Archivo de la etiqueta: Arte Conceptual

Arte de Iván Babilin

El arte de Iván Bílibin (en ruso: Иван Яковлевич Билибин) estuvo fuertemente inspirado por el folclore eslavo. Nacido en San Petersburgo (16 de agosto de 1876 – 7 de febrero de 1942) fue uno de los ilustradores más influyentes del siglo XX y diseñadores escénicos que tomó parte de la revista y movimiento artístico Mir iskusstva y contribuyó a la iconografía de los Ballets Rusos.

Arte de Iván Babilin
Vasilisa la Hermosa, 1899
Arte de Iván Babilin
Iván Tsarévich atrapando la pluma del pájaro de fuego, 1899
Arte de Iván Babilin
Koschei el Inmortal, 1900
Arte de Iván Babilin
El jinete rojo de Vasilisa la Hermosa, 1899
Arte de Iván Babilin
Los mercaderes visitan al Zar Saltán, 1905
Arte de Iván Babilin
La isla Buyán, 1905
Arte de Iván Babilin
Diseño escénico para la ópera El gallo de oro, 1909
Arte de Iván Babilin
Morozko, 1932
Arte de Iván Babilin
Ilustración para el Cantar de las Huestes de Igor, 1941

American Gothic by Bill Sienkiewicz

La conocida pintura American Gothic de Grant Wood de 1930, un inquietante retrato de la américa profunda con un aire de extraña normalidad que te hace estremecer. Homenajeado en multitud de ocasiones tanto dentro como fuera del ambiente tebeístico.

American Gothic de Grant Wood, recreada para la portada del número 7 de la limited serie de Elektra Assassin dibujada por el ilustrador Bill Sienkiewicz.

El cuadro ilustra a un granjero sujetando una horca y a una mujer rubia, que unos interpretan como su esposa y otros como su hija, enfrente de una casa de estilo gótico rural.

Wood tomó como modelos para el cuadro American Gothic a su hermana Nan Wood (1899-1990) y a su dentista, el doctor Byron McKeeby (1867-1950), de la localidad de Cedar Rapids (Iowa). La casa la vio desde su coche en Eldon, Iowa, llamando su atención y trazando unos bocetos.

Es una de las imágenes más conocidas del arte estadounidense del siglo XX y se ha convertido en un icono en la cultura popular, siendo una de las imágenes del arte moderno estadounidense más reconocidas y parodiadas.

En este caso la imagen es recreada para la portada del número 7 de la limited serie de Elektra Assassin dibujada por el ilustrador Bill Sienkiewicz.

Diseños para Dune de Jodorowsky

Diseños realizados por Chris Foss en 1975 para el film Dune de Alejandro Jodorowsky que nunca fue llegó a realizarse.

Christopher Frank Foss (nacido en 1946 en Guernsey , Islas del Canal, Reino Unido) es un artista e ilustrador de ciencia ficción británico conocido por realizar las portadas de libros de ciencia ficción y ilustraciones en blanco y negro de las ediciones originales de The Joy of Sex.

Foss comenzó a trabajar allí como artista en su adolescencia, creando carteles para empresas locales. Fue a un internado en Dorset donde uno de sus maestros lo animó a prepararse para obtener una beca de arte. Mientras estudiaba en Magdalene College, Cambridge, comenzó a realizar encargos de revistas profesionales, incluida la revista Penthouse, recientemente lanzada al mercado.

Diseños realizados por Chris Foss en 1975 para el film Dune de Alejandro Jodorowsky. All images are from 21st Century Foss (Dragon’s Dream, 1978)

En 1975, Foss fue contratado por el director Alejandro Jodorowsky para una versión cinematográfica de la novela de ciencia ficción Dune del autor Frank Herbert. Entregó varios estudios conceptuales publicados en el libro 21st Century Foss, que contienen un prólogo de Jodorowsky. Finalmente el proyecto fracasó y no llegó a ver la luz.

Posteriormente en 1977 Foss trabajó durante varios meses en estudios para la película Alien (1979) Ridley Scott que finalmente no fueron utilizados en la película, y también hizo algunos diseños de escenografía del planeta Krypton para la película Superman (1978) Richard Donner. Algunas de sus estructuras cristalinas para el planeta fueron realizadas en la película, aunque fueron utilizadas como estructuras de hielo.

Posteriormente fue contratado por Stanley Kubrick, para que desarrollara diseños para la película Inteligencia Artificial (2000) Steven Spielberg, donde trabajó hasta el fallecimiento de Kubrick en 1999. Posteriormente James Gunn lo incorporó para diseñar las distintas naves espaciales de la película Guardianes de la Galaxia (2014) James Gunn.

