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Breve Historia Desconocida: Apertura de la Verja de Gibraltar

Durante el periodo de 1969 y 1982 las relaciones hispano-británicas en torno a la situación de Gibraltar hicieron que la Verja de Gibraltar permaneciera totalmente bloqueada, quedando también prohibido el tránsito aéreo hasta el año 2006.

En el año 1953 el gobierno español del general Franco, reclamó la devolución del Peñón en virtud de supuestos acuerdos hispano-británicos alcanzados previamente, sin obtener respuesta por parte del gobierno de Londres.​

Tras esta declaración, en 1954, coincidiendo con la visita de la reina Isabel II del Reino Unido a Gibraltar, el Gobierno de España empezó a tomar las primeras medias de protesta. El consulado español en Gibraltar fue clausurado y el paso de españoles, ya fueran trabajadores o turistas, a Gibraltar fue prohibido por las autoridades españolas durante los días en las que la reina británica permaneció de visita en la colonia.

Tras la aprobación por parte de la Asamblea General de la ONU de dos resoluciones sobre el tema (2231 (XXI), «Cuestión de Gibraltar» y 2353 (XXII), «Cuestión de Gibraltar»), se realizó la primera propuesta formal de devolución, llevada a cabo el 16 de mayo de 1966 por el Ministro de Asuntos Exteriores Fernando María Castiella, en nombre del Gobierno de España. En ella se solicitaba la anulación del Tratado de Utrecht.​ El Gobierno británico rechazó contundentemente esta propuesta.

Breve Historia Desconocida: Apertura de la verja de Gibraltar

En 1966 las telecomunicaciones fueron cortadas, militarizando a los trabajadores de telefónica, para juzgarlos por lo militar en caso de negarse. Manuel Cámara cortó el cable de teléfonos dejando Gibraltar incomunicada, hasta 2007, entre España y dicha colonia, así como la conexión por transbordador entre Algeciras (Cádiz) y el Peñón (hasta 2009), debiendo la colonia británica abastecerse a través de vías específicas alternativas.​

Como medida de presión, el gobierno britanico realizó una consulta censitaria entre los ciudadanos de Gibraltar el 10 de septiembre de 1967, denominada «referéndum de soberanía«. La consulta, que no reunió las garantías democráticas más básicas, arrojó más del 99 por ciento de votos en contra de la devolución del Peñón a España.​ El Reino Unido ratificó una nueva legislación principal para el territorio en 1969, dando paso a la creación del llamado «Gobierno de Gibraltar».

En respuesta a estos resultados, y a que aviones de guerra británicos comenzaron a hostigar a la población de La Línea de la Concepción (Cádiz) violando el espacio aéreo español, el Jefe del Estado español, el general Francisco Franco, ordenó el cierre permanente de la Verja el 8 de junio​ de 1969 y el corte de todas las comunicaciones de España con el Peñón.

La idea del Gobierno franquista era que Gibraltar cayera como fruta madura, tal como había afirmado Franco al diario Arriba en 1950, se equivocaba de pleno. La situación volvía a ser similar a las vividas en el siglo XVIII, pues no se cerraba la frontera terrestre de manera continuada desde los famosos asedios. Además, durante los años del cierre de la verja influyó un asunto que, en el siglo XVIII, no era tan poderoso: la propaganda mediática.

En Gibraltar se podía ver la televisión española o escuchar la radio, y fueron testigos de la maquinaria informativa que se creó en España frente a Gibraltar, con el fin de convencer a la opinión pública española de que había sido una decisión correcta. De este modo, no podía más que aumentar la desconfianza de los gibraltareños hacia España, que se tornó en decidida aversión. Todavía se recuerdan en Gibraltar los difíciles primeros momentos, en los que la carestía de alimentos y de otros recursos (que entraban por la frontera) complicaron mucho sus vidas.

Breve Historia Desconocida: Apertura de la Verja de Gibraltar
Personas que trata de comunicarse con el otro lado de la verja, algo que tenían que hacer a gritos.

Esto incluía las conexiones terrestres para peatones y vehículos, las conexiones aéreas directas entre Gibraltar y España, la conexión marítima del transbordador entre Algeciras (Cádiz) y el Peñón, así como las conexiones de telecomunicaciones. ​

Las peores consecuencias del cierre de la verja la sufrió la ciudad de La Línea que dependía económicamente de la colonia británica. Como resultado de esto, más de 4.800 ciudadanos españoles perdieron sus empleos en Gibraltar, lo que dio lugar al inicio de una depresión económica en la inmediata comarca del Campo de Gibraltar. En dos años perdió la mitad de su población y miles de familias huyeron de la ciudad.

Separó a centenares de familias que, desde entonces, tenían que acudir a la verja a verse y hablarse a gritos, salvando una distancia de unos cien metros, o bien coger un barco hasta Marruecos para llegar a Algeciras, en una alternativa que hacía infinitamente más largo cubrir una distancia que, andando, era de apenas unos kilómetros.

Durante el tiempo que transcurrió el cierre de la frontera y las conversaciones sobre el futuro de la colonia británica detenidas, el Gobierno español de la época decidió, como medio para presionar aún más a Gibraltar, urbanizar todo el suelo neutral entre esta valla y la antigua Línea de Contravalación, que hoy en día se corresponde con la Avenida del Ejército de la ciudad linense.

Breve Historia Desconocida: Apertura de la verja de Gibraltar
Apertura de la Verja de Gibraltar

En este espacio fueron construidos, entre otras instalaciones, el puerto, el Palacio de Congresos, la estación de autobuses, el Parque Municipal y el estadio de fútbol de la Real Balompédica Linense, todos ellos adscritos al municipio de La Línea de la Concepción (Cádiz). La posición española de cierre de la verja se mantuvo sin cambios durante el resto del tiempo de vigencia del régimen franquista.

Breve Historia Desconocida: Apertura de la Verja de Gibraltar. Infografía de Juan Pérez Ventura.
Infografía de Juan Pérez Ventura.

Durante la década de los 60, el Gobierno español puso en marcha los Planes Nacionales de Desarrollo. En ese marco se calificó el Campo de Gibraltar como Zona de Preferente Localización Industrial, que favoreció que en la bahía de Algeciras se instalaran varias grandes empresas que favorecieron el crecimiento económico de la zona, que hoy es el primer polo industrial de Andalucía. Entre ellas, una refinería de petróleo (1967), la procesadora de papel CELUPAL (1969), la factoría de ACERINOX (1973) o la central térmica de carbón de Los Barrios (1974), entre muchas otras.

Tras la muerte de Franco y la llegada de los primeros gobiernos democráticos, el cierre de la frontera permaneció, demostrando que el contencioso trascendía los regímenes políticos de ambos países. Finalmente el 10 de abril de 1980 el Ministro de Exteriores de España, Marcelino Oreja, y su homólogo del Reino Unido, Peter Carington, firmaron la Declaración de Lisboa, comprometiéndose a resolver el problema de Gibraltar y acordando restablecer las comunicaciones directas en la región,​ lo que sin embargo no se llevó a la práctica de forma inmediata.

Finalmente se puso fin al bloqueo para el tránsito de peatones el 14 de diciembre de 1982, siete años después de la muerte de Franco, al inicio de la presidencia española de Felipe González.

Breve Historia Desconocida: Apertura de la verja de Gibraltar
Un Policía Nacional saluda a un Bobby inglés en el límite de la Verja, horas antes de su apertura al tráfico en 1985. / EFE

De esta manera terminaban 13 años de bloqueo terrestre y aislamiento del Peñón,​ en la acción más hostil por parte de España hacia Gibraltar desde el sitio de Gibraltar entre 1779 y 1783. Tras esta primera apertura al tránsito de peatones, permanecieron sin embargo el resto de restricciones establecidas en junio de 1969.

Se produjo entonces un nuevo acuerdo hispano-británico, la Declaración de Bruselas del 27 de noviembre de 1984, firmada por el Ministro de Asuntos Exteriores de España, Fernando Morán, y el Secretario de Relaciones Exteriores del Reino Unido y de la Commonwealth, Geoffrey Howe, con el objeto de implementar lo acordado en la Declaración de Lisboa de 1980. De forma progresiva, se ampliaron las condiciones de circulación, pero pasarían sin embargo décadas hasta el restablecimiento de algunas otras de las formas de comunicación cortadas en 1969.

Pasadas las campanadas de la medianoche, después de trece años de interrupción de comunicaciones desde el lado español, unas quinientas personas se hallaban concentradas en los alrededores de la frontera, deseosas de saludar a sus familiares o amigos al otro lado de la verja. 

