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Obituario: Colin Cantwell

Colin Cantwell era un artista conceptual, trabajó en muchas películas de género, pero sobre todo fue conocido por ser el diseñador de las naves que aparecían en la Star Wars (1977) George Lucas. Suyos son los diseños de naves populares como X-Wing Starfighter, TIE Fighter, Star Destroyer, además de diseñar la Estrella de la Muerte entre otros diseños.

Obituario: Colin Cantwell

Colin Cantwell nació en San Francisco en 1932 y fue diagnosticado con tuberculosis y desprendimiento parcial de retina a una edad temprana. Durante un AMA de Reddit en 2016, compartió que la cura era quedarse en una habitación oscura con un chaleco pesado en el pecho para evitar ataques de tos. “Pasé casi dos años de mi infancia inmovilizado en esta habitación oscura. ¡Basta decir que nada más podría detenerme después de eso!” comento el propio Cantwell.

Realizaría sus estudios hasta graduarse de la Universidad de California, Los Ángeles con un título en animación y luego sería invitado personalmente por Frank Lloyd Wright para asistir a su Escuela de Arquitectura.

Antes de comenzar su trabajo como especialista en efectos en Hollywood, Cantwell empezó a trabajar el Laboratorio de Propulsión a Chorro y en la NASA durante los años 60 , durante esta etapa creó una serie de programas educativos para que el público comprendiera los avances y descubrimientos de la agencia espacial. Incluso fue quien brindó información a Walter Cronkite cuando hizo su histórica transmisión de aterrizaje en la luna en 1969.

Su trabajo más conocido en la industria del cine fue en Star Wars, pero en su impresionante currículum incluye realización de efectos fotográficos para películas de género como 2001: A Space Odyssey (1968) Stanley Kubrick, diálogo técnico para Close Encounters of the Third Kind (1977) Steven Spielberg y trabajos como consultor de diseño de gráficos por computadora para Juegos de Guerra (1983) John Badham.

Obituario: Colin Cantwell

En su trabajo para 2001: A Space Odyssey, Cantwell colaboró estrechamente con Stanley Kubrick y según sus propias palabras llegó a convencer al director “para que no comenzara la película con una mesa de conferencias de 20 minutos”, su aportación fue fundamental para la apertura de la película.

Durante su participación en Juegos de Guerra, llegó a programar los monitores de Hewlett Packard para mostrar las escenas de las bombas en las pantallas de NORAD mientras el WOPR casi lanzaba armas nucleares. Su trabajo en ese proyecto lo llevó a programar un software que “llevó el Hewlett Packard real de unos pocos colores a 5000 colores».

Obituario: Colin Cantwell

En su faceta artística también fue escritor, siendo autor de dos novelas de ciencia ficción tituladas CoreFires 1 y CoreFires 2.

Obituario: Colin Cantwell

Obituario: Jimmy Wang Yu

Jimmy Wang Yu, nació el 28 de marzo de 1943, también conocido como Wong Yu-lung o Wang Yue. Durante la década de 1960 se trasladó a Hong Kong y ahí empezó a darse a conocer tras ser una de las estrellas de acción más impactantes de Shaw Brothers Studio.

Su nombre de nacimiento fue Wang Zheng-quan. Nació en Wuxi, provincia de Jiangsu en China. Jimmy fue soldado de la República de China y campeón de natación en Hong Kong, así como un gran entusiasta de las carreras de coches antes de formar parte de la compañía de cine Shaw Brothers en 1963.

Obituario: Jimmy Wang Yu. The One-Armed Swordsman,

En 1966, el mentor – director Chang Cheh lo eligió para Tiger Boy (1966) Chang Cheh, una pequeña película de artes marciales en blanco y negro del género wushapian (película de wandering knights), que obtuvo una buena recaudación. Más tarde Chang Cheh lo dirigió en la película que lo consagró:

El Espadachín Manco (The One-Armed Swordsman) (1967) Chang Cheh, que trataba sobre el manejo de la espada, tal y como lo sugiere el título, siendo así un sello distintivo de sus habilidades de combate. Posteriormente, el proyecto se convirtió en la primera película de Hong Kong en ganar 1 millón de dólares en la taquilla local. (Estrenada en Italia en 1970 y luego de nuevo en 1973 bajo el título Mantieni l’odio per la tua vendetta).

