Y quizás su papel más recordado de la década de los 80’s fuera su Lex Luthor en Superman (1978) Richard Donner.

Durante los años 80, Hackman continuó demostrando su versatilidad al asumir una amplia gama de personajes. En Under Fire (1983) Roger Spottiswoode, interpretó a Alex Grazier, un periodista en medio de conflictos políticos. En Hoosiers (1986) David Anspaugh, encarnó a Norman Dale, un entrenador de baloncesto en busca de redención, en una actuación que se convirtió en un clásico del cine deportivo. Ese mismo año, participó en Power (1986) Sidney Lumet, interpretando a Wilfred Buckley, un influyente consultor político.

Obituario: Gene Hackman

Uno de sus papeles más recordados de esta década fue el de Rupert Anderson en Mississippi Burning (1988) Alan Parker, donde interpretó a un agente del FBI investigando crímenes raciales en el sur de Estados Unidos, actuación que le valió una nominación al Óscar como Mejor Actor.

La década de 1990 trajo consigo más éxitos y reconocimientos para Hackman. En Unforgiven (1992) Clint Eastwood, interpretó al despiadado sheriff Little Bill Daggett, papel que le otorgó su segundo Óscar, esta vez como Mejor Actor de Reparto. Su capacidad para encarnar personajes complejos y moralmente ambiguos quedó nuevamente demostrada.

Otros trabajos destacados de esta década incluyen The Firm (1993) Sydney Pollack, donde actuó junto a Tom Cruise interpretando a Avery Tolar, un abogado con secretos oscuros; The Quick and the Dead (1995) Sam Raimi, donde encarnó al villano Herod; y Get Shorty (1995) Barry Sonnenfeld, donde dio vida a Harry Zimm, un productor de cine de serie B.

En los años 2000, Gene Hackman siguió deslumbrando con su talento en la gran pantalla. En The Royal Tenenbaums (2001) Wes Anderson, interpretó a Royal Tenenbaum, el patriarca de una familia de prodigios caídos en desgracia. Su actuación fue ampliamente elogiada, con una mezcla perfecta de humor y drama, lo que le valió un Globo de Oro como Mejor Actor en una Película de Comedia o Musical.

En Enemy of the State (1998) Tony Scott, aunque estrenada en la década anterior, Hackman tuvo un papel fundamental como Edward Lyle, un exespía que ayuda a un abogado (Will Smith) a escapar de una conspiración gubernamental. Este thriller tecnológico fue un éxito de taquilla y mostró a Hackman en un personaje reminiscentemente similar al de The Conversation (1974).

En Runaway Jury (2003) Gary Fleder, basado en la novela de John Grisham, Hackman interpretó a Rankin Fitch, un cínico y manipulador consultor de jurados, enfrentándose en pantalla con John Cusack y Dustin Hoffman en un duelo actoral memorable.

Obituario: Gene Hackman

Su última película antes de retirarse fue Welcome to Mooseport (2004) Donald Petrie, una comedia ligera en la que interpretó a un expresidente de los Estados Unidos que se postula como alcalde en un pequeño pueblo. A pesar del elenco, la película recibió críticas mixtas y no tuvo el impacto de sus anteriores trabajos.

Tras esta última producción, Hackman anunció su retiro de la actuación. Alegó motivos de salud y un deseo de disfrutar de una vida más tranquila fuera del ajetreo de Hollywood. A diferencia de muchos de sus colegas, nunca volvió de su retiro para cameos o apariciones especiales.

Después de su retiro, Gene Hackman se dedicó a la escritura, publicando varias novelas de ficción histórica y thrillers. Entre sus libros más notables se encuentran:

«Wake of the Perdido Star» (1999), coescrita con Daniel Lenihan, una novela de aventuras marítimas.

«Justice for None» (2004), ambientada en la Gran Depresión, con una historia de venganza y corrupción.

«Escape from Andersonville» (2008), sobre un prisionero de la Guerra Civil estadounidense que intenta escapar de un campo de prisioneros confederado.

Estos libros mostraron su amor por la historia y el detalle narrativo, logrando cierto reconocimiento en el mundo literario.

