Hay famosos espías que salvan el mundo con el ceño fruncido, la mandíbula apretada y una pistola con silenciador y beben cocteles. Otros prefieren una copa, un comentario sarcástico y la compañía de una mujer que probablemente intenta matarlos. Matt Helm pertenece a la segunda categoría, aunque su versión cinematográfica tiene bastante más de Dean Martin que de cualquier agente secreto convencional.
Entre 1966 y 1969, cuatro películas convirtieron a este personaje literario en uno de los representantes más peculiares de la fiebre del espionaje que recorrió Hollywood durante la década de los sesenta. Son películas de conspiraciones internacionales, armas extravagantes, villanos megalómanos, decorados de diseño futurista y mujeres capaces de convertir cualquier misión en una complicación sentimental. Pero, sobre todo, son el testimonio de una época en la que Hollywood descubrió que el mundo de James Bond podía parodiarse sin renunciar a los coches espectaculares, la sofisticación artificial y el glamour de las estrellas.
La historia de Matt Helm resulta especialmente interesante porque el personaje nació muy lejos de ese universo despreocupado. Su creador fue Donald Hamilton, escritor estadounidense nacido en Suecia. Publicó Death of a Citizen en 1960, la primera novela de una extensa serie protagonizada por el agente. Hamilton desarrolló durante décadas una visión del espionaje áspera, pragmática y moralmente incómoda. Su Helm no era un playboy que se paseaba entre fiestas y conquistas mientras resolvía crisis internacionales. Era un profesional de la violencia, un hombre entrenado para matar que debía afrontar las consecuencias psicológicas de su trabajo.
Las novelas prestaban atención a la disciplina operativa, la desconfianza y la dificultad de recuperar una vida normal después de haber sido convertido en un instrumento del Estado. El contraste con el personaje que terminaría interpretando Dean Martin es tan grande que conviene tenerlo presente desde el principio. Las películas no adaptan fielmente el espíritu de Hamilton, sino que utilizan su creación como punto de partida para construir una fantasía de espionaje pop.
El contexto industrial explica buena parte de esta transformación. Desde que Dr. No (1962) Terence Young presentó a Sean Connery como James Bond, el agente secreto se convirtió en una figura comercial extraordinaria. Los productores querían sus propios espías, sus propios artilugios y, naturalmente, sus propias versiones de las mujeres fatales y los villanos extravagantes.
El productor Irving Allen tenía motivos particulares para entrar en la competición. Había trabajado junto a Albert R. «Cubby» Broccoli, quien sí apostó por llevar las novelas de Ian Fleming al cine. La decisión de no continuar junto a Broccoli con Bond se convirtió en una de esas ironías de la historia de Hollywood. Mientras Broccoli participó en la construcción de una de las franquicias más duraderas del cine. Allen impulsó una alternativa que encontró su identidad al convertir el espionaje en comedia. La producción de Matt Helm fue, en cierto sentido, una respuesta tardía a aquella oportunidad perdida. Aunque su atractivo no dependía de competir con la seriedad de 007, sino de explotar un registro mucho más desenfadado.
La elección de Dean Martin fue decisiva. Martin ya poseía una personalidad pública perfectamente reconocible: voz aterciopelada, elegancia despreocupada, humor seco y una imagen de hombre que parecía conseguirlo todo sin despeinarse. Su trayectoria junto a Jerry Lewis había demostrado su talento para la comedia, mientras que su carrera musical y sus apariciones televisivas habían consolidado una imagen de sofisticación accesible.
En la pantalla, Matt Helm se convierte en una extensión de ese personaje público. Bebe, flirtea, improvisa y parece considerar las amenazas de destrucción mundial una molestia que interrumpe una velada agradable. La broma funciona porque Martin nunca parece esforzarse demasiado por demostrar que es el hombre más listo de la habitación. Su arma principal es la seguridad con la que se comporta como si todo estuviera bajo control, incluso cuando la situación se ha vuelto completamente absurda.
El resultado se aleja del asesino profesional de las novelas y se aproxima a una fantasía de masculinidad propia de la cultura popular de los 70’s. En las películas, la agencia secreta recibe el nombre de ICE, siglas de Intelligence and Counter Espionage. Helm trabaja rodeado de dispositivos imposibles, adversarios extravagantes y una sucesión de compañeras que oscilan entre la aliada, la distracción y la amenaza.