La apertura de la verja se produjo entre la emoción de las personas concentradas y de las primeras que atravesaron la frontera. Francisco Romo Martín, un linense de 52 años (y tío de mi padre), fue el primero en pasar desde el Peñón, adelantándose en el último momento a Carmen Worb, mientras se descorchaban botellas de champaña y una tuna amenizaba el histórico acontecimiento.

Breve Historia Desconocida: Apertura de la verja de Gibraltar
Francisco Romo Martín, mí tío paterno, en el momento de cruzar la Verja desde Gibraltar

La Línea esperó ayer con ansiedad las doce campanadas de medianoche, que en esta ocasión traían consigo la reapertura de la verja que la separa de Gibraltar. Durante todo el día las comunicaciones telefónicas con Gibraltar estuvieron bloqueadas por las llamadas entre familiares que viven a un lado u otro de la verja, y que establecían sus citas.

La decisión del Gobierno de la colonia de mantener cerrado el lado británico de una a seis de la madrugada fue anulada anoche, por presiones del Gobierno de Londres. Francisco Romo Martín, linense de 52 años y residente en Gibraltar, fue la primera persona en pasar la verja, a las cero horas de hoy. Para conseguirlo ganó en apretada carrera a Carmen Word. Una hora después, alrededor de unas quinientas personas esperaban a cada lado de la verja el momento de traspasarla. La noticia de que Gibraltar iba a mantener abierto su lado durante toda la noche, en contra de lo anunciado, colaboró al carácter festivo de la jornada.

Desde dos horas antes del momento fijado para la apertura, la medianoche, a ambos lados de la verja había una gran cantidad de personas, más en la parte española que en la británica. En los dos lados había vivas a España, algunas botellas de champán y frecuentes cánticos. A las doce en punto, Carlos Pozas, director de la aduana, abrió el cerrojo que hasta ahora impedía el paso peatonal de la zona gibraltareña a la española. Carmen Word y Francisco Romo eran las dos personas situadas en cabeza de la cola formada para pasar hacia el lado español.

Carmen Word atravesó antes la verja, pero Francisco Romo la adelantó briosamente en los tres metros que separan la verja de la garita y depositó su pasaporte antes que ella. Las personas que pasaron del lado español al gibraltareño tenían la desventaja de atravesar los cien metros de zona de nadie que ocupan las aduanas, con lo que se quedaron sin posibilidades de competir por el primer puesto. Francisco Romo tiene 52 años, nació en La Línea y trabaja durante los inviernos en Gibraltar como pintor de brocha gorda. Vivía en una embarcación hasta que hace poco el cura párroco de una iglesia católica del Peñón le permitió dormir en un remolque junto a la iglesia, a cambio de ejercer tareas de guardián nocturno.

ALFREDO RELAÑOhttps://elpais.com/diario/1982/12/15/espana/408754802_850215.html
La Línea – 15 DIC 1982 – 00:00 CET

Operation A Bomb (1952)

Operation ABomb (1952) Biurton Benjamin

Operation A Bomb‘ es un documental filmado durante la realización de una prueba nuclear norteamericana en 1952, filmado por Burton Benjamin, y narrado por Bob Considine. Filmado por camarógrafos del cuerpo de marines de los Estados Unidos de América.

El corto fue distribuido por los cine norteamericano de la mano de RKO, que también formó parte de la producción de este film. El documental fue filmado en color mediante el sistema Eastman Color. Era más barato que los otros dos sistemas principales de rodaje en color de la época Technicolor y Trucolor. pero tenía el problema de que con el paso de los años los colores se desteñían, por una inestabilidad química de la película.

En el documental de 16 minutos se muestra el asombroso poder de la energía atómica, capturado en una película por un equipo de fotógrafos de la Infantería de Marina, que instalaron sus cámaras a poca distancia de una prueba de bomba atómica de 1951 en el desierto de Nevada. 

La idea era simular la explosión de la bomba en condiciones de combate, aunque nadie sabe qué tipo de combate se podría librar después de un evento tan catastrófico. Narrada por el periodista Bob Consodine, ‘Operation A Bomb‘ fue escrita y supervisada por Burton Benjamin, quien más tarde ayudó a crear la serie de televisión ‘The 20th Century‘.

A-Bomb Blast Effects (1959) Montaje procedente de una prueba atómica: Operation Tumbler-Snapper.

Parte del metraje de este video, donde se puede ver una prueba de una Bomba-A, aparece en el metraje de ‘Operation A Bomb

La Operación Tumbler-Snapper fue una serie de pruebas atómicas realizadas por Estados Unidos entre abril y junio de 1952 en el Sitio de Pruebas de Nevada.

La fase «Tumbler» consistió en tres lanzamientos desde el aire que estaban destinados a explicar las discrepancias entre el daño de la onda expansiva real y el estimado, que se observó en detonaciones anteriores, y establecer con mayor precisión la altura óptima de la detonación, para crear el máximo daño.

La fase «Snapper» consistió en una bomba lanzada desde un avión y cuatro explosiones desde una torre, destinadas a probar varios desarrollos de nuevas armas atómicas.

Durante la serie de pruebas tuvo lugar el ejercicio militar Desert Rock IV, con la participación de 7350 soldados. Durante las explosiones de las bombas Charlie, Dog y George los soldados realizaron entrenamientos de guerra (para observar los efectos de la radiación en personas), mientras que durante la explosión de la bomba Fox los soldados se limitaron a observar la explosión a corta distancia.

Mujeres en el cine: Florence Lawrence

Florence Lawrence está considerada como la primera estrella de cine (1886-1938). Así lo recuerda una lápida en el cementerio de Hollywood. Fue una de las actrices más reconocidas de los inicios de siglo XX, con casi 300 películas.

Nació como Florence Annie Bridgwood en Hamilton (Ontario), Cánada. Hija de Charlotte A. Bridgwood, una actriz de vodevil conocida con el nombre artístico de Lotta Lawrence y la actriz principal y directora de la compañía teatral Lawrence. Su padre, George Bridgwood, nació en 1822 en Stafforshire, Inglaterra y murió en 1898 en Hamilton, Ontario).

Mujeres en el cine: Florence Lawrence

A los cuatro años a Florence le pusieron el apellido del nombre artístico de su madre. Después de la muerte de su padre en 1898 cuando Florence tenía 12 años, ella, su madre y dos hermanos mayores se mudaron de Hamilton a Buffalo, Nueva York. Fue a colegios locales y practicó diferentes deportes, en particular equitación y patinaje sobre hielo. Tras graduarse, Lawrence se unió a la compañía teatral de su madre. Sin embargo, la compañía pronto se disolvió debido a una serie de disputas que habían hecho imposible a los componentes el continuar trabajando juntos. Tras estos acontecimientos, Lawrence y su madre se mudaron a la ciudad de Nueva York en 1906.

Florence es considerada una de los ‘Pioneros canadienses’ de la industria del cine, atraída por el rápido crecimiento de la recién nacida industria cinematográfica Al año siguiente, actuó en 38 películas para la compañía cinematográfica Vitagraph.

Durante la primavera y el verano de 1906, Lawrence se presentó, sin éxito, a varias audiciones de producciones de Broadway. Sin embargo, el 27 de diciembre de 1906, fue contratada por la Edison Manufacturing Company para el papel de la hija de Daniel Boone en la película ‘Daniel Boone o Pioneer Days in America‘ (1907) dirigida por Wallace McCutcheon. Le dieron el papel porque sabía montar a caballo. También su madre participó en la película y les pagaron 5 dólares al día por dos semanas de filmación al aire libre con temperaturas heladoras. Con veinte años, había hecho su primera película.

Mujeres en el cine: Florence Lawrence

En 1907 trabajó para la compañía Vitagraph de Brooklyn, Nueva York en el papel de Moya, una campesina irlandesa, en una versión de ‘The Shaughraun‘ (1907) del dramaturgo Dion Boucicault, dirigida por James Stuart Blackton. Al año siguiente, actuó en 38 películas para la compañía cinematográfica Vitagraph.

Volvió a trabajar en el teatro, en el papel protagonista de la producción’ Seminary Girls‘ de Melville B. Raymond. Su madre actuó por última vez en esta producción. Después de un año de gira, Lawrence decidió que «nunca volvería a llevar esa vida nómada».

En la primavera de 1908 regresó a Vitagraph donde interpretó el papel protagonista en ‘The Dispatch Beare‘. Debido a sus habilidades de equitación, le dieron papeles en 11 películas durante los siguientes 5 meses. En Vitagraph coincidió con un joven actor, Harry Solter, que buscaba a una joven y hermosa amazona para protagonizar una película que iba a ser producida por los Estudios Biograph. El proyecto iba a ser dirigido por D.W. Griffith. Griffith ya se había fijado en la bella joven rubia en una de las películas de Vitagraph. Griffith tuvo que preguntar hasta saber que era Florence Lawrence y concertar una entrevista al no aparecer los nombres de los actores en los créditos.

