TARDIS Sumi-e. Ilustración de Antonio Camarera, con motivos orientales para la TARDIS
Obituario: Oliverio Toscani, el visionario de las emociones visuales
El mundo despide a Oliverio Toscani (Milán, 28 de febrero de 1942- Cecina, 13 de enero de 2025), un artista que no solo creó imágenes, sino que generó diálogos en una época donde hacerlo no te llevaba a ser cancelado.
Toscani deja un legado imborrable en el universo de la fotografía y la comunicación visual. Su trabajo trascendió fronteras y desafío cómodas nociones de lo aceptable, convirtiéndolo en una figura icónica del siglo XX.
Toscani fue mucho más que un fotógrafo; fue un provocador, un pensador y un narrador. Conocido por su revolucionario enfoque en la publicidad, especialmente como director creativo de Benetton, llevó la publicidad a un nivel sin precedentes. Las campañas que diseñó no solo promocionaron productos, sino que también confrontaron al público con las realidades de temas sociales como el racismo, el VIH/SIDA, la guerra y la desigualdad.
¿Quién puede olvidar las controversiales imágenes de un cura y una monja besándose, o el estremecedor retrato de un hombre moribundo rodeado de su familia? Cada imagen fue un espejo que nos obligó a cuestionar nuestras creencias y nuestra humanidad.
A lo largo de su carrera, Toscani demostró un dominio magistral del arte visual. Su sensibilidad artística y su compromiso con los derechos humanos le valieron reconocimientos internacionales, pero también generaron polémica. Nunca temió enfrentar las críticas porque comprendía que el verdadero cambio no nace de la comodidad, sino del impacto.
Su influencia se extendió más allá de las campañas publicitarias. Oliverio Toscani también fue un defensor apasionado de la educación y la experimentación artística. Fundó la escuela de comunicación visual Fabrica, un espacio dedicado a fomentar el talento joven y la innovación creativa. Para Toscani, el arte y la comunicación eran herramientas de transformación social, y su legado vive en cada estudiante que pasó por las puertas de Fabrica.
Oliverio Toscani nos enseñó que la fotografía es mucho más que una mera captura de luz y sombra; es una herramienta poderosa para revelar verdades, provocar reflexiones y construir puentes entre mundos aparentemente inconciliables.
En sus propias palabras: “La creatividad no es un don, es una responsabilidad”. Hoy, mientras reflexionamos sobre su vida, recordamos esa responsabilidad que nos dejó como herencia de una época en la que se podía publicar contenido sin que sea reprobado por elementos radicales de la sociedad.
El arte de Iván Bílibin (en ruso: Иван Яковлевич Билибин) estuvo fuertemente inspirado por el folclore eslavo. Nacido en San Petersburgo (16 de agosto de 1876 – 7 de febrero de 1942) fue uno de los ilustradores más influyentes del siglo XX y diseñadores escénicos que tomó parte de la revista y movimiento artístico Mir iskusstva y contribuyó a la iconografía de los Ballets Rusos.
Marvel Comics celebra diez años de portadas alternativas de dibujante Skottie Young con un póster y muchas nuevas portadas.
Ha dibujado portadas para muchos libros, incluidos Cable & Deadpool , Spider-Man , Deadpool y Iron Man, junto con una popular serie de portadas Baby Variant para docenas de títulos de Marvel.
La conocida pintura American Gothic de Grant Wood de 1930, un inquietante retrato de la américa profunda con un aire de extraña normalidad que te hace estremecer. Homenajeado en multitud de ocasiones tanto dentro como fuera del ambiente tebeístico.
El cuadro ilustra a un granjero sujetando una horca y a una mujer rubia, que unos interpretan como su esposa y otros como su hija, enfrente de una casa de estilo gótico rural.
Wood tomó como modelos para el cuadro American Gothic a su hermana Nan Wood (1899-1990) y a su dentista, el doctor Byron McKeeby (1867-1950), de la localidad de Cedar Rapids (Iowa). La casa la vio desde su coche en Eldon, Iowa, llamando su atención y trazando unos bocetos.
Es una de las imágenes más conocidas del arte estadounidense del siglo XX y se ha convertido en un icono en la cultura popular, siendo una de las imágenes del arte moderno estadounidense más reconocidas y parodiadas.
En este caso la imagen es recreada para la portada del número 7 de la limited serie de Elektra Assassin dibujada por el ilustrador Bill Sienkiewicz.
Diseños realizados por Chris Foss en 1975 para el film Dune de Alejandro Jodorowsky que nunca fue llegó a realizarse.
Christopher Frank Foss (nacido en 1946 en Guernsey , Islas del Canal, Reino Unido) es un artista e ilustrador de ciencia ficción británico conocido por realizar las portadas de libros de ciencia ficción y ilustraciones en blanco y negro de las ediciones originales de The Joy of Sex.
Foss comenzó a trabajar allí como artista en su adolescencia, creando carteles para empresas locales. Fue a un internado en Dorset donde uno de sus maestros lo animó a prepararse para obtener una beca de arte. Mientras estudiaba en Magdalene College, Cambridge, comenzó a realizar encargos de revistas profesionales, incluida la revista Penthouse, recientemente lanzada al mercado.
En 1975, Foss fue contratado por el director Alejandro Jodorowsky para una versión cinematográfica de la novela de ciencia ficción Dune del autor Frank Herbert. Entregó varios estudios conceptuales publicados en el libro 21st Century Foss, que contienen un prólogo de Jodorowsky. Finalmente el proyecto fracasó y no llegó a ver la luz.