La serie tampoco pretende ser una parodia destructiva del género: disfruta demasiado de sus coches, sus decorados y sus extravagancias para limitarse a burlarse de ellos. Su humor nace de presentar situaciones disparatadas con la misma naturalidad con la que una producción de Bond habría presentado una amenaza nuclear. Esa mezcla de aventura genuina y autoparodia, es el tipo de humor que décadas después adaptaría la saga Austin Powers. Aunque Martin conserva una elegancia que no necesita recurrir continuamente a la caricatura.
Los silenciadores (1966) Phil Karlson. Reparto principal con Dean Martin, Stella Stevens, Daliah Lavi, Victor Buono y Cyd Charisse.
La primera aventura cinematográfica de Matt Helm establece las reglas de un universo en el que el peligro internacional convive con las bromas de dormitorio y los dispositivos mecánicos más absurdos. La organización criminal BIG O pretende desencadenar una catástrofe utilizando un misil. La agencia ICE necesita recuperar a su agente retirado para frustrar sus planes.
El argumento ofrece todo lo que cabía esperar de una producción de espionaje de mediados de los sesenta. El verdadero espectáculo está en la manera en que Phil Karlson mezcla la intriga con la comedia de enredos. La película procede de una época en la que los decorados futuristas, las conspiraciones globales y las armas secretas podían convivir con una despreocupación casi infantil.
El reparto femenino merece especial atención. Stella Stevens, como Gail Hendricks, aporta buena parte del componente cómico gracias a un personaje que parece meterse en problemas con una eficacia superior a la de los propios enemigos de Helm. Daliah Lavi, por su parte, interpreta a Tina, una agente que funciona como contrapunto más competente y misterioso.
La presencia de Cyd Charisse, leyenda del musical de Hollywood, añade un inesperado vínculo con el cine clásico. Su personaje, Sarita, es una artista de cabaré y agente enemiga, aunque su voz cantada fue doblada por Vikki Carr. Es uno de esos detalles que resumen el espíritu de la producción: reunir personalidades reconocibles, explotar sus atractivos y no preocuparse demasiado por la coherencia tonal.
Pero si hay una anécdota que define Los silenciadores, es el automóvil de Helm. El célebre personalizador de vehículos George Barris, conocido por trabajos tan emblemáticos como el Batmóvil de la serie televisiva de Batman, intervino en un Mercury Colony Park de 1965 para convertirlo en una extensión del apartamento de soltero del protagonista. El vehículo incorporaba un bar y asientos reclinables, porque aparentemente cualquier misión secreta resulta más llevadera si se puede disfrutar de una bebida sin abandonar el coche.
Barris también preparó vehículos para una secuencia de colisión en la que los automóviles debían desintegrarse de manera espectacular. La película lleva esta filosofía al extremo con una cama motorizada que se desplaza por el dormitorio y acaba arrojando a sus ocupantes a una piscina de hidromasaje.
La música también juega un papel importante. Elmer Bernstein, compositor de Los siete magníficos y La gran evasión, firma una banda sonora que convive con grabaciones del propio Martin. La combinación refuerza la sensación de estar viendo una aventura de espionaje construida alrededor de la estrella, no al revés. Incluso el material promocional de la época resumía la propuesta con una fórmula que hoy parece una declaración de intenciones: chicas, bromas y artilugios.
¿Ha envejecido bien? En algunos aspectos, no. Su representación de las mujeres responde a convenciones muy marcadas de su época y determinados chistes resultan difíciles de defender desde una mirada contemporánea. Sin embargo, como cápsula cultural de los años sesenta, conserva un encanto considerable. Sus decorados, sus automóviles y la absoluta tranquilidad con la que Martin afronta situaciones imposibles compensan buena parte de sus limitaciones. De las cuatro películas, es una de las que mejor representa la vertiente surrealista de la saga.
Matt Helm, agente muy especial (1966) Henry Levin con el reparto principal con Dean Martin, Ann-Margret, Karl Malden y Camilla Sparv.