Mujeres en el cine: Florence Lawrence

La idea de Griffith era darle el papel a la actriz principal de los estudios, Florence Turner, pero Lawrence consiguió convencer a Solter y a Griffith de que ella era la más adecuada para el papel protagonista en ‘The Girl and the Outlaw‘. En Vitagraph ganaba 20 dólares a la semana, trabajando como actriz y como costurera. Griffith le ofreció un trabajo, solo como actriz, por 25 dólares a la semana. Lawrence aceptó sin dudarlo.

En total, actuó en la mayoría de las 60 películas que dirigió Griffith en 1908. Hacía finales de 1908 se casó con Harry Solter. Lawrence consiguió rápidamente popularidad, pero como su nombre no se publicaba, sus seguidores comenzaron a escribir al estudio pidiéndolo. Incluso cuando su cara se reconocía casi en todas partes, después de protagonizar la exitosa ‘Resurrection‘, los Estudios Biograph solo la nombraban como «The Biograph Girl», debido a que en esa época los nombres de los actores no aparecían en los títulos de crédito de las películas, para que no recalará en ellos la popularidad del film.

Mujeres en el cine: Florence Lawrence

Ya en 1909 era conocida por todos como ‘La Chica Biograph’. Lawrence y Solter empezaron a buscar trabajo en otros estudios, escribiendo a la compañía Essanay para ofrecer sus servicios como actriz principal y director respectivamente. Pero Essanay informó de esta oferta a Biograph y fueron inmediatamente despedidos.

Al quedar libres, Lawrence y Solter se unieron en 1909 a Independent Moving Pictures Company of America (IMP). La compañía fue fundada por Carl Laemmle, dueño y fundador también de Universal Pictures, que más tarde absorbió a IMP. Por aquella época Laemmle buscaba actores y directores con experiencia. Atrajo a Florence con la promesa de una marquesina con su nombre.

Aunque primero, Laemmle extendió el rumor de que Lawrence había muerto atropellada por un coche en la ciudad de Nueva York. En realidad esto no era cierto. Entonces, tras conseguir la atención de los medios, puso anuncios en los periódicos declarando que ella estaba viva y en perfecto estado y que estaba rodando ‘The Broken Oath‘ (1910), la nueva película de IMP, dirigida por Solter.

Mujeres en el cine: Florence Lawrence

En ese momento, Laemmle hizo que Lawrence apareciera en público en Saint Louis, Misuri, en marzo de 1910, con el actor protagonista, mostrando al público que estaba viva. Se convirtió así en la primera intérprete cuyo estudio dio publicidad a su nombre y figura. En parte como resultado de la ingenuidad de Laemmle, el star system había comenzado.

En breve, Florence Lawrence llegó a ser un nombre muy conocido. Sin embargo, su fama fue tan grande que los magnates de los estudios confirmaron sus peores temores y llegaron las peticiones de subida de sueldo y el nombre en los carteles por parte del resto de compañeros de profesión.

En 1912, Lawrence y Solter llegaron a un acuerdo con Carl Laemmle y forman su propia compañía, la Victor Film Company. Lawrence recibió 500 dólares a la semana como actriz protagonista y Solter 200 dólares a la semana como director. Crearon un estudio de cine en Fort Lee, Nueva Jersey. Realizaron varias películas protagonizadas por Lawrence y Owen Moore antes de venderlo en 1913 a la nueva Universal Pictures.

En esos momentos de prosperidad, Florence hizo realidad su sueño de comprar una gran propiedad de 200.000 m² en River Vale, Nueva Jersey. En agosto de 1912 el matrimonio tuvo una crisis y se separaron. En noviembre volvieron a estar juntos. Lawrence anunció su intención de retirarse.

Mujeres en el cine: Florence Lawrence

A pesar de su polémico retiro, Lawrence se vio obligada a volver a trabajar en 1914 para su compañía, Víctor Film Company, que fue posteriormente adquirida por Universal Studios. Durante el rodaje de una de las películas, ‘Pawns of Destiny‘ (1914) Harry Solter, un incendio preparado para la filmación, se extendió. Lawrence sufrió quemaduras, el pelo se le chamuscó y sufrió una grave caída. Estuvo varios meses en estado de shock. Regresó al al trabajo pero recayó al finalizar la película. Culpaba a Solter de haberla obligado a hacer la escena en la que se quemó, y finalmente se divorciaron. Además la Universal se negó a pagar sus gastos médicos. Lawrence se sintió traicionada.

En la primavera de 1916, volvió a trabajar para la Universal en un film largo, ‘Elusive Isabel’ (1916) Stuart Paton. Sin embargo fue demasiado esfuerzo para ella y volvió a recaer. Estuvo totalmente paralizada durante cuatro meses. Aunque solo tenía 29 años, nunca recuperó su estatus de estrella después de haber pasado tanto tiempo recuperándose de sus heridas. En 1920 su marido, Harry Solter, murió.

En 1921 se casaba con Charles Byrne, un vendedor de coches con el que estuvo diez años a su lado. Rica y famosa, Florence dedicó parte de su fortuna a coleccionar coches, unas máquinas muy rudimentarias en aquella segunda década del siglo XX. Coleccionaba modelos de todo tipo. Los conducía y además los reparaba.

Su interés y capacidad creativa le llevó a diseñar un artilugio en forma de palo que se movía para indicar si el coche iba a girar hacia un lado u otro y una señal de stop que aparecía en la parte de atrás cuando el conductor accionaba el pedal de frenos. Sin pensarlo, Florence había inventado el intermitente y la luz de frenos, ingenios que no patentó y que las empresas automovilísticas se afanaron en adquirir. Su aportación fue decisiva para el futuro de la industria.

Mujeres en el cine: Florence Lawrence

Aquellos fueron los años del declive artístico y económico de Florence. Tras su larga recuperación, las ofertas de trabajo se vieron reducidas drásticamente por lo que su economía se vio también perjudicada.

En 1921 viajó a Hollywood para intentar regresar. Tuvo poco éxito y recibió un papel protagonista en un melodrama menor ‘The Unfoldment’ (1922) dirigida por Murdock MacQuarrie y George Kern, y luego dos papeles secundarios. A partir de 1924 todos sus trabajos en la pantalla fueron pequeños papeles que no aparecían en los créditos. Durante la década de 1920 ella y su marido Charles crearon una línea de cosméticos, de la que siguieron siendo socios después de su divorcio.

1929 fue un año terrible para Florence. Su madre falleció aquel año y ella mandó esculpir un busto muy caro para su tumba, gastó una auténtica fortuna en su tumba. El crack del 29 acabó de agotar los pocos ahorros de la pareja. Lawrence empezó a caer en una peligrosa depresión. En 1933 se casó por tercera vez, con Henry Bolton. Bolton era violento y golpeaba a Lawrence. El matrimonio duró solo cinco meses.

Mujeres en el cine: Florence Lawrence

Lawrence regresó a la pantalla en 1936, cuando la MGM comenzó a dar pequeños papeles a antiguas estrellas por 75 dólares a la semana. Sola, desanimada y sufriendo de dolores crónicos producidos por mielofibrosis, una rara enfermedad de la médula, el 27 de diciembre de 1938, fue encontrada inconsciente en la cama de su apartamento de Hollywodd Oeste. Había intentado suicidarse ingiriendo insecticida para hormigas. Fue llevada al hospital pero falleció pocas horas después.

Solo nueve años después de haber pagado tanto dinero por un busto para la tumba de su madre, Florence fue enterrada en una tumba sin nombre, no lejos de la de su madre, en el cementerio de Hollywood, conocido ahora como el cementerio Hollywood Forever, en Hollywood, California. Permaneció en el olvido hasta que en 1991 el actor Roddy McDowall, a través del National Film Preservation Board, puso una placa sobre la sepultura que dice: “La Chica Biograph / La Primera Estrella de Cine”.

Mujeres en el cine: Alice Guy

Alice Ida Antoinette Guy o Alice Guy-Blanché nació en París en el año 1873. Sus padres eran editores era escritor y eso la llevó a desarrollar su amor por la literatura y posteriormente por otras artes. Pasó su infancia viajando entre Chile, Suiza y Francia.

Mujeres en el Cine: Alice Guy

Después de estudiar secretariado en 1894, obtuvo el puesto de secretaria en la Compañía General de Fotografía de Max Richard. En 1895, Léon Gaumont, se asoció con varios nombres ilustres: Gustave Eiffel, el astrónomo y geógrafo Joseph Vallot, y el banquero y filántropo Henry Besnier, y compró la Compañía General de Fotografía y creó la Compañía Gaumont.