En su vida personal, Hackman vivió alejado de los reflectores en Santa Fe, Nuevo México, junto a su esposa, Betsy Arakawa, con quien estuvo casado desde 1991. Su amor por las carreras de autos, la arquitectura y la pintura ocupó gran parte de su tiempo libre.

Gene Hackman dejó un legado incomparable en la industria del cine. Su capacidad para interpretar tanto héroes como villanos con igual maestría lo convirtió en uno de los actores más versátiles de la historia. Ganador de dos premios Óscar, cuatro Globos de Oro y un BAFTA, su impacto en el cine es incuestionable.

Obituario: Gene Hackman

Al borde del Spoiler: ¿Quién la ha visto morir? 1972

¿Quién la ha visto morir? (1972) Aldo Lado

Durante los años 70, el giallo italiano vivió su momento de auge, y ¿Quién la ha visto morir? (Chi l’ha vista morire?), dirigida por Aldo Lado, es una de las cintas más representativas del género. Con una trama que combina elementos de misterio, horror psicológico y drama, una película donde destaca su narrativa atmosférica y su inquietante estética.

¿Quién la ha visto morir? 1972 Aldo Lado

La película sigue a Franco Serpieri, interpretado por George Lazenby, quien fuera conocido por su papel de agente 007. Aquí interpreta a un escultor que vive en Venecia, quien está lidiando con la tragedia del asesinato de su hija, Roberta.

A causa de este evento traumático, lo lleva a buscar respuestas por su cuenta, mientras descubre una red de secretos oscuros y personajes ambiguos en una ciudad que parece tan cómplice como los mismos perpetradores del crimen. La investigación personal de Franco lo enfrenta no solo con la verdad detrás del asesinato, sino también con sus propios demonios.

Aldo Lado recurre a Venecia, no solo como escenario, sino como un personaje más. La ciudad, con sus canales sombríos y faltos de turistas, con su atmósfera húmeda, transmite una sensación de aislamiento y decadencia que refuerza la tensión de la trama. Las calles desiertas y las tomas en contrapicado acentúan la vulnerabilidad de los personajes, mientras que los encuadres cerrados intensifican la paranoia.

El contraste entre la belleza histórica de Venecia y los eventos siniestros que ocurren en la película es una constante. Este enfoque resalta una de las fortalezas del giallo: la capacidad de encontrar horror en lo cotidiano.

George Lazenby, conocido por su papel como James Bond en Al servicio secreto de su majestad (1969) Peter Hunt, ofrece una interpretación sólida como un padre devastado. Su dolor y su obsesión por descubrir la verdad se sienten genuinos y creíbles. La actriz Anita Strindberg, como Elizabeth, su exesposa, aporta un equilibrio emocional y un matiz de complicidad y desconfianza en su relación con Franco.

La música esta compuesta por el maestro Ennio Morricone, que en esta película es una de sus mayores fortalezas. Su composición mezcla coros infantiles inquietantes con melodías minimalistas, lo que crea un contraste perturbador que acentúa la naturaleza trágica y macabra de la historia. El tema principal que suena cada vez que aparece el misterioso asesino se queda grabado en la mente del espectador, aumentando la sensación de incomodidad, y creando momentos incómodos.

¿Quién la ha visto morir? 1972 Aldo Lado

Una de las secuencias que más me llamaron la atención ocurre en una sala de deportes donde los niños juegan al baloncesto. Un lugar extraño para tener un gimnasio, pues en otra escena practican esgrima en ese mismo lugar. Este espacio es extraño, con su arquitectura que evoca a un palacio o iglesia pero con una cancha de baloncesto ubicada en su interior.

He intentado averiguar de que lugar se trataba, y si a día de hoy todavía existe, pero no he podido encontrar información específica sobre la ubicación exacta de la sala y no está claramente documentada en las fuentes disponibles. Es posible que dicha escena se haya filmado en una instalación deportiva local de Venecia o en un set diseñado para la producción. La mayoría de la cinta se filmó principalmente en Venecia, Italia, aprovechando la atmósfera de la ciudad para intensificar su narrativa de suspense. Algunas escenas también se rodaron en los estudios De Paolis en Roma.