El éxito de la primera entrega permitió ampliar la escala de la franquicia. Matt Helm, agente muy especial abandona parte de la extravagancia casi experimental de su predecesora para acercarse a una aventura de espionaje más convencional, con una amenaza tecnológica de dimensiones apocalípticas. La organización BIG O vuelve a estar en el centro de la conspiración, esta vez alrededor de un arma capaz de destruir ciudades mediante un rayo de enorme potencia.
Helm debe fingir su propia muerte y adoptar una identidad encubierta para localizar al científico responsable del invento. La premisa podría pertenecer perfectamente a una aventura de James Bond, pero los comentarios del protagonista impiden que la película se instale por completo en el territorio del suspense.
Uno de los mayores atractivos es Ann-Margret, que interpreta a Suzie Solaris. En 1966 la actriz se encontraba en un momento extraordinariamente activo de su carrera, y su presencia aporta energía, magnetismo y una dimensión musical que encaja a la perfección con el universo de Helm. Su química con Martin es uno de los puntos fuertes del largometraje.
También merece destacarse Karl Malden, ganador del Óscar por Un tranvía llamado Deseo, quien interpreta al antagonista Julian Wall. Su presencia proporciona un contrapunto más sólido a la despreocupación de Martin, aunque la película no tarda en recordar que aquí los villanos también están al servicio del espectáculo.
La producción guarda varias curiosidades. Aunque se había contemplado rodar en localizaciones europeas, Martin no quiso desplazarse para filmar allí. De modo que se recurrió a material rodado por una segunda unidad en Montecarlo y la isla de Wight, combinado con escenas realizadas en Hollywood. El resultado es un ejemplo interesante de cómo el cine de estudio podía fabricar una geografía internacional sin abandonar realmente California.
Además, la película cuenta con una aparición musical de Dino, Desi & Billy. Grupo en el que participaban Dino Martin, hijo de Dean, y Desi Arnaz Jr., hijo de Desi Arnaz y Lucille Ball, junto a Billy Hinsche. El mundo familiar y profesional de las estrellas se filtraba así en una producción que pretendía representar una sofisticada red internacional de espionaje.
Los artilugios vuelven a ser protagonistas. Entre ellos destaca una pistola que dispara con diez segundos de retraso, un mecanismo tan sencillo como eficaz para generar situaciones cómicas. También aparece el heliorrayo, un arma de destrucción masiva que proporciona a la película una estética de ciencia ficción propia de la década. El vestuario de Moss Mabry, con sus contrastes cromáticos y diseños modernos, contribuye a que la producción tenga una identidad visual más pulida que la primera entrega.
La película, además, presenta semejanzas llamativas con elementos que aparecerían en posteriores aventuras de Bond, especialmente Diamantes para la eternidad (1971) Guy Hamilton. Lo que permite apreciar hasta qué punto las distintas franquicias de espionaje se observaban y se alimentaban mutuamente. Conviene hablar de paralelismos e influencias posibles, sin dar por demostrada una relación directa en cada coincidencia.
En conjunto, Matt Helm, agente muy especial quizá sea menos desinhibida que Los silenciadores, pero resulta más equilibrada como aventura. La combinación de Ann-Margret, Karl Malden y Dean Martin funciona, y su imaginario tecnológico conserva una personalidad reconocible. Si la primera película presentaba a Matt Helm como un capricho de Hollywood, la segunda demuestra que aquel capricho podía sostener una franquicia comercial de verdad.
Emboscada a Matt Helm (1967) Henry Levin. Reparto principal con Dean Martin, Senta Berger, Janice Rule y James Gregory.
Con Emboscada a Matt Helm, la franquicia se adentra de lleno en la ciencia ficción más disparatada. La misión gira alrededor de una nave experimental capaz de volar y de un arma que permite hacer levitar objetos y personas. El espionaje internacional cede terreno ante una aventura que parece interesada en comprobar hasta dónde puede estirar la franquicia su propia lógica antes de que los espectadores dejen de seguirla. La presencia de elementos futuristas, que en las entregas anteriores servían para condimentar las tramas, pasa a dominar el espectáculo.