Diseños realizados por Chris Foss en 1975 para el film Dune de Alejandro Jodorowsky. All images are from 21st Century Foss (Dragon’s Dream, 1978)

Diseños realizados por Chris Foss en 1975 para el film Dune de Alejandro Jodorowsky. All images are from 21st Century Foss (Dragon’s Dream, 1978)

Diseños realizados por Chris Foss en 1975 para el film Dune de Alejandro Jodorowsky. All images are from 21st Century Foss (Dragon’s Dream, 1978)

Diseños realizados por Chris Foss en 1975 para el film Dune de Alejandro Jodorowsky. All images are from 21st Century Foss (Dragon’s Dream, 1978)

Diseños realizados por Chris Foss en 1975 para el film Dune de Alejandro Jodorowsky. All images are from 21st Century Foss (Dragon’s Dream, 1978)

Diseños realizados por Chris Foss en 1975 para el film Dune de Alejandro Jodorowsky. All images are from 21st Century Foss (Dragon’s Dream, 1978)

Diseños realizados por Chris Foss en 1975 para el film Dune de Alejandro Jodorowsky. All images are from 21st Century Foss (Dragon’s Dream, 1978)

Nakatomi Plaza

Nakatomi Plaza. Dónde murió cada terrorista en el interior del del edificio.

Nakatomi Plaza. Dónde murió cada terrorista en el interior del del edificio.

El rascacielos Nakatomi Plaza es mucho más que un conjunto de pisos y oficinas. Este icónico edificio se convirtió en el escenario principal de uno de los thrillers más memorables del cine: Die Hard (1988) John MacTiernan, protagonizada por Bruce Willis como el intrépido policía John McClane.

Ubicado en Los Ángeles, Nakatomi Plaza se convirtió en el escenario de un enfrentamiento explosivo entre McClane y un grupo de terroristas liderados por Hans Gruber, interpretado magistralmente por Alan Rickman.

El atrevido intento de robo durante la fiesta navideña se convierte en una batalla de ingenio, valentía y tácticas desesperadas para salvar a los rehenes y detener a los delincuentes. Pero, ¿dónde encaja la realidad en esta historia de ficción?

Nakatomi Plaza, en la realidad conocida como Fox Plaza, se erige majestuosamente en Century City, Los Ángeles. Aunque la película se filmó principalmente en este lugar, ciertos detalles y exageraciones cinematográficas marcaron la diferencia.

La arquitectura del Fox Plaza se hizo famosa como Nakatomi Plaza, y su estructura distintiva se convirtió en un símbolo perdurable de la película. Sin embargo, a pesar de la narrativa de Die Hard, no hubo tal incidente terrorista en la vida real. La película dio vida a la idea de un edificio siendo tomado por ladrones profesionales, pero la realidad es que Fox Plaza sigue siendo un lugar de negocios y oficinas, sin dramas épicos como los vistos en la pantalla grande.

A pesar de esto, la película dejó una huella indeleble en la cultura popular, estableciendo a John McClane como un ícono del cine de acción y haciendo de Nakatomi Plaza un nombre que resuena en la memoria colectiva de los amantes del cine. Más allá de la ficción, Nakatomi Plaza sigue en pie, recordándonos no solo una historia épica de Hollywood, sino también la magia del cine para transformar lugares comunes en escenarios de leyendas.

Portada del Middle-earth Role Playing (MERP)

Portada del Middle-earth Role Playing (MERP)
Hosts of Mordor
Orcos liderados por el Rey Brujo, con el Balrog en segundo plano, obra del artista Chris Achilleos, publicada alrededor de 1984.

En la década de 1980, un juego de rol emergió con una imagen que se grabaría en la memoria colectiva de los aficionados a la fantasía. La portada del Middle-earth Role Playing (MERP), con su imponente representación de Mordor y sus hordas, se convirtió en un símbolo de la pasión por la Tierra Media y la narrativa épica de J.R.R. Tolkien.

El arte, creado por el talentoso artista Chris Achilleos y publicado alrededor de 1984, captura la oscura majestuosidad de Mordor. En primer plano, los orcos, comandados por el temible Rey Brujo, se perfilan como una fuerza imparable, mientras que en el horizonte se vislumbra la figura ominosa del Balrog, una criatura legendaria que añade una capa adicional de peligro y misterio.

Esta Portada del Middle-earth Role Playing (MERP) no solo adornaba el manual del juego, sino que se convirtió en un ícono de la cultura de los juegos de rol y del vasto mundo de la Tierra Media de Tolkien. La habilidad de Achilleos para transmitir la atmósfera de un lugar tan siniestro como Mordor es un testimonio de su talento artístico y de su comprensión profunda de la obra de Tolkien.

Portada del Middle-earth Role Playing (MERP)

A pesar de los años transcurridos, el impacto visual de esta obra de arte perdura, recordándonos la importancia del arte en la inmersión de los jugadores en mundos de fantasía. El arte de la Portada del Middle-earth Role Playing (MERP) no solo fue una introducción al juego, sino que se convirtió en un portal hacia la imaginación y la exploración de la Tierra Media.

¿Tienes recuerdos jugando MERP o alguna experiencia relacionada con la portada que quieras compartir? ¡Nos encantaría escuchar tus historias y recuerdos en los comentarios!

Pokemon en el Museo Van Goth

Para celebrar el 50 aniversario del museo, Pokémon y el Museo Van Gogh, han lanzado una colaboración. Juntos, desarrollaron diversas actividades educativas basadas en el vínculo compartido con el arte y la cultura japonesa: Pokémon es un ícono de la cultura pop japonesa y las grabados japoneses fueron una fuente significativa de inspiración para Vincent van Gogh.