Es un lugar, en apariencia inocente, que se convierte en un escenario cargado de tensión. Las luces frías y la arquitectura estéril crean un ambiente que, aunque cotidiano, parece alienante y siniestro. Los ecos de las pelotas y las risas infantiles generan un contraste que presagia el tono oscuro del resto de la película. Esta escena subraya cómo la película utiliza espacios comunes para transmitir un sentimiento de amenaza latente.

Aunque no es tan conocida como otras películas del giallo de directores como Dario Argento o Mario Bava, ¿Quién la ha visto morir? ocupa un lugar especial dentro del género gracias a su enfoque emocional y su cuidada dirección. Es una obra que se aleja de la violencia estilizada de otras cintas para centrarse en el impacto psicológico de sus eventos, lo que la convierte en una experiencia más íntima y perturbadora.

Mujeres en el Cine: Doris Wishman.

A Doris Wishman se le atribuye haber dirigido y producido al menos una treintena de largometrajes durante su carrera, que abarcaba más de cuatro décadas. Como cineasta, guionista y productora de cine participó en película sobre todo en el género cinematográfico de explotación sexual (sexploitation films).

Doris Wishman nació el 1 de junio de 1912 en la ciudad de Nueva York. Su padre era vendedor de heno y grano; su madre murió cuando ella aún era una niña.​ Se crio en el distrito del Bronx de Nueva York, donde se graduó en la escuela secundaria James Monroe. Después llegó a tomar clases de actuación en la Alviene School of Dramatics a principios de la década de 1930, donde fue compañera de clase de Shelley Winters.​ Más tarde estudió en el Hunter College.​

Mujeres en el Cine: Doris Wishman.

Más tarde trabajó como filmer booker para su primo Max Rosenberg, un distribuidor de cine independiente que manejaba producciones de cine arte con las primeras producción del cine de explotación durante la década de 1940 y principios de 1950.​

Wishman también trabajó como actriz en la ciudad de Nueva York durante la década de 1950, y durante algún tiempo trabajó con Joseph Levine.​ Durante este mismo período, contrajo matrimonio con el asesor publicitario Jack Abrams y residió con él en Florida hasta su muerte en 1958, a consecuencia de un paro cardíaco a los 31 años,​ enviudando sólo cinco meses después de su matrimonio.

​Por su propia cuenta, Wishman comenzó su carrera de producción cinematográfica después de la prematura muerte de Abrams, ya que sintió que «necesitaba algo con lo que llenar mis horas».​ Debutó tras las cámaras con el largometraje Hideout in the Sun (1960), pasando a dirigir posteriormente numerosas películas de corte nudista y de explotación sexual, como Gentlemen Prefer Nature Girls (1963), Behind the Nudist Curtain (1963) o Bad Girls Go to Hell (1965).

Sus primeras películas son conocidas como películas de campo nudista o romances nudistas.​ En 1957, un fallo del tribunal de apelaciones de Nueva York permitió que las películas que representaban el nudismo se exhibieran en los cines del estado de Nueva York. Wishman estaba familiarizada con el atractivo y potencial de esta clase de películas entre la audiencia debido a su contacto con Walter Bibo, cuya película Garden of Eden (1954) ganó notoriedad debido a su influencia de las leyes de censura para filmar desnudos.​

Mujeres en el Cine: Doris Wishman.

Inspirada por este desarrollo, Wishman afirmó en varias entrevistas haber pedido prestados 10.000 dólares a su hermana para producir su primera película, Hideout in the Sun (1960). Esta película nudista filmada a finales de 1958 y finalmente estrenada comienzos de 1960.

Su siguiente película, Nude on the Moon (1961), combinó el matiz de nudismo con la ciencia ficción. La película fue prohibida en el estado de Nueva York después de que la Junta de Censura del Estado de Nueva York dictaminara que las producciones que mostraban desnudez en una colonia nudista estaban legalmente permitidas, pero la desnudez en una película de fantasía ambientada en una «colonia nudista en la Luna» no lo era.