La primera cineasta de la historia empezó como secretaria de León Gaumont, dueño de la aún activa productora francesa Gaumont. Este trabajo le posibilitó en el año 1895 conocer a Louis Lumiére, quien les mostraría un nuevo invento. Una cámara que hacía que las fotos tuviesen movimiento. Eso puso la mente de Alice en marcha para buscar posibilidades a ese nuevo invento.

Mujeres en el Cine: Alice Guy

Gracias a ese puesto, ella fue una de las pocas personas presentes en la primera demostración del cinematógrafo Lumière, el 22 de marzo de 1895, la presentación pública, en la que estaría Meliès, no fue hasta el 28 de diciembre de aquel mismo año.

Con la cámara Demeny-Gaumont, en 1896 Alice Guy combinaba imágenes en movimiento y el arte teatral dando lugar a una primera película titulada ‘La Fée aux Choux‘. Guy realizó un remake en 1901 titulado ‘Sage-femme de première classe’, mientras se mantenía al tanto de la investigación de Étienne Jules Marey, de Georges Demenÿ, y asociaba los errores técnicos para crear sus primeros trucos, utilizando cachés, la superposición y la proyección de la banda hacia abajo.

Mujeres en el Cine: Alice Guy

Fue de las primeras personas que hicieron evolucionar ese cine de atracciones, de postales, a un cine narrativo y con una potencia emocional y social importante. Fue una de las primeras en innovar en los planos, llegando a acercarse a los primeros planos en ‘Madame a des envies‘ (1906). 

Alice Guy se encargaba de todas las producciones de la empresa, así en 1906 trabaja en ‘La vida de Cristo’. Película donde todos los exteriores se rodaron en el bosque de Fontainebleau. Esta fue la primera película de gran presupuesto de la Compañía Gaumont, con la participación de trescientos extras. Compatibilizaba la dirección de sus películas con otras tareas tales como supervisar los trabajos de sus colaboradores, realizar casting, búsqueda de guiones, etc. En esa época inicia colaboración con Louis Feuillade, futuro creador de Fantomas Judex quien a través de Alice llevó a cabo una brillante carrera.

En 1907, se casó con Herbert Blaché, un camarógrafo que trabajaba para la Gaumont británica, al que conoció en un viaje de promoción del cortometraje dirigido por ella y Louis Feullade, ‘Mireille’ (1906) en Nimes. Herbert se convirtió en director en los Estados Unidos en la década de 1910 y en coproductor y socio de varias empresas de producción cinematográfica. La pareja tuvo dos hijos, Simone y Reginald Blaché Bolton. Antes de salir hacia los EE. UU. en 1907, Alice Guy presentó a Louis Feuillade, quien la sustituye a la cabeza de los rodajes de la sociedad con la que ella había trabajado hasta entonces.

En 1908 el matrimonio se fue a Estados Unidos, durante dos años, recorrieron juntos el país para la promoción de la cámara Chronophone Demeny-Gaumont; mientras esperaba la apertura de una sucursal Gaumont en Flushing (Nueva York), que dirigió Herbert. Alice utilizó los estudios Gaumont, para sus realizaciones, y en 1910 fundó su compañía de producción cinematográfica, Solax Company. También dirigió Film Supply Company. Siendo esta la primera y casi única vez en que una mujer fundaba, pagaba y era dueña de su propia productora.

Durante esta etapa produjo 325 películas de las que dirigió se cree que más de cincuenta. Todo esto durante los años 1910 y 1914. En el año 1912 dirigió la primera película en la que todos los personajes eran negros. Se llamaba ‘Un tonto y su dinero‘. Entre su producciones realizó películas de diversos géneros tanto western, drama, espionaje, fantasía, policíaco, etc… con actores estrellas de la época del cine mudo: Darwin Karr, Blanche Cornwall, Lee BeggsBilly Quirk.

Algunas de sus películas más destacadas son, ‘La llamada de la rosa‘, una película de mujeres; ‘The life of Christ‘, su primer largometraje; ‘El hada de la primavera‘, con la que inaugura la llegada del color; ‘La Esmeralda‘, basada en el Jorobado de Notre Dame de Victor Hugo; ‘Shadows of Moulin Rouge‘.

Mujeres en el Cine: Alice Guy

Su éxito fue abrumador lo que le permitió invertir y crear un estudio en Fort Lee (Nueva Jersey), que se convirtió en la década de 1910 en un lugar importante en el mundo del cine. Metro Goldwyn Mayer distribuyó sus realizaciones hasta 1918. Su papel en la producción de las primeras películas sonoras fue clave, algo que ha sido siempre ignorado.

Cuando las compañías poderosas de Hollywood le impidieron seguir trabajando en sus proyectos, lo intentó a través de las Compañías independientes, no lo consiguió y su trabajó y su matrimonio perecieron casi al mismo tiempo. Solicitó el divorcio en 1917 y trabajó para William Randolph Hearst. Al igual que le pasó a Méliés y otros pioneros tuvo que dedicarse a dar charlas sobre el principio del cine.

Mujeres en el Cine: Alice Guy

Cuando en 1920 realizaba una producción en la que contrajo gripe española, estuvo a centímetros de la muerte. Pero no en vano, porque un tipo de muerte emocional si la tomó, siendo la peor de todas la que le tocó vivir. Porque lastimosamente aquel año realizó su último trabajo de dirección. Lo que le llevó regresar a Francia en 1922 con más de seiscientas películas realizadas.

En Francia, donde la industria cinematográfica ya había decaído por la influencia del cine norteamericano, ya no encontró financiación para volver a rodar en su país, por lo que después de algún tiempo volvió a Estados Unidos, donde vivió hasta su muerte. Falleció en Wayne, Nueva Jersey, 24 de marzo de 1968 a la edad de 95 años.

Mujeres en el Cine: Alice Guy

Pensé que podía hacerlo mejor… Revistiéndome de valentía, propuse tímidamente al Sr. Gaumont que pensaba en escribir una o dos historias cortas para que mis amigos se divirtieran. Si el Sr. Gaumont hubiera podido ver entonces lo que pasó con mi tímida propuesta, probablemente yo nunca hubiera obtenido el sí afirmativo. Mi juventud, la falta de experiencia, mi sexo, todo conspiraba en mi contra.

Alice Guy Blanché

Alice Guy-Blaché fue uno de los nombres que más ha destacado en la investigación histórica de la Teoría Fílmica. Su figura es clave en la historia del cine, debido a que ya es un hecho histórico constatado que fue Alice Guy, y no Méliès, la primera persona en hacer un cine narrativo y ser la primera persona cineasta en hacer cine profesional y vivir de ese oficio. Este hecho histórico ha sido constatado a finales de los 90, de ahí su desconocimiento.

Alice Guy no solo fue la fundadora del cine como narración cultural y la primera persona que dirigió películas, sino que también llegó a competir en Hollywood como productora y directora independiente.

A lo largo de su extensa filmografía de más de 600 películas, fue la primera en usar grabaciones con un gramófono al tiempo de las imágenes, la primera en utilizar efectos especiales, usar la doble exposición del negativo, las técnicas de retoque, la cámara lenta y rápida, y el movimiento hacia atrás, así como tratar todos los géneros fílmicos pasando desde las parábolas religiosas hasta al género policíaco.

En su películas aparecían protagonismo masculino y femenino por igual, trató temas como las paradojas religiosas y culturales, fundó el género policíaco y creó el cine narrativo tal y como se conoce hoy en día. Los protagonistas eran burgueses pero incluía en sus películas personajes de todos los rangos sociales.

En 1913 escribió Woman’s Place in Photoplay Production, en donde denunció la exclusión que estaban teniendo las mujeres en el mundo del cine, paralela a la conversión del cine en un negocio rentable y medio de comunicación masivo por excelencia. En este texto, tal y como proclamó Ricciotto Canudo en El Manifiesto de las Siete Artes, Guy consideró el cine como arte, el cine había dejado de ser el entretenimiento de los pobres para pasar a contar historias.

En 1953 fue galardonada con la Legión de Honor por el gobierno francés. Cuatro años más tarde la Cinemateca Francesa le rindió un homenaje, luego la historiografía silenció su aportación durante varias décadas.

Mujeres en el cine: Lois Weber

Lois Weber (13 de junio de 1881 – 13 de noviembre de 1939) fue la primera directora en rodar un largometraje estadounidense, ‘El mercader de Venecia’, en 1914, así como productora y actriz.

Llegó a ser la directora con mejor sueldo de la Universal en 1916, y la única mujer con un puesto asegurado en la Motion Picture Directors Association. John Ford (‘La diligencia‘, 1939, ‘Qué verde era mi valle‘, 1941, ‘El hombre tranquilo‘, 1952) llegó a trabajar como ayudante de Weber antes de llevar a cabo sus propias producciones. En 1927, llegó a rodar sin que fuera acreditada los films ‘Topsy’ y ‘Eva o La fildelidad de una esclava’ junto con Del Lord, uno de los responsables de ‘Los tres chiflados‘ (1922-1970) y D.W. Griffith, autor de ‘El nacimiento de una nación‘ (1915).