Pokemon en el museo Van Goth
Izquierda: Pikachu inspirado en ‘Autorretrato con Sombrero de Fieltro Gris’, Naoyo Kimura (1960), The Pokémon Company International, ©2023 Pokémon / Nintendo / Creatures / GAME FREAK. Derecha: Vincent van Gogh, ‘Autorretrato con Sombrero de Fieltro Gris’, 1887, Museo Van Gogh de Ámsterdam (Fundación Vincent van Gogh).

Vincent van Gogh admiraba enormemente los grabados japoneses. El uso de planos planos de colores intensos, temas cotidianos y atención al detalle en la naturaleza lo inspiró.

Estatua de la Libertad en el Universo de la Ciencia Ficción.

«Estatua de la Libertad en el Universo de la Ciencia Ficción: Un Viaje Artístico a través del Tiempo».

La Estatua de la Libertad es un ícono reconocido mundialmente, pero ¿alguna vez te has preguntado cómo se vería en un entorno de ciencia ficción? A lo largo de los años, talentosos artistas han dado rienda suelta a su imaginación para recrear este símbolo icónico en futuros distópicos, mundos alienígenas y galaxias lejanas.

En el vasto y fascinante mundo de la ciencia ficción, los artistas han encontrado un lienzo ideal para dar vida a sus imaginaciones más audaces. A lo largo de los años, algunos talentos destacados han tomado la icónica Estatua de la Libertad como su musa y la han transformado en escenarios sorprendentes y futuristas. En este artículo, exploraremos las extraordinarias ilustraciones de la Estatua de la Libertad creadas por cuatro artistas de renombre: Alex Schomburg, Rodney Matthews, Tony Roberts y Barry Jackson.

1. Alex Schomburg (1964):
Alex Schomburg nos lleva en un viaje a un futuro alternativo en su interpretación de la Estatua de la Libertad en 1964. Un pionero en el arte de portada de cómics y ciencia ficción, Schomburg nos sorprendió en 1964 con su visión de la Estatua de la Libertad en un futuro distópico. En su ilustración, vemos a la estatua emergiendo entre los escombros de una ciudad en ruinas, rodeada de naves espaciales y tecnología avanzada. Esta imagen evoca un sentido de esperanza y resistencia en un mundo post-apocalíptico.

Estatua de la Libertad en el Universo de la Ciencia Ficción. Alex Schomburg (1964)

2. Rodney Matthews (1984):
Matthews, conocido por su estilo único y detallado, un maestro en la creación de paisajes imaginativos, nos sorprende con su interpretación de la Estatua de la Libertad en 1984. En su obra, la estatua emerge majestuosamente en un mundo alienígena, rodeada de exuberantes paisajes y criaturas extraterrestres. La combinación de colores vibrantes y detalles meticulosos enriquece esta ilustración, sumergiendo al espectador en un universo de ciencia ficción inexplorado.

Libertad en el Universo de la Ciencia Ficción. Rodney Matthews (1984)

3. Tony Roberts (1975):
Tony Roberts, un artista versátil, se destacó por su capacidad para fusionar la ciencia ficción con elementos surrealistas y abstractos. En su interpretación de la Estatua de la Libertad en 1975, Roberts la llevó a un futuro apocalíptico y tecnológico. Con detalles intrincados y colores vibrantes, la Dama Libertad emerge como un símbolo de resistencia en un mundo en el que la humanidad ha alcanzado nuevas cotas tecnológicas, pero también enfrenta desafíos inéditos. La habilidad de Roberts para provocar emociones y reflexiones a través de su arte resalta en esta ilustración futurista.

Estatua de la Libertad en el Universo de la Ciencia Ficción. Tony Roberts (1975)

4. Barry E. Jackson (1981):
Barry Jackson, famoso por su estilo realista y detallado, nos cautiva con su interpretación de la Estatua de la Libertad en 1981. En su creación, la estatua se encuentra en un mundo postapocalíptico, dominado por ruinas y máquinas abandonadas. En esta obra, la Estatua de la Libertad aparece como un símbolo de una Nueva York decadente y aislada del mundo exterior. Esta representación icónica ha perdurado a lo largo de los años y ha dejado una impresión duradera en la cultura pop.

Estatua de la Libertad en el Universo de la Ciencia Ficción. Barry E. Jackson (1981)


Estas ilustraciones de la Estatua de la Libertad en los entornos de la ciencia ficción, creadas por los talentosos artistas Alex Schomburg, Rodney Matthews, Tony Roberts y Barry E. Jackson, nos muestran cómo este emblemático símbolo puede trascender el tiempo y el espacio para formar parte de emocionantes realidades alternativas.

A través de su arte, estos visionarios nos invitan a explorar universos llenos de imaginación y posibilidades infinitas. Cada ilustración es una ventana hacia el futuro y un recordatorio de que la creatividad humana no tiene límites en el vasto lienzo de la ciencia ficción.