Su cuarta película nudista, Blaze Starr Goes Nudist (1962), estuvo protagonizada por la artista del burlesque Blaze Starr.​ Entre 1958 y 1964 Wishman produjo ocho películas nudistas en total. A medida que la popularidad del género comenzó a decaer, decidió abandonar las películas de explotación nudista y hacer la transición al nuevo género de la sexplotation. En ese momento, cuando decidió cambiar de género, Doris Wishman había producido, dirigido y escrito más películas del género nudista que nadie.​

Ella misma comenzó a producir películas de explotación en las que el sexo era un tema central que envolvía la trama y todos los elementos que captaba el espectador.​ En los años 1960 la censura permitía muy poco, lo que significa que Wishman y otros directores de explotación sexual usaron diferentes tácticas para retratar el erotismo y la emoción, usando melodrama, cortes, conversaciones sexuales suaves y desnudez sugerente que simplemente eludía la ley.

Todos estos aspectos colocaron a Wishman en claro desacuerdo con la ley de censura. En este género, Wishman también usó un estilo diferente de realización de películas en el que recortaba objetos o escenarios que no estaban en la escena, similar al montaje soviético.​ Moya Luckett consideró que el estilo recortado que Wishman usó fue posiblemente para interrumpir la mirada masculina e incorporar una mirada femenina.​

Su evolución a la sexplotation comenzó con The Sex Perils of Paulette (1965), que contó con Tony Lo Bianco en su debut cinematográfico y que fue fuertemente censurada por la Junta de Censores de Nueva York. Su segundo trabajo en este género fue Bad Girls Go to Hell (1965), la primera colaboración de Wishman con su director de fotografía C. Davis Smith. Durante este período trabajó con frecuencia bajo el seudónimo de Louis Silverman, el nombre de su segundo marido. También dirigió The Sex Perils of Paulette (1965), ​

Todo el trabajo de explotación sexual de Wishman se filmó en blanco y negro hasta el lanzamiento de su primera producción softcore, Love Toy (1970). Poco después, produjo una comedia sexual titulada Keyholes Are for Peeping (1972), también conocida como Is There Love After Marriage?, protagonizada por el comediante Sammy Petrillo. A mediados de la década de 1970, pasó a dirigir un par de thrillers de bajo presupuesto con la actriz y artista de burlesque Chesty MorganDeadly Weapons y Double Agent 73, el primero de los cuales fue distribuido internacionalmente por Hallmark Releasing Corporation y realizado con un presupuesto de 50 000 dólares.​

Mujeres en el Cine: Doris Wishman.

Su trabajo en la década de 1970 y 1980 fue todo en el género de explotación softcore, excepto que a mediados de la década de 1970. Wishman dirigió dos películas pornográficas hardcore tituladas Satan Was a Lady (1975) y Come With Me, My Love (1976), ambas con Annie Sprinkle. Con el colapso de la ley de censura, la demanda de desnudos en las películas aumentó, lo que afectó a su dirección en sus películas. El hardcore ahora estaba disponible y se podía filmar sexo explícito; esto, sin embargo, Wishman y muchos directores de explotación sexual consideraron de mal gusto.

A Wishman no le gustaba trabajar en películas pornográficas y más tarde en su vida negó haberlas dirigido. En 1968 lanzó The Hot Month en agosto y Passion Fever, dos películas ya terminadas, que Wishman compró y agregó un mínimo de material original, como voz en off.​

En 1978 lanzó un largometraje semidocumental titulado Let Me Die a Woman, que originalmente había comenzado a filmar en 1971. La película incluía entrevistas con varias personas transgénero, una de las cuales era Deborah Hartin, e incluía reconstrucciones dramáticas de escenas. de sus vidas.​ Fue una de las primeras películas en centrarse en la transexualidad y protagonizarlas personas transexuales. Los eventos en la película fueron representaciones de eventos reales, según Leo Wollman, quien apareció en la película.​ Una de esas dramatizaciones contó con el actor pornográfico Harry Reems, antes de que se hiciera famoso por su papel en Garganta profunda (1972) Gerard Damiano.​

A la luz de la creciente locura del cine slasher que comenzó con Halloween (1978) John Carpenter, filmó su única película de terror y a la par su último largometraje, A Night to Dismember. Iniciada a fines de la década de 1970, que pasó varios años editando después de que se destruyeran varios carretes durante la posproducción y pasó por varios montajes hasta finalmente se completó en 1983.​ La película está protagonizada por la actriz pornográfica Samantha Fox. Esta película nunca llegó a estrenarse en cines.