Posteriormente en 1977 Foss trabajó durante varios meses en estudios para la película Alien (1979) Ridley Scott que finalmente no fueron utilizados en la película, y también hizo algunos diseños de escenografía del planeta Krypton para la película Superman (1978) Richard Donner. Algunas de sus estructuras cristalinas para el planeta fueron realizadas en la película, aunque fueron utilizadas como estructuras de hielo.
Posteriormente fue contratado por Stanley Kubrick, para que desarrollara diseños para la película Inteligencia Artificial (2000) Steven Spielberg, donde trabajó hasta el fallecimiento de Kubrick en 1999. Posteriormente James Gunn lo incorporó para diseñar las distintas naves espaciales de la película Guardianes de la Galaxia (2014) James Gunn.
Nakatomi Plaza. Dónde murió cada terrorista en el interior del del edificio.
El rascacielos Nakatomi Plaza es mucho más que un conjunto de pisos y oficinas. Este icónico edificio se convirtió en el escenario principal de uno de los thrillers más memorables del cine: Die Hard (1988) John MacTiernan, protagonizada por Bruce Willis como el intrépido policía John McClane.
Ubicado en Los Ángeles, Nakatomi Plaza se convirtió en el escenario de un enfrentamiento explosivo entre McClane y un grupo de terroristas liderados por Hans Gruber, interpretado magistralmente por Alan Rickman.
El atrevido intento de robo durante la fiesta navideña se convierte en una batalla de ingenio, valentía y tácticas desesperadas para salvar a los rehenes y detener a los delincuentes. Pero, ¿dónde encaja la realidad en esta historia de ficción?
Nakatomi Plaza, en la realidad conocida como Fox Plaza, se erige majestuosamente en Century City, Los Ángeles. Aunque la película se filmó principalmente en este lugar, ciertos detalles y exageraciones cinematográficas marcaron la diferencia.
La arquitectura del Fox Plaza se hizo famosa como Nakatomi Plaza, y su estructura distintiva se convirtió en un símbolo perdurable de la película. Sin embargo, a pesar de la narrativa de Die Hard, no hubo tal incidente terrorista en la vida real. La película dio vida a la idea de un edificio siendo tomado por ladrones profesionales, pero la realidad es que Fox Plaza sigue siendo un lugar de negocios y oficinas, sin dramas épicos como los vistos en la pantalla grande.
A pesar de esto, la película dejó una huella indeleble en la cultura popular, estableciendo a John McClane como un ícono del cine de acción y haciendo de Nakatomi Plaza un nombre que resuena en la memoria colectiva de los amantes del cine. Más allá de la ficción, Nakatomi Plaza sigue en pie, recordándonos no solo una historia épica de Hollywood, sino también la magia del cine para transformar lugares comunes en escenarios de leyendas.
Orcos liderados por el Rey Brujo, con el Balrog en segundo plano, obra del artista Chris Achilleos, publicada alrededor de 1984.
En la década de 1980, un juego de rol emergió con una imagen que se grabaría en la memoria colectiva de los aficionados a la fantasía. La portada del Middle-earth Role Playing (MERP), con su imponente representación de Mordor y sus hordas, se convirtió en un símbolo de la pasión por la Tierra Media y la narrativa épica de J.R.R. Tolkien.
El arte, creado por el talentoso artista Chris Achilleos y publicado alrededor de 1984, captura la oscura majestuosidad de Mordor. En primer plano, los orcos, comandados por el temible Rey Brujo, se perfilan como una fuerza imparable, mientras que en el horizonte se vislumbra la figura ominosa del Balrog, una criatura legendaria que añade una capa adicional de peligro y misterio.
Esta Portada del Middle-earth Role Playing (MERP) no solo adornaba el manual del juego, sino que se convirtió en un ícono de la cultura de los juegos de rol y del vasto mundo de la Tierra Media de Tolkien. La habilidad de Achilleos para transmitir la atmósfera de un lugar tan siniestro como Mordor es un testimonio de su talento artístico y de su comprensión profunda de la obra de Tolkien.
A pesar de los años transcurridos, el impacto visual de esta obra de arte perdura, recordándonos la importancia del arte en la inmersión de los jugadores en mundos de fantasía. El arte de la Portada del Middle-earth Role Playing (MERP) no solo fue una introducción al juego, sino que se convirtió en un portal hacia la imaginación y la exploración de la Tierra Media.
¿Tienes recuerdos jugando MERP o alguna experiencia relacionada con la portada que quieras compartir? ¡Nos encantaría escuchar tus historias y recuerdos en los comentarios!
La Tierra Media al estilo Pixar. Personajes de las novelas de J.R.R. Tolkien si fueran realizados al estilo Pixar.
Vía: @alessandrodisderi
Para celebrar el 50 aniversario del museo, Pokémon y el Museo Van Gogh, han lanzado una colaboración. Juntos, desarrollaron diversas actividades educativas basadas en el vínculo compartido con el arte y la cultura japonesa: Pokémon es un ícono de la cultura pop japonesa y las grabados japoneses fueron una fuente significativa de inspiración para Vincent van Gogh.
Vincent van Gogh admiraba enormemente los grabados japoneses. El uso de planos planos de colores intensos, temas cotidianos y atención al detalle en la naturaleza lo inspiró.