De hecho, la película más taquillera de la Universal en el año 1916 fue una dirigida por Lois Weber y cuya temática era el control de natalidad y el aborto. ‘Where are my children?’ fue un hito de la industria cinematográfica estadounidense.

Lois Weber: directora de cine pionera

Lois siguió sus propios instintos e ideales y rodó una serie de largometrajes que exploraban (por lo general desde una óptica femenina) una serie de temas poco comerciales sobre el aborto y el control de la natalidad como Where are my Children? (1916), la pena de muerte en The People vs. John Doe (1916) o el alcoholismo en Hop, the Devil’s Brew (1916). Todas ellas fueron polémicas y grandes éxitos de taquilla. Mientras parte de la crítica la aclamaba por no rodar películas al uso, otra parte la acusaba de sermonear al espectador con historias morales cuando lo que quería el público era mero entretenimiento.

En 1905 entró a formar parte de la Gaumont Film Company como actriz, y en 1906 se casó con el director de Gaumont, Phillips Smalley. Tres años después interpretó un papel en un film que ella había escrito, ‘Hypocrites‘, y que fue dirigido por Herbert Blaché, marido de la famosa cineasta Alice Guy (que a su vez fue la primera persona en ser realizadora de una película de ficción). 

El primer largometraje dirigido por Lois Weber fue una adaptación de la obra de Shakespeare, ‘El mercader de Venecia‘, rodada en 1914. A partir de este momento compaginaron la producción de cortos y de largometrajes hasta que un año después fueron contratados por Hobart Bosworth Productions para que produjeran y dirigieran más largometrajes.

Fue en este momento en el que Lois Weber comenzó a hacerse un nombre como directora de cine concienzuda. Una de las películas que rodó para Bosworth tiene el honor de ser la primera en la que en pantalla sale un desnudo completo frontal.

Lois Weber: directora de cine pionera
Fotogramas de “Hypocrites” (1915) en la que la actriz Margaret Edwards aparece como “la Verdad desnuda”
Lois Weber: directora de cine pionera

Esa película se tituló ‘Hypocrites‘, fue rodada en 1915 y ya presenta las características principales de las obras de Weber: cuidado y meticulosidad en el diseño artístico, buena dirección de actores e historias que no sólo tuvieran categoría artística sino que incluyeran un mensaje que moviera conciencias. ‘Hypocrites’ tocaba temas de carácter social y lecciones de moralidad consideradas muy atrevidas para la época.

En 1916 llegó a ser la directora mejor pagada de Universal Studios, y en 1917 formó su propia productora, Lois Weber Productions. Uno de los filmes más exitosos de Weber en este período fue ‘The Blot’ (1921), con Claire Windsor y Louis Calhern, uno de los cinco que Weber estreno con Paramount Pictures.

Lois Weber, como actriz y directora, retrató en sus películas la tensión que, a inicios del siglo XX, experimentaron las mujeres que quisieron mantener algunas de las tradiciones victorianas, mientras escuchaban los discursos reivindicativos de la New Woman. Lois Weber supo documentar el surgimiento de una nueva psicología femenina, a partir de visualizar de manera compleja y contradictoria la dificultad de hacerse mujer en la era del progreso.

Lois Weber: directora de cine pionera

En la década de 1920 su suerte empezó a cambiar, en 1922 ocurrió algo que significó el comienzo de su declive profesional: ella y Smalley se divorciaron tras casi dos décadas de matrimonio. La relación profesional entre ambos debía ser muy sólida y complementaria, y la separación debió afectar a Weber más de lo que habría imaginado.

Pero también hay que tener en cuenta un factor ajeno a las relaciones personales. A partir de la década de los años 20 del siglo XX, el mundo del cine deja de convertirse en un negocio residual y alternativo para convertirse en una máquina de fabricar dinero. Es en este momento cuando el cine es ya el entretenimiento por excelencia para el público norteamericano. Es entonces cuando la presencia femenina en los puestos importantes de la industria del cine comienza a desvanecerse y el cine se convierte en un negocio masculino.

Lois Weber: directora de cine pionera

Poco a poco van desapareciendo las mujeres productoras, directoras y quedan, de modo residual, las guionistas o diseñadoras de decorados o vestuario que, muchas veces, ni siquiera aparecían en los créditos. La presencia femenina en el cine se reduce a la interpretación y al brillo de la femme fatale que habría de marcar el cine hasta bien entrada la década de los 50. 

Aun así, Lois Weber siguió dirigiendo largometrajes. Cada vez más espaciados en el tiempo. Seguía escribiendo guiones basados en protagonistas femeninas, lo que le dio fama de descubridora de nuevos talentos interpretativos como Mildred Harris, una de las grandes estrellas del Hollywood silencioso. Sus últimas películas mudas fueron ‘Sensation Seekers‘ y ‘The Angel of Broadway‘ ambas de 1927. Su última película fue ‘White Heat‘ (1934), un drama de amor interracial entre un hombre ambicioso y una nativa hawaiana, rodada en 1934 que tuvo una pobre acogida.

Después de ‘White Heat’ Lois Weber no volvió a dirigir. Pasó los últimos años de su vida corrigiendo y revisando guiones para la Universal, la productora a la que había hecho ganar una fortuna. Su papel decisivo en la historia del cine se vio ignorado durante décadas hasta que a principios del siglo XXI su figura comenzó a ser revisada.

Lois Weber: directora de cine pionera

A pesar de ser considerada por parte de la crítica como moralista e incluso mojigata por la temática de sus películas, Weber tenía claro que las protagonistas de sus historias no debían ser “muñequitas lindas” presentadas como “arboles de navidad recargados” (en sus propias palabras) sino mujeres inteligentes y con carácter, luchadoras, que deberían enfrentarse al papel que les otorgaban las estructuras sociales patriarcales y las costumbres sexuales de la época.

Las aportaciones más notables de Lois Weber al cine destacan películas como ‘Suspense’ (1913), cortometraje de diez minutos de duración, en la que la acción se da a veces en acciones paralelas, a veces utilizando la split screen, un único plano segmentado –en este caso en tres triángulos– que enmarca escenas diferentes.

En esta pequeña proeza de suspense, se adivina el placer de la experimentación con el lenguaje cinematográfico, existe una investigación meticulosa del encuadre y la planificación. Es un corto controlado, una proeza de racionalismo en el uso del montaje analítico que visualiza el estilo conciso de Lois Weber. No es, pues, extraño que ella misma hubiese escrito el guion, de la misma manera que fue la guionista de casi todos los films que «a real director should be absolute»

Lois Weber: directora de cine pionera
Suspense (1913)

Está claro que Lois Weber estaba explorando de qué maneras diferentes se podían presentar las acciones paralelas. Otro ejemplo de proeza sintética se detecta en la utilización que Lois Weber hace del picado: primero, vemos, en plano picado, cómo la criada deja la llave bajo la alfombra de la puerta de la entrada y, después, vemos entrar al ladrón en la casa que, visto desde el mismo punto de vista picado, descubre la llave bajo la estera, justo donde la criada la ha dejado. 

Lois Weber falleció arruinada en 1939 en Hollywood, California, a causa de una enfermedad gástrica. Tenía 58 años. No dejó descendencia. Por su contribución a la industria cinematográfica, Lois Weber tiene una estrella en el Paseo de la Fama de Hollywood, en el 6518 de Hollywood Boulevard.

Series Clásicas: Jenseits der Morgenrote

La miniserie El secreto del dragón negro (Jenseits der Morgenrote) (1985) es una producción de Alemania Occidental de aventuras históricas de 6 capítulos, dirigida por Sigi Rothemund, a la que suma la ayuda de otros países como Finlandia, Países Bajos o Estados Unidos.

El rodaje comenzó en el verano de 1984 en Yugoslavia, en el Parque Nacional de los Lagos de Plitvice, en cambio, las imágenes invernales fueron grabadas previamente en el este de Finlandia, (en Lieksa). Las seis partes se transmitieron en Alemania los lunes a las 8:15 pm, comenzando el 7 de enero de 1985 y terminando el 11 de febrero de 1985. Los episodios se llamaron «Águila de la estepa» (Parte 1), «Sendero de los dolores» (Parte 2 ), “Taiga mortal” (Parte 3), “Nadja” (Parte 4), “Oro y muerte” (Parte 5) y “El dragón escupe fuego” (Parte 6).