Después del fracaso de A Night to Dismember, Wishman se mudó a Coral Gables (Florida) a mediados de la década de 1980, donde encontró trabajo en una tienda de artículos para adultos. El interés en su trabajo comenzó a aumentar lentamente debido al lanzamiento de videos caseros de muchas de sus películas a través de Something Weird Video.​

Mujeres en el Cine: Doris Wishman.

Comenzó a formarse un culto de seguidores y Wishman fue honrada en el New York Underground Film Festival en 1998 y apareció dos veces en Late Night with Conan O’Brien de la CBS,​ una de las cuales fue entrevistada con Roger Ebert. Cuando regresó en 2001, comenzó a trabajar en dos proyectos. Una era una comedia sexual llamada Dildo Heaven, lanzada en 2002. El otro fue Each Time I Kill, que tenía cameos de John WatersLinnea Quigley y Fred Schneider, el cantante de The B-52’s.​

Doris Wishman murió el 10 de agosto de 2002 en Miami (Florida), poco después de ser tratada por un linfoma, a los 90 años de edad.

Cabe destacar que Wishman ha realizado más películas que cualquier otra directora de la era del sonido.​ Ella no hizo ascos a mostrar su gusto por retratar el lado más picante y desenfadado de esa puritana sociedad norteamericana sesentera que ocultaba en su interior auténticos depravados ansiosos por toquetear todo lo que se pusiera a tiro de diana.

El cineasta John Waters presentó un clip de Deadly Weapons en su película Serial Mom (1994). El crítico de cine Joe Bob Briggs describió a Doris Wishman como «la directora de cine de explotación más grande de la historia«.​ Fue una de las directoras más activas del mundo durante las décadas de 1960 y 1970 trabajando en tal género.​ Antes de su muerte, recibió un premio a la trayectoria del Chicago Underground Film Festival, y varias de sus películas fueron seleccionadas para una gala que celebraba su trabajo en el Nuart Theatre de Los Ángeles (California) en 1998, titulada Doris Wishman: Queen of Sexploitation.​

OSS 117

OSS 117 corresponde al nombre en clave del agente secreto Hubert Bonisseur de La Bath. Personaje de ficción creado por el escritor francés Jean Bruce (y posteriormente continuado por su viuda Josette tras la muerte accidental de Jean Bruce). 

Jean Bruce, seudónimo de Jean Alexandre Brochet, nacido el 22 de marzo de 1921 en París. Jean Brochet era hijo de una pareja de restauradores y propietarios de cafés y tiendas de comestibles. Transcurrió su infancia en Beauvoir, al noreste de Sarthe (unida a la comuna de Aillières en 1964), desde muy joven Bruce demostró tener un gran interés por la literatura y la escritura, lo que lo llevó a estudiar literatura francesa en la Sorbona. experimentó una auténtica pasión por el deporte, practicó el esquí, la equitación y obtuvo en Alençon su patente de piloto de avión.

A los 18 años, con la licencia de piloto en mano, participa en la Segunda Guerra Mundial en aviación civil y termina siendo derribado sobre las líneas alemanas. Logra regresar a la zona libre y se inscribe en la Facultad de Derecho de Clermont-Ferrand. Pronto abandonó sus estudios para unirse a la Resistencia en 1942. Durante una operación, conoció a un oficial estadounidense una noche de septiembre de 1944. Este hombre servirá de modelo para el personaje de Hubert Bonisseur de la Bath, alias OSS 117. Esta experiencia marcó su vida y fue una fuente de inspiración para sus futuras novelas.

Tras la liberación del país ingresa en la escuela Superior de Policía. Una vez finaliza esta formación, es nombrado Inspector para la represión del tráfico financiero. Fue durante sus numerosos viajes profesionales, durante un viaje en tren conoció a su futura esposa, Josépha Pyrzbil, de origen polaco. Renunció a la policía y se convirtió a su vez en director de una empresa de importación y exportación, joyero, miembro de una compañía de teatro, secretario de un maharajá, promotor de una marca de mostaza y fundó una agencia de marketing de contraespionaje industrial…

Arruinado, leyó por casualidad un libro de Peter Cheney. Al enterarse de que estaba ganando una fortuna, Jean Bruce se sentó frente a su máquina de escribir y en tres semanas firmó Tu parles d’une ingénue, que ya cuenta las aventuras de Hubert Bonisseur de la Bath, más conocido con el nombre de OSS 117. La novela es rechazada por las grandes editoriales, hasta que finalmente es aceptada por la recientemente creada Editions du Fleuve Noir y se convertirá en el número 1 de la colección “Spécial-Police”. Después de dieciocho en la colección, Bruce había escrito diez de ellos, su especialidad es, sin lugar a dudas, el espionaje.