Senta Berger interpreta a Francesca Madeiros, una de las principales figuras femeninas de la película, mientras que Janice Rule encarna a Sheila Sommers. Ambas aportan presencia y experiencia, aunque el guion no siempre les ofrece personajes con suficiente profundidad. El reparto recupera también a James Gregory como MacDonald, el superior de Helm, cuya función consiste en devolver al protagonista al servicio activo cada vez que la jubilación empieza a resultarle demasiado cómoda. La recurrencia de este personaje ayuda a mantener la continuidad de una serie que, por lo demás, se permite cambiar de escenario, tono y amenaza sin excesivas explicaciones.
Uno de los detalles más curiosos se encuentra fuera del argumento. Parte de la producción se rodó en los estudios Desilu, asociados a series como Star Trek. De allí procedían algunos elementos de atrezo reutilizados en la película, incluidos componentes de decorados espaciales empleados en episodios de la serie original. Para el aficionado a la televisión clásica, reconocer esas piezas constituye una pequeña recompensa. Los mismos objetos que habían contribuido a representar el futuro de la exploración espacial aparecen ahora al servicio de una comedia de espías que no se toma demasiado en serio sus propias invenciones.
La banda sonora, compuesta por Hugo Montenegro, conocido también por su trabajo televisivo y por su célebre versión instrumental de «The Good, the Bad and the Ugly», acompaña una película que busca renovar su identidad sonora. El vestuario de Oleg Cassini, diseñador vinculado a la alta sociedad y conocido por vestir a Jacqueline Kennedy, añade un punto de sofisticación a un relato que visualmente oscila entre el glamour y el cartón piedra.
Sin embargo, Emboscada a Matt Helm es probablemente la entrega más irregular. La idea de la nave experimental tiene potencial, pero la trama se dispersa y el humor pierde parte de la espontaneidad que caracterizaba a las primeras aventuras. La película obtuvo buenos resultados comerciales, aunque con el tiempo su reputación crítica se deterioró. Es el ejemplo más claro de lo que sucede cuando una fórmula de éxito empieza a repetirse sin encontrar una nueva idea que la justifique. El espectador sigue encontrando elementos curiosos, pero ya no basta con añadir otra arma imposible, otro escenario exótico y otro grupo de agentes atractivas para recuperar la frescura original.
La mansión de los siete placeres (1969) Phil Karlson. Reparto principal con Dean Martin, Sharon Tate, Elke Sommer, Nancy Kwan, Tina Louise y Nigel Green.
La cuarta película devuelve la dirección a Phil Karlson, responsable de la primera entrega, y ofrece una conclusión más vistosa de lo que cabría esperar tras los problemas de la anterior. Helm debe investigar el robo de un cargamento de oro que amenaza con desestabilizar la economía mundial. La pista conduce hasta Europa y hasta el entorno del conde Contini, interpretado por Nigel Green.
Sobre el papel, la historia vuelve a reunir todos los ingredientes habituales. Un antagonista extravagante, una fortuna desaparecida, una organización criminal y un agente que parece más preocupado por disfrutar del viaje que por salvar la economía internacional.
Pero el verdadero acontecimiento cinematográfico es Sharon Tate, que interpreta a Freya Carlson. Su personaje comienza como una guía aparentemente torpe y poco sofisticada, aunque esa imagen esconde habilidades que resultan decisivas para la misión. Tate posee una ligereza cómica que funciona especialmente bien frente a la serenidad de Martin. En lugar de limitarse a desempeñar el papel de acompañante decorativa, consigue apropiarse de varias escenas y crear una personalidad reconocible.
La película también se beneficia de Elke Sommer como Linka Karensky. Nancy Kwan como Yu-Rang y Tina Louise como Lola Medina, un reparto que convierte la aventura en una exhibición de estilos interpretativos muy distintos.
La participación de Bruce Lee es una de las anécdotas fundamentales de esta producción. Lee trabajó como asesor de artes marciales y ayudó a preparar las escenas de lucha, incluida la preparación de Tate. En aquel momento todavía no era la estrella internacional que llegaría a ser a comienzos de los setenta, pero ya desarrollaba una actividad importante como instructor en Hollywood. Entre sus alumnos y conocidos se encontraban figuras como Steve McQueen y James Coburn.
La película también contiene una curiosidad histórica de enorme interés. Chuck Norris realizó aquí una de sus primeras apariciones cinematográficas, en un papel secundario sin el protagonismo que alcanzaría posteriormente. Descubrir a Norris en una aventura de Matt Helm supone contemplar una pequeña intersección entre el Hollywood de los espías y el que, pocos años después, estaría dominado por las artes marciales.