El secreto del dragón negro (Jenseits der Morgenrote) (1985)

Esta producción televisiva a gran escala se hizo un nombre principalmente por sus elaborados diseños de vestuario. En la biografía de Irms Pauli, afirma que fueron alrededor de 1000 trajes tártaros, streltsí y cosacos los que el conocido diseñador tuvo que confeccionar junto con Maja Galaso.

Toda una costosa producción que luce en pantalla tanto por los escenarios como por la recreación histórica de la época. La serie tuvo una distribución mundial y en España fue emitida en el canal de TVE-2, el 6 de julio de 1986. La orquesta sinfónica de NDR tocará bajo la dirección del compositor Roland Baumgartner.

El secreto del dragón negro (Jenseits der Morgenrote) (1985)

La acción trascurre en 1648, la Guerra de los Treinta Años finalmente ha terminado, pero ha dejado a Europa Central devastada. En todas partes hay hambre y miseria, las guerrillas británicas y holandesas secuestran a menudo barcos mercantes alemanes. Incluso la inmensamente rica familia Roggenburg de Augsburg está al borde de la bancarrota.

Para no tener que seguir utilizando las peligrosas rutas comerciales por mar, es importante abrir nuevas conexiones con el Lejano Oriente; se abrirá nada menos que una ruta comercial por tierra a la vasta y lejana China. El patriarca de la familia Kilian von Roggenburg lidera una expedición al río Amur, fronterizo entre Rusia y China, a su lado, su hijo joven y aún inexperto Wolff, y acompañados del padre Pereira. Solo unos pocos hombres acompañan al grupo a caballo hasta la Terra incógnita en el «Salvaje Oriente».

El secreto del dragón negro (Jenseits der Morgenrote) (1985)

Un poco más tarde, el viaje parece condenado al fracaso cuando Wolff conoce a la joven y atractiva polaca Nadja. Está en poder de los tártaros de Crimea, de quien Wolff la liberó. Con esta arbitrariedad, el joven Roggenburg pone en peligro a toda la expedición en una etapa temprana. A partir de entonces, los alemanes se ven atrapados en una gran cantidad de incidentes y aventuras peligrosas, que generalmente los llevan al borde del fracaso.

Para protegerse de los salvajes rebeldes y ladrones de Asia Central, las tropas alemanas tienen que esconderse con algunos cosacos . Pero como su benevolente líder de clan, sorprendentemente depuesto por su propia gente. Después de miles de kilómetros, hombres y mujeres llegan al río fronterizo Amur. Sin embargo, Kilian y su hijo Wolff están separados de Nadja. En un fuerte cerca de la frontera con China, donde Wolff, Nadja y Kilian se reencuentran, se produce un gran enfrentamiento. 

La historia se enfoca en la búsqueda de rutas de comercio alternativas hacia el lucrativo comercio con Oriente del que muchos países europeos se veían excluidos por el monopolio de las rutas marítimas. Narra la epopeya de atravesar las estepas rusas era adentrarse en el territorio de los temibles cosacos zaporogos que no reconocían autoridad ninguna, y la gran mayoría era siervos que escaparon a la estepa de la presión feudal por parte de la szlachta, (la aristocracia polaca).

El secreto del dragón negro (Jenseits der Morgenrote) (1985)

Una vez era conocido la posibilidad de llegar a la lejana China por tierra, era primordial establecer una ruta permanente, que al igual que había venido haciendo la de Ruta de la Seda, llevara las riquezas orientales hacia Centroeuropa.

La presencia de personajes como es el padre Pereira, el jesuita que ejerce de cronista durante la expedición, hacen un tributo a varios personajes históricos reales; jesuitas alemanes que establecieron relaciones con China y llegaron a vivir allí, casos como fueron el misionero jesuita Johann Adam Schall von Bell quien vivió en China desde 1619 hasta 1666.

También, en la serie se representa acontecimientos históricos reales, como la escena en la donde se recrea la famosa contestación de los cosacos zaporogos a los enviados del sultán turco con una carta llena de insultos.

Esta escena de la historia ucraniana, ambientada en 1676, está basada en la leyenda de los cosacos ucranianos de Zaporozhia, quienes enviaron una carta al Sultán Mehmed IV del Imperio otomano, después de derrotar al ejército imperial otomano en batalla, y ante la insistencia del Sultán para que –a pesar de esta derrota– aceptaran su dominio.

El secreto del dragón negro (Jenseits der Morgenrote) (1985)
Cosacos zaporogos escribiendo una carta al Sultán,
Iliá Repin
(1880-1891)

Según la leyenda, los cosacos de Zaporozhia, liderados por Iván Sirkó, replicaron en forma poco común: escribieron una carta llena de insultos y obscenidades. La carta original no ha sobrevivido; sin embargo, en la década de 1870 un etnógrafo aficionado de Yekaterinoslav (hoy Dnipró), Novitsky, halló una copia hecha en el siglo XVIII.

Él la entregó al historiador Dmytró Yavornytsky (1855-1940), que casualmente la leyó ante sus invitados, entre los cuales estaba el pintor Iliá Repin. Repin se interesó respecto a la leyenda y en 1880 empezó a trazar el primer bosquejo del cuadro.​

En la serie se caracteriza a un personaje cosaco, llamado Iván, quien está basado libremente en el personaje histórico de Iván Sirkó, el autor de la carta mencionada. 

El reparto de la serie cuenta con la participación de Julian Glover, Thomas Ohrner, Charles Brauer, Ritza Brown. El actor principal Julian Glover se había hecho conocido internacionalmente unos años antes por su papel del villano principal en la película de James Bond In A Deadly Mission .

El secreto del dragón negro (Jenseits der Morgenrote) (1985)

Breve historia desconocida: Golden City

Golden City fue el lugar de grabación de películas situado en el Parque regional de la Cuenca Alta del Manzanares y fue el primer poblado cinematográfico estable del ‘Oeste’ en España y en Europa.

En 1962, Eduardo Manzanos Brochero, productor, guionista y director, propone el proyecto y su construcción a los decoradores Jaime Pérez Cubero y José Luis Galicia (cuñado del propio Manzanos), para ello alquilan una explanada propiedad del Ayuntamiento. Fue construido por un centenar de hombres que emplearon 75.000 horas de trabajo en total. Se utilizaron 30 kilos de dinamita y 500 metros lineales de barrenos para volar las tierras pedregosas. En total se emplearon 300 metros cúbicos de madera, sesenta toneladas de cemento y medio millón de ladrillos, para la construcción de los edificios. Cubero y Galicia, llegarían a un acuerdo con el productor Eduardo Manzanos, para construir y gestionar ellos, todos los decorados de los rodajes.

Breve historia desconocida: Golden City

Golden City debe su nombre al escenario principal de «El sherrif terrible» (1962), la primera película producida en Hoyo. El set estaba formado por una calle ancha, de unos 100 metros de largo, cerrada por el lado norte por un gran saloon. El poblado contaba con unos 15 edificios estables, a los que se añadían construcciones formadas sólo por fachadas.

La primera película que se rodó allí fue «El sheriff terrible» de Alberto de Martino, en el año 1962. Dos años más tarde llegaría Sergio Leone para rodar la emblemática «Por un puñado de dólares«, película con la que empezaría el boom del Spaghetti Western.

Un total de 68 westerns se rodaron es esta localización desde 1962 hasta 1973. A partir de 1972, los rodajes empezaron a ser cada vez menos frecuentes, debido a la progresiva decadencia del género y a que los productores preferían rodar en Almería. Con el descenso del número de rodajes también bajaron los ingresos, con lo que los decorados se fueron deteriorando lentamente, como se puede ver por ejemplo en el western «Un, dos, tres, dispara otra vez» (Tulio Demicheli, 1973), uno de los últimos westerns rodados allí.

Breve historia desconocida: Golden City
Noticia publicada en la revista Blanco y Negro, el 22 de septiembre de 1962 

En 1962, la revista «Blanco y Negro» publicó un reportaje gráfico de seis páginas sobre Golden City titulado «El «lejano oeste» en Madrid». Su autores fueron Guillermo Bolín y Teodoro Naranjo. Se menciona al productor de cine Eduardo Manzanos. En aquel momento, la película «El sheriff terrible» ya se había terminado de rodar; «Cabalgando hacia la muerte (El Zorro)» se estaba grabando y tenían dos títulos en preparación: «Tres hombres buenos» y «Bienvenido, padre Murray», ambos estrenados en 1963.

Blanco y Negro, el 22 de septiembre de 1962 

El el último de los westerns rodado en esta localización sería «Mano rápida» (1973), dirigido por Mario Bianchi. Como resultado de ello, Eduardo Manzanos Brochero decidió, en 1975, no renovar el contrato, dejando una importante deuda. Los restos del set se mantuvieron unos años (hasta mediados de los 80 más o menos), para desaparecer posteriormente. Aún se pueden ver algunos rastros del poblado como: un par de abrevaderos, algún resto de estructura y un montón de ladrillos esparcidos por la pradera. Por otro lado, en las cercanías de Golden City, también se construyeron dos ranchos y un fuerte de los que tampoco queda nada.