Con la creación del personaje OSS 117, Bruce alcanzó la fama a nivel internacional. OSS 117 es un agente secreto francés conocido por su inteligencia, valentía y atractivo físico. Las novelas de Bruce, llenas de intriga, espionaje y emocionantes aventuras, se convirtieron en exitosos best-sellers y atrajeron a una amplia base de admiradores. Durante su vida escribió prolíficamente un total de 91 novelas del personaje; además de muchas otras novelas antes de su repentina muerte a causa de un accidente automovilístico a la edad de 42 años.

El 26 de marzo de 1963, mientras abandonaba su propiedad en Cheverny para dirigirse a la sede de Presses de la Cité, su editor, fue arrollado por un camión cuando estaba al volante de su deportivo Jaguar, en un accidente de tráfico en Luzarches (Val d’Oise), teniendo fatales consecuencias.

OSS 117 
Jean Bruce durante una recepción organizada en la Torre Eiffel el 10 de junio de 1952. De izquierda a derecha están El Mabrouk, Jean Bruce, Hansenne y Ludmila Tcherina.» (Photo by AFP)

En 1966, su esposa Josette Bruce, tres años después de enviudar, recibe la propuesta del editor de OSS 117, quién le pidió que continuara escribiendo la serie. Su primer libro de la serie fue Los Angeles Angels, continuó escribiendo 143 nuevos títulos para el personaje OSS 117 desde 1966 hasta 1985.

Josette se casó en segundas nupcias con Pierre Dourne, un amigo de la familia que sirvió de inspiración para el personaje recurrente de las novelas, llamado Peter Dru. Después de 143 aventuras, escribió su último libro OSS 117, Anathema in Atenas, en 1985. Además de continuar con el legado de su esposo, Josette también escribió otras novelas de misterio.

Desgraciadamente Josette Bruce murió en 1996 a los 75 años. Fue enterrada junto con su marido en el cementerio de la iglesia de San Pedro en Chantilly. La hija y el hijastro de Jean Bruce crearon y escribieron juntos la serie New Adventures of OSS 117. François y Martine Bruce escribieron 24 libros, desde 1987 hasta 1992.

OSS 117 
Josette Bruce

Obra Literaria.

Durante los tres primeros años de su contrato con su editor, Fleuve Noir, Jean Bruce llegó a escribir una novela al mes. Como otros autores de thrillers y novelas populares, Jean Bruce esconde parte de su producción tras seudónimos. Por nombrar algunos: Jean Alexandre (sus dos nombres), Jean-Martin Rouan o Joyce Lyndsay. Aparte de novelas policíacas y de espías, Jean Bruce es también autor de una biografía del escritor y piloto Antoine de Saint-Exupéry (1900-1944). Apareció en 1953 en Presses de la Cité bajo el título Saint-Exupéry, piloto legendario .

Jean Bruce obtuvo fama mundial gracias a su creación literaria más icónica: el personaje de Hubert Bonisseur de La Bath. Nacido cuatro años antes que el popular James Bond de Ian Fleming. Según indica su editor, batió todos los récords editoriales.

Las tres primeras novelas de la serie fueron inicialmente publicadas sin referencias al servicio secreto ni al agente OSS 117, aunque el protagonista era el detective Hubert Bonisseur de la Bath. Posteriormente se reeditarían estos títulos con unos cambios mínimos, haciendo ya referencia al servicio secreto. Así, Tu parles d’une ingénue se convertiría en Ici OSS 117Tous des patates, en OSS 117 et Force noire, y Une gosse qui charrie, en OSS 17 joue le jeu.