Existe una conexión cinéfila: Once Upon a Time… in Hollywood (2019) Quentin Tarantino, recupera imágenes y referencias de La mansión de los siete placeres. La presencia de la película dentro de una historia ambientada en el Hollywood de 1969 no es casual. Matt Helm pertenece a ese paisaje de estrellas, estudios, mansiones y cultura popular que Tarantino reconstruye con tanta atención al detalle. La película de Martin deja de ser solamente una comedia de espías para convertirse en una pieza de época, una ventana a la industria del entretenimiento inmediatamente anterior a una de sus rupturas históricas más traumáticas.
Otro detalle de producción es la mansión del villano. Para representar la residencia de Contini se utilizaron exteriores de Owlwood Estate, propiedad que entonces pertenecía al actor Tony Curtis y que posteriormente pasaría a manos de Sonny y Cher. Esta conexión entre los espacios de las celebridades y el cine comercial resulta muy apropiada para una franquicia que siempre había vivido de la proximidad entre el espectáculo y la imagen pública de sus protagonistas.
La película, estrenada en Canadá en diciembre de 1968. En Estados Unidos, en febrero de 1969, tuvo una acogida comercial inferior a la de sus predecesoras. Pese a ello, hoy posee un interés que va más allá de su argumento. Su estética, menos saturada que la de las primeras entregas, anticipa en algunos aspectos el cambio de sensibilidad visual que se impondría en el cine estadounidense de los setenta.
Además, la presencia de Sharon Tate le ha otorgado una dimensión histórica inevitable. Fue asesinada en agosto de 1969, meses después del estreno estadounidense de la película, por miembros del grupo dirigido por Charles Manson. Su muerte conmocionó a Hollywood y proyectó una sombra trágica sobre una producción concebida como entretenimiento ligero. La mansión de los siete placeres no debería reducirse a ese desenlace, pero resulta imposible hablar de ella sin reconocer cómo cambió su lugar en la memoria del cine.
La película termina anunciando una quinta aventura, The Ravagers, que nunca llegó a producirse. La caída de los resultados comerciales y la decisión de Martin de no volver a interpretar a Helm contribuyeron a cerrar la franquicia. Se ha señalado también que la muerte de Tate influyó en la negativa del actor a continuar, aunque no conviene presentar una explicación única como si todas las circunstancias estuvieran completamente documentadas. Lo cierto es que el proyecto quedó abandonado y que el anuncio final se convirtió en una despedida involuntaria.
Las mujeres de Matt Helm: algo más que decoración sesentera
Una revisión actual de estas películas no estaría completa sin detenerse en sus protagonistas femeninas. La saga heredó de la cultura Bond la costumbre de rodear al héroe de mujeres hermosas, peligrosas y con frecuencia presentadas mediante una mirada masculina muy evidente. Los nombres cambian de una entrega a otra, pero el mecanismo se repite. Una agente experimentada, una aliada imprevisible, una adversaria seductora o una mujer aparentemente inocente que termina complicando la misión.
No obstante, el reparto permite descubrir mucho más que una simple galería de modelos de época. Stella Stevens destaca por su sentido del humor físico; Daliah Lavi combina elegancia y misterio; Ann-Margret aporta una energía escénica que parece capaz de alterar el ritmo de la película. Senta Berger y Elke Sommer representan dos versiones distintas del glamour europeo que Hollywood convirtió en una marca comercial; y Sharon Tate demuestra que podía sostener la comedia con una personalidad propia.
El problema es que los guiones rara vez permiten que esas intérpretes desarrollen personajes con la complejidad que sus capacidades habrían merecido. Sus identidades suelen estar subordinadas al deseo, la seducción y las necesidades de la aventura masculina. La mirada contemporánea debe reconocer esa limitación sin ignorar el trabajo de las actrices, que a menudo son las responsables de que las escenas más ligeras funcionen. Y hay una ironía adicional. En más de una ocasión, la película parece disfrutar más de sus compañeras que de su propio protagonista, hasta el punto de que Martin acaba convertido en el espectador privilegiado de un espectáculo que ellas sostienen.