Breve historia desconocida: Golden City
Equipo y actores esperando el inicio del rodaje

Por un puñado de dólares (1964), Sergio Leone, interpretado entre otros por Clint EastwoodGian Maria Volonté, es la producción más célebre que recaló en Hoyo de Manzanares. Casi la totalidad del metraje fue rodado en el set y en inmediaciones de la Comunidad de Madrid como Aldea del Fresno. Esta película supuso el despegue del euro western a nivel internacional, llamado despectivamente como spaghetti-western.

Breve historia desconocida: Golden City

El escenario aparece incluso filmes eróticos como «Las chicas del salón dorado» (1975) Gilbert Roussel, en el que aparecen escenas reutilizadas de «El vengador de California» (1963) Mario Caiano. Costumbre habitual en la época la de reutilizar metraje de otras películas.

Otras producciones como «Orgullo y pasión» (1957) Stanley Kramer, con Sophia LorenCary Grant y Frank Sinatra, también rodaron en estos escenarios como indica la hemeroteca de ABC, que se grabó parcialmente en Hoyo y la vecina Colmenar Viejo.

Breve historia desconocida: Golden City
Cary Grant con un grupo de oficiales del ejército español durante el rodaje de la película Orgullo y Pasión. (Juanjo-Urbanity)

En 1968 se construiría una calle estilo Chicago, para el rodaje de «Tiempos de Chicago» (1968) de Julio Diamante. En dichos decorados se llegarían a rodar como mínimo cinco producciones más.

Breve historia desconocida: Golden City
Calle recreando el Chicago de los años treinta. (Foto Tito Arróniz)

De Golden City apenas quedan vestigios: dos abrevaderos y algún bloque de ladrillos escondido bajo la vegetación. Además se pueden apreciar ocho cementerios y algunos con tumbas, donde existen aproximadamente 13 películas en las que aparecen estos cementerios, inclusive Por un puñado de dólares.

Retazos de historia: La Gran Esfinge

Retazos de historia: La Gran Esfinge
Foto de la Gran Esfinge a finales del siglo XIX Fue hecha de un globo de aire caliente cuando todavía estaba cubierta por arena.

La autoría de la Gran Esfinge de Guiza (Egipto) es incierta, aunque se le atribuye a dos faraones del Imperio Antiguo. La primera hipótesis sugiere que fue construida en tiempos del faraón Kefrén, y se basa en la similitud de estilos arquitectónicos entre este monumento, el complejo funerario que rodea a la segunda pirámide, la calzada y el Templo del Valle que también forma parte del conjunto construido por este monarca.

Retazos de historia: La Gran Esfinge
Una de las fotos más antiguas de la Gran Esfinge de 1880
Retazos de historia: La Gran Esfinge

La cara humana sobre el cuerpo de león de la esfinge correspondería entonces a la del Faraón Kefrén o tal vez a la de su padre, Khufu (Keops). En la Estela del Sueño (un muro de granito de 2,15 metros ubicado a los pies de la esfinge, en el que el faraón Tutmosis IV -1401 AC-1391 AC menciona que desenterró el monumento ya que, en un sueño, la esfinge le prometió el trono si la liberaba de las arenas del desierto) aparentemente se adjudica la autoría de la Esfinge a Kefrén, pero la evidencia no es concluyente, pues partes del texto se perdieron durante una re-excavación en 1925

Retazos de historia: La Gran Esfinge

Otros arqueólogos aseguran que la Esfinge ya existía en tiempos de Khufu (padre de Kefrén), basándose en pasajes escritos en algunas estelas desenterradas por los arqueólogos. Algunos eruditos, basándose en la orientación astronómica del monolito, creen que su antigüedad sería de unos 12 mil años, mientras que otros, basándose en la teoría del desgaste climático, proponen una edad de al menos seis milenios. Estos últimos científicos opinan que el estado de deterioro de la Esfinge no es compatible con su antigüedad oficial, pues lo consideran obra de lluvias torrenciales que no se producen en la meseta desde miles de años antes del Imperio antiguo.

Según un historiador árabe del siglo XV, la desaparición de la nariz de la Esfinge fue atribuida a Muhammad Sa’im al-Dahr, un fanático religioso Sufí, que, en 1378, al ver que los campesinos hacían ofrendas a la Esfinge para conseguir mejores cosechas, decidió dañar el monumento, destruyendo su nariz y parte de sus orejas, por lo que fue acusado de vandalismo y ejecutado.

Retazos de historia: La Gran Esfinge
La Gran Esfinge fotografiada alrededor del año 1920.

La esfinge permaneció durante muchos siglos prácticamente enterrada bajo la arena del desierto y sólo era visible su cabeza. En 1817 se realizó la primera excavación y se liberó la escultura hasta los hombros. En sucesivas excavaciones y restauraciones, llevadas a cabo durante casi dos siglos, la construcción ha quedado tal como la podemos admirar hoy en día. En uno de esos trabajos, precisamente, apareció enterrada a los pies de la esfinge una gran barba ceremonial. Los egiptólogos determinaron posteriormente que esa barba hallada era de la esfinge, aunque aclararon que no correspondía a la escultura original, sino que fue añadida siglos después como un atributo de poder 

Lugares donde he estado: Ayasofya

Santa Sofía o, como la llaman los turcos, Ayasofya, es el símbolo de Estambul. Fue construida durante el mandato de Justiniano entre los años 532 y 537 y es una de las obras maestras del arte bizantino.

Lugares donde he estado: Ayasofya
Foto (c) Charles A.R. Byrne

Entre 1204 y 1261, Santa Sofía fue la iglesia del Papa. Después de funcionar como iglesia durante más de 900 años, en 1453 fue tomada por el Imperio Otomano y convertida en mezquita. Los otomanos dotaron a la iglesia de cuatro minaretes, una escuela teológica y un comedor público.

En 1935, Atatürk transformó el templo en un museo, hasta que, recientemente, en el año 2020 ha sido convertida de nuevo en una mezquita. Situada en el punto más alto de Estambul, Santa Sofía define la panorámica de la ciudad. Sus cuatro minaretes y su cúpula de más de 30 metros de diámetro son la imagen más característica de la metrópolis turca.

El interior de Santa Sofía resulta sobrecogedor: las dimensiones de la sala principal (70 por 74 metros), la iluminación difusa y las columnas monolíticas reciben a los visitantes con los brazos abiertos.

Lamentablemente, con la reciente reconversión de Santa Sofía en mezquita, las imágenes están prohibidas en el templo, por lo que se han colocado unas cortinas para cubrir los históricos mosaicos de la segunda planta, además de los enormes medallones que decoraban las instalaciones.

En la segunda planta también se conserva la tumba de Enrique Dándolo, duque veneciano que murió en Constantinopla en 1205.

Breve historia desconocida: La pandemia de baile que azotó a Europa tras la Peste Negra

Breve historia desconocida: La pandemia de baile que azotó a Europa tras la Peste Negra

En Breve historia desconocida, hablamos sobre la “pandemia de baile” que azotó a Europa después de la Peste Negra.

Crónicas de la época medieval, (alrededor de una docena de autores medievales que hacen referencia a acontecimientos similares) comparten experiencias en distintos localidades europeas. Describían los hechos en donde miles de personas bailaron en agonía durante días o semanas, mientras le imploraban a sacerdotes y monjes para que salvasen sus almas. Esta pandemia del baile, también llamada coreomanía, se extendía por el viejo continente.

«Una secta extraña, formada por mujeres y hombres de varias partes de Alemania que llegó a Aachen (Aquisgrán) y de ahí siguió hasta Hennegau y a Francia. Su estado era el siguiente. Tanto hombres como mujeres habían sido tan ultrajados por el diablo que bailaban en sus casas, en las iglesias y en las calles, tomados de la mano y saltando en el aire”

Pedro de Herental, 1373

Así describió fray Pedro de Herental a ese grupo de personas que danzaba maniaticamente por todos lados. Era el año 1374, apenas unas décadas después de que la Peste Negra había alcanzado su pico de exterminio. No existen cifras oficiales, pero se calcula que la Peste, que alcanzó su máximo de fatalidades entre 1347 y 1353, mató entre el 30 % y el 60 % de la población, un total de 25 millones de personas, a las que se le suman entre 40 y 60 millones en África y Asia.

Existían antecedentes documentados sobre este comportamiento contagioso desde el siglo XI, que comenzaba con una persona y se le iban sumando más y más individuos hasta convertir la escena en algo caótico y totalmente incontrolable.