La fama de Jean Bruce se consolidó a medida que publicaba nuevas entregas de OSS 117, expandiendo su universo y atrayendo a lectores de todo el mundo. De este modo, OSS 117 se convirtió rápidamente en un éxito tanto en Francia como en el extranjero. Bruce logró conquistar a los lectores con las aventuras de este espía seductor y audaz, cuyos relatos mezclaban hábilmente acción, intriga y un toque de humor, convirtiéndose en un referente del género de espionaje.

El estilo literario de Jean Bruce se caracteriza por su sencillez y precisión. En las novelas de John Bruce se incluyen frases bien escritas, bien construidas y relativamente breves. El vocabulario es sencillo, pero bien elegido; ilustra perfectamente las escenas, acciones, situaciones, sentimientos y emociones. Se respetan las reglas de la gramática francesa. Esto añade mucha luz a la historia. No hay vulgaridad ni escenas impactantes. Por ejemplo, la sensualidad y el encanto siempre están en perfecta armonía con la historia. Las evocaciones se realizan con tacto. El suspenso está presente en cada página y hace que queramos leer toda la novela de una vez.

El personaje de Hubert Bonisseur de La Bath es descrito como un coronel estadounidense de Luisiana de ascendencia francesa. Después de servir en la Oficina de Servicios Estratégicos (OSS), de La Bath trabajó para la Agencia Central de Inteligencia (CIA) y luego para el Consejo de Seguridad Nacional (NSC).

En la vida real, el código OSS número 117 fue asignado a William L. Langer, historiador, analista de inteligencia y asesor político estadounidense. quien sirvió en la nueva Oficina de Servicios Estratégicos (OSS) como subdirector y luego jefe de la Rama de Investigación y Análisis hasta el final de la Segunda Guerra Mundial. En la correspondencia fue identificado como OSS 117, un nombre en clave que entró en la cultura popular francesa para un personaje ficticio icónico.

Adaptaciones Cinematográficas.

La primera adaptación cinematográfica del personaje fue OSS 117 n’est pas mort (1956) Jean Sacha con Ivan Desny como protagonista. Con esta película comenzaría una popular serie de varias películas con el agente siendo interpretado por varios actores. Este primer estreno se produjo seis años del estreno de la primera de las películas de James Bond: Dr. No (1962) Terence Young.

Con el estreno de la primera película de la saga Bond, se estrena OSS 117 se déchaîne (1963) André Hunebelle, con Kerwin Mathews interpretando al agente especial, actor que fue un descubrimiento del director. Mathews repetiría papel en Banco à Bangkok pour OSS 117 (1964) André Hunebelle.

Un año después, Frederick Stafford toma las riendas del personaje en Furia à Bahia pour OSS 117 (1965) André Hunebelle, y en A tout coeur à Tokyo pour OSS 117 (1966) Michel Boisrond. El personaje vuelve a cambiar de cara y es el actor John Gavin (que protagonizó Topaz (1969) Alfred Hitchcock) quien interpreta al agente en una producción italiana Niente rose per OSS 117 (1968) Renzo Cerrato, Jean-Pierre Desagnat, André Hunebelle, y cerrando la época clásica del personaje, es vuelto a interpretar por Luc Merenda en OSS 117 prend des vacances (1970) Pierre Kalfon, que era una película francesa para televisión.

2006 trae consigo una reactivación de la serie, en las nuevas películas el personaje se reinventa como un agente secreto francés que trabaja para el Service de Documentation Extérieure et de Contre-Espionnage, la agencia de inteligencia francesa de 1944 a 1982 (ahora DGSE ). En esta nueva adaptación, el papel es tomado por el actor Jean Dujardin, así se estrenan OSS 117: Le Caire, nid d’espions (2006) Michel Hazanavicius; y continúan con OSS 117 : Rio ne répond plus (2009) Michel Hazanavicius; y recientemente con el estreno de OSS 117: Alerte rouge en Afrique noire (2021) Nicolas Debos.

Además de estas películas adaptando las novelas de Jean Bruce, se hicieron películas de algunos de los otros libros de Bruce, como Le vicomte règle ses comptes (1976) Maurice Cloche con Kerwin Mathews y Fernando Rey, o Cinq Gars pour Singapour (1967) Bernard Toublanc-Michel con Sean Flynn.