De Donald Hamilton a Dean Martin: dos Matt Helm incompatibles
La diferencia entre los libros y las películas merece una última reflexión. Donald Hamilton no creó un agente secreto para que protagonizara una comedia de enredos. Sus novelas describen un mundo donde el trabajo clandestino exige una frialdad que deja cicatrices y donde la violencia tiene consecuencias. La versión de Martin, en cambio, es un producto de la cultura popular de los sesenta. Sofisticado, seductor, irreverente y preparado para transformar una crisis internacional en una sucesión de ocurrencias.
Esta distancia ayuda a entender por qué las películas funcionan mejor cuando se contemplan como una franquicia autónoma. Juzgarlas exclusivamente por su fidelidad a los libros equivale a ignorar la operación comercial y creativa que las hizo posibles. Irving Allen y Columbia Pictures no buscaban trasladar con exactitud la psicología del personaje literario, sino aprovechar un nombre reconocible para entrar en un mercado dominado por Bond. El cambio de tono permitió que Dean Martin interpretara a Helm con una naturalidad que probablemente habría resultado inconcebible en una adaptación más fiel.
También explica la importancia de la música, los coches y los decorados. La serie no se limita a contar historias de espionaje: vende una determinada imagen de modernidad. Los apartamentos futuristas, las armas experimentales, los vestidos, los interiores de lujo y los automóviles personalizados construyen un universo en el que el futuro parece una extensión del ocio de los ricos. En este sentido, Matt Helm es menos un héroe de la Guerra Fría que un representante de la sociedad de consumo que floreció durante aquella década. El enemigo puede amenazar con destruir el planeta, pero el espectáculo nunca pierde de vista el bar, el vestuario o la próxima conquista amorosa.
El legado: una franquicia menor con personalidad propia
Una serie televisiva de Matt Helm, protagonizada por Anthony Franciosa en la década de los 70’s, intentó prolongar la vida del personaje. Lo transformó en un detective privado dentro de un formato más convencional. La producción tuvo una trayectoria breve y no alcanzó el impacto cultural de las películas de Martin.
Décadas más tarde, el proyecto de recuperar al personaje para el cine volvió a despertar interés. Con nombres como Steven Spielberg vinculados en distintos momentos al desarrollo de una nueva adaptación y Bradley Cooper asociado al papel en informaciones publicadas en 2018. Aquellos planes ilustran la persistencia del atractivo del personaje, aunque no equivalen a una película estrenada.
El legado más curioso quizá sea la relación entre la saga y el propio James Bond. Las películas de Matt Helm nacieron en buena medida como respuesta a la popularidad de 007. Su tono desenfadado y su gusto por el humor contribuyeron a un ambiente cinematográfico en el que el espionaje podía ser espectacular sin ser solemne. Cuando Roger Moore asumió el papel de Bond en Vive o deja morir (1973) Guy Hamilton, la franquicia británica abrazó un registro más abiertamente juguetón.
No sería riguroso atribuir ese cambio exclusivamente a Matt Helm, pero sí reconocer que ambas series participaron en una evolución compartida del género. Incluso la posterior popularidad de las parodias de espionaje, de Casino Royale (1967) a Austin Powers, permite apreciar el terreno cultural en el que se movían estas películas.
Revisar las cuatro aventuras de Matt Helm supone recorrer una pequeña historia del cine comercial estadounidense. No estamos ante cuatro obras maestras ocultas ni ante una saga capaz de competir en todos los terrenos con las mejores películas de James Bond. Sus guiones son irregulares, su representación de las mujeres responde a convenciones envejecidas y algunos de sus efectos especiales provocan hoy una sonrisa involuntaria.
Pero reducirlas a esos defectos sería perder de vista lo que las hace interesantes. La personalidad de Dean Martin, la inventiva de sus dispositivos, el diseño visual de los años sesenta, la presencia de un reparto extraordinario y la forma en que Hollywood convirtió una oportunidad comercial perdida en una franquicia con identidad propia.
Matt Helm es, en definitiva, el espía que nunca necesitó parecer demasiado preocupado por el destino del mundo. Mientras otros agentes secretos perfeccionaban su licencia para matar, él prefería convertir cada misión en una aventura de lujo, sarcasmo y seducción. Y esa diferencia, precisamente, es la que hace que todavía merezca la pena volver a visitarlo.