El primer incidente de coreomanía se produjo en la víspera de Navidad en 1021, cuando menos de 20 personas comenzaron a bailar frente a la iglesia de Kölbigk, Alemania. Según cuenta un cronista, el sacerdote los maldijo a bailar por un año entero por no respetar la misa y que así sucedió. En el día anterior a Navidad de 1022 se detuvieron y cayeron al piso, algunos durmieron por semanas, otros jamás despertaron. El poeta Manuel des Pechiez, en un texto de 1260, recoge esta experiencia.

Otro caso similar está recogido en 1247, ahora en Erfurt, también Alemania. Un gran grupo de niños viajó hasta Arnstadt bailando durante todo el camino y, según algunas fuentes, esta experiencia dio origen a la leyenda del flautista de Hamelin. En Erfurt, unas décadas después, la pandemia llegó a tal punto que alrededor de 200 personas terminaron bailando en el puente de ingreso al pueblo hasta que éste se derrumbó, por lo que todos murieron ahogados en el río Maastricht.

En aquella época las ciudades de Colonia, Flandes, Franconia, Hainaut, Metz, Estrasburgo, Tongeren o Utrecht también llegaron a reportar casos, luego siguieron Augsburgo y Estrasburgo, en 1418. En Schaffhausen, cuentan que un monje bailó hasta la muerte y en Zúrich la plaga enloqueció a un grupo de mujeres.

También existen eventos que parecen invenciones de la época, entre estos pueden incluir los eventos de Kölbigk, Erfurt y Maastricht, estos relatos fantásticos reflejaban una sociedad profundamente ignorante, no se puede decir los mismo de los brotes de 1374 y 1518, por ejemplo, donde la documentación es vastísima, y van desde crónicas de puntos alejados hasta órdenes municipales, sermones y vívidas descripciones, como las escritas por el médico renacentista Paracelso, responsable del término coreomaníachoros (baile) y manía (locura).

Quizás la más conocida epidemia de baile fue un caso de coreomanía registrado en Estrasburgo, por entonces ciudad del Sacro Imperio Romano Germánico (ahora al noreste de Francia), a mediados de 1518.​

Según cuenta las crónicas de la época, una mujer llamada Frau Troffea comenzó a bailar descontroladamente sin poder parar. Diversas personas se unieron a bailar sin descanso durante días y, al cabo de aproximadamente un mes comenzaron a sufrir invalidez en las piernas y ataques epilépticos. La mayoría murió como consecuencia de infartos, derrames y agotamiento.

Breve historia desconocida: La “pandemia de baile” que azotó a Europa después de la Peste Negra

Este hecho se mantuvo por cuatro a seis días. En una semana se habían unido 34 personas más y en un mes cerca de 400 bailarines. Algunas de estas personas finalmente murieron de ataques al corazón, derrames cerebrales o agotamiento.​

A medida que la «epidemia» de baile empeoraba, nobles preocupados con lo acontecido buscaron el consejo de médicos locales, quienes descartaron causas astrológicas y sobrenaturales, y en su lugar anunciaron que la epidemia se debía a una enfermedad causada por un aumento en la temperatura de la sangre.

Sin embargo, en vez de prescribir sangrías, las autoridades persuadieron a que la gente continuara bailando, en parte abriendo dos mercados e incluso construyendo un escenario. Así el mercado de grano que se hallaba detrás de la catedral fue requisado. Se instalaron plataformas y se contrató a músicos para acompañar a los danzantes. Todo esto debido a que creían que si las personas bailaban día y noche, se mejorarían. Para incrementar la efectividad de la cura, incluso contrataron músicos para mantener a los enfermos bailando. Algunos de los bailarines fueron llevados a capillas, donde buscaron la cura de su enfermedad.

Documentos históricos, incluyendo «apuntes de doctores, sermones, crónicas locales y regionales e incluso notas publicadas por el municipio de Estrasburgo» son enfáticas en que las víctimas bailaban.

Breve historia desconocida: La “pandemia de baile” que azotó a Europa después de la Peste Negra

La solución adoptada por el ayuntamiento no resolvió el problema, más bien al contrario. El número de afectados continuó creciendo, así como el de víctimas. Se tomó la decisión de desinstalar la pista de baile y se promulgó una ordenanza municipal que prohibió la música y danza en toda la ciudad, salvo para festejar bodas (e incluso en ese supuesto, nada de tambores). Desbordadas, las autoridades civiles pasaron el problema a las religiosas. En ausencia de otras explicaciones, la idea de que se trataba de un castigo divino no tardó en extenderse.

De acuerdo con la tradición, San Vito podía castigar a través de convulsiones y ataques de epilepsia, conocidos ampliamente como chorea sancti viti (baile de San Vito). El obispado decidió una peregrinación hasta la ermita consagrada al santo en una gruta a las afueras de Saverne, en los Vosgos. Allí los danzantes se calzaron zapatos rojos y caminaron alrededor de las reliquias de San Vito y de la Virgen. La mayoría de ellos, nos dicen las crónicas, recuperaron el control corporal.

España también tuvo sus casos. Así lo describió Xesús Taboada Chivite en su Etnografía galega en la que sostiene una relación entre las pandemias de baile con la foliada, el baile tradicional del norte del país.

Breve historia desconocida: La “pandemia de baile” que azotó a Europa después de la Peste Negra. "Baile de casamiento" (1568), de Pieter Brueghel el Viejo, en Museo de Historia del Arte de Viena

Las pandemias del baile también tuvieron su efecto en el arte y la literatura. Pieter Brueghel ‘el viejo’ realizó un grabado que luego inspiró los de Hendrik Hondius e incluso a Pieter Brueghel ‘el joven’, que replicó trabajos de su padre pero agregando color. La Danza de la Muerte Danza Macabra, por ejemplo, fue un género que se popularizó desde fines de la Edad Media, en la que personificaba a la muerte como un esqueleto, que invitaba a miembros de todos los estratos sociales, de emperadores a campesinos, a un baile que significaba el fin de sus días.

La Danza de la Muerte tuvo muchas representaciones, pero una de las más famosas es la de Hans Holbein ‘el joven’, quien alrededor de 1526 realizó una serie de xilografías en madera para un libro; hasta ese momento solo había recreaciones en cuadros, por lo que llevó la experiencia al interior de los hogares.

Existen teorías sobre que las danzas macabras tuvieron sus propias expresiones bailables, e incluso en teatro a lo largo del siglo XIV. Así, autores como el dramaturgo portugués Gil Vicente (1465-1536) o los españoles Alfonso de Valdés (1490-1532) y Juan Alonso de Pedraza (1510-1566) también escribieron al respecto e incluso, durante el Barroco, se encuentran referencias en Calderón de la Barca y Quevedo. En El Quijote -capítulo XI, de la segunda parte- Don Quijote y Sancho se cruzan a una compañía de cómicos que representan Las Cortes de la Muerte.

En la música las piezas más destacadas son las del compositor francés Camille Saint-Saëns y la del austro-húngaro Franz Liszt. Mientras que en cine, el arco de referencia es tan grande que incluyen desde la Silly Symphonies, la serie de cortometrajes animados producidos por Disney entre 1929 y 1939, hasta El séptimo sello (1957) Ingmar Bergman,

Breve historia desconocida: La “pandemia de baile” que azotó a Europa después de la Peste Negra. Danza macabra, de alrededor del 1700 en Alemania, anónima

Las teorías modernas incluyen la intoxicación alimentaria por los productos tóxicos y psicoactivos de los hongos del cornezuelo, que crecen comúnmente en los granos de la familia del trigo (como el centeno o la cebada). La ergotamina es el principal producto psicoactivo de los hongos del cornezuelo, está estructuralmente relacionada con el fármaco recreativo dietilamida del ácido lisérgico (LSD-25) y es la sustancia a partir de la cual se sintetizó originalmente el LSD-25. El mismo hongo también ha sido implicado en otras grandes anomalías históricas, incluyendo los juicios de Salem.

El historiador británico John C. Waller propuso en su libro A time to dance, a time to die: the extraordinary story of the dancing plague of 1518 (2008), que una posible época de extrema hambruna pudo provocar fiebres altas que impulsaron momentos de desenfreno sin control.

En cuanto a los danzantes de Estrasburgo, tras la peregrinación a la ermita, su destino desaparece de las páginas de la Historia. El historiador francés del s.XIX Jules Michelet duda incluso de que llegasen a Saverne y da a entender que las autoridades eclesiásticas se deshicieron del problema liquidando a los enfermos, aunque los investigadores modernos dan poco crédito a esta hipótesis. Sea como fuere, nueve años después de los hechos, el sabio suizo Parecelso se desplazó a la capital alsaciana para investigar qué había ocurrido realmente allí. De los afectados sólo hallará un testigo con el que entrevistarse: la joven Trofea.