Existe una película en la que Jean-Paul Belmondo interpretó a una versión de Jean Bruce y su creación tipográfica OSS 117 en Le Magnifique (1973) Philippe de Broca.

El Blaster de Han Solo

El Blaster de Han Solo

La pistola blaster que usa el personaje de Han Solo, modificada para el rodaje de Star Wars (1977) George Lucas, fue usada anteriormente por Oliver Reed in Sitting Target (1972) Douglas Hickox.

El arma, un Mauser Schnellfeuer con mira telescópica usado por Oliver Reed fue creado por Bapty & Co., una compañía británica que proporcionaba armas de utilería a la industria cinematográfica en el Reino Unido. La misma arma de utilería Mauser fue utilizada en las películas Brannigan (1975) Douglas Hickox y The Disappearance (1977) Stuart Cooper.

Diseños para Dune de Jodorowsky

Diseños realizados por Chris Foss en 1975 para el film Dune de Alejandro Jodorowsky que nunca fue llegó a realizarse.

Christopher Frank Foss (nacido en 1946 en Guernsey , Islas del Canal, Reino Unido) es un artista e ilustrador de ciencia ficción británico conocido por realizar las portadas de libros de ciencia ficción y ilustraciones en blanco y negro de las ediciones originales de The Joy of Sex.

Foss comenzó a trabajar allí como artista en su adolescencia, creando carteles para empresas locales. Fue a un internado en Dorset donde uno de sus maestros lo animó a prepararse para obtener una beca de arte. Mientras estudiaba en Magdalene College, Cambridge, comenzó a realizar encargos de revistas profesionales, incluida la revista Penthouse, recientemente lanzada al mercado.

Diseños realizados por Chris Foss en 1975 para el film Dune de Alejandro Jodorowsky. All images are from 21st Century Foss (Dragon’s Dream, 1978)

En 1975, Foss fue contratado por el director Alejandro Jodorowsky para una versión cinematográfica de la novela de ciencia ficción Dune del autor Frank Herbert. Entregó varios estudios conceptuales publicados en el libro 21st Century Foss, que contienen un prólogo de Jodorowsky. Finalmente el proyecto fracasó y no llegó a ver la luz.

Posteriormente en 1977 Foss trabajó durante varios meses en estudios para la película Alien (1979) Ridley Scott que finalmente no fueron utilizados en la película, y también hizo algunos diseños de escenografía del planeta Krypton para la película Superman (1978) Richard Donner. Algunas de sus estructuras cristalinas para el planeta fueron realizadas en la película, aunque fueron utilizadas como estructuras de hielo.

Posteriormente fue contratado por Stanley Kubrick, para que desarrollara diseños para la película Inteligencia Artificial (2000) Steven Spielberg, donde trabajó hasta el fallecimiento de Kubrick en 1999. Posteriormente James Gunn lo incorporó para diseñar las distintas naves espaciales de la película Guardianes de la Galaxia (2014) James Gunn.

Diseños realizados por Chris Foss en 1975 para el film Dune de Alejandro Jodorowsky. All images are from 21st Century Foss (Dragon’s Dream, 1978)

Diseños realizados por Chris Foss en 1975 para el film Dune de Alejandro Jodorowsky. All images are from 21st Century Foss (Dragon’s Dream, 1978)

Diseños realizados por Chris Foss en 1975 para el film Dune de Alejandro Jodorowsky. All images are from 21st Century Foss (Dragon’s Dream, 1978)

Diseños realizados por Chris Foss en 1975 para el film Dune de Alejandro Jodorowsky. All images are from 21st Century Foss (Dragon’s Dream, 1978)

Diseños realizados por Chris Foss en 1975 para el film Dune de Alejandro Jodorowsky. All images are from 21st Century Foss (Dragon’s Dream, 1978)

Diseños realizados por Chris Foss en 1975 para el film Dune de Alejandro Jodorowsky. All images are from 21st Century Foss (Dragon’s Dream, 1978)

Diseños realizados por Chris Foss en 1975 para el film Dune de Alejandro Jodorowsky. All images are from 21st Century Foss (Dragon’s Dream, 1978)