Obituario: Jimmy Wang Yu

Formó equipo con el famoso director de cine de espadachines Chang Cheh y actuó en La Golondrina Dorada (The Golden Swallow) (1968) Chang Cheh, junto a Cheng Pei-Pei. Jimmy protagonizó muchas películas como Temple of the Red Lotus (1965) Hsu Tseng-HungEl Luchador Manco (1971) Jimmy Wang YuReturn of the Chinese Boxer (1975) Jimmy Wang YuEl Luchador Manco 2: La guillotina Voladora (1976) Jimmy Wang Yu.

Su película The Chinese Boxer, (1970) Jimmy Wang Yu, está acreditada como la primera que inició el género de películas de kung fu sin armas. Se convirtió en un fenómeno cultural en todo el Sudeste Asiático, contribuyendo en gran medida a la fama de su protagonista, y recaudó dos millones de dólares de Hong Kong en 1970, siendo la primera película de Hong Kong en establecer este récord.

Poco a poco, Jimmy Wang Yu se posicionó como una de las estrellas más grandes de Asia y popular en los grindhouses (género anclado a la violencia y situaciones bizarras) clandestinos de Estados Unidos, que además se especializaban en películas de bajo presupuesto.

Después del éxito de The Chinese Boxer, en busca de mayores ganancias, Jimmy Wang Yu rescindió su contrato con el estudio Shaw Brothers. El estudio de cine presentó una demanda contra él y ganó, como resultado el actor tuvo prohibido rodar otras películas en la industria cinematográfica en Hong Kong. Como resultado, Wang emigró a Taiwán, donde comenzó a trabajar con la Golden Harvest Distribution Company y otras compañías de producción cinematográfica independientes. Sus siguientes películas se rodarían la mayoría en Taiwan.

Obituario: Jimmy Wang Yu

Gracias al éxito de The Chinese Boxer, Jimmy fue reconocido en todo el sureste de Asia en los años 70’s como el actor chino con mejores habilidades de puños y piernas. Sin embargo, llegado los años 70’s su fama se comenzó a verse eclipsada con la llegada de nuevos actores, la mayoría con mejores habilidades marciales como Ti Lung, David Chiang y especialmente Bruce Lee cuya película Karate a muerte en Bangkok (The Big Boss) (1971) Lo WeiWu Chia-Hsiang, convulsionó la industria del cine de artes marciales.

Durante la primera mitad de los 70’s participaría en numerosas películas. Dirigiría la curiosa Beach of the War Gods (1973) Jimmy Wang Yu, con cierta inspiración en Los 7 Samurais (1954) Akira Kurosawa desde el punto de vista nacionalista que siempre caracterizó a Jimmy. Durante esta época participaría en diversas producciones casi inéditas fuera de Taiwan y entonces conocería al director Lo Wei con el que rodaría una serie de películas de acción como A Man Called Tiger (1973) Lo WeiSeaman No. 7 (1973) Lo Wei o la cinta de serie B The Tattooed Dragon (1973) Lo Wei, en la que participaban la actriz Sylvia Chiang y Samuel Hui, hermano del cómico Michael Hui.

Obituario: Jimmy Wang Yu

En 1976 Jimmy participó junto al emergente joven actor y doble de riesgo Sing Lung, conocido por el mundo como Jackie Chan en la película, Meteoro Inmortal (Killer Meteors) (1976) Lo Wei. A finales de los 70’s Jimmy ayudó a Jackie Chan cuando entró en una disputa con el veterano director Lo Wei. 

Jackie Chan ya no quería trabajar para él debido al fracaso de las películas que había interpretado para Wei, que sin embargo estaba vinculado a una tríada de Hong Kong que amenazaba a la nueva estrella. Wang Yu, a su vez considerado contingente de las Tríadas taiwanesas, ayudó a resolver el problema afirmando su peso. Pero solo será una tregua: de hecho Jackie Chan dejará Hong Kong para trabajar en los Estados Unidos y regresará solo cuando su productor Raymond Chow hubo resuelto la situación con una compensación sustancial a Lo Wei.

Jackie Chan correspondió el favor de Wang Yu al aceptar papeles importantes en dos películas producidas por Wang Yu; Fantasy Mission Force (1982) Chu Yen-PingIsla de Fuego (Island of Fire) (1990) Chu Yen-Ping. Después de algunas películas con el Luchador Manco de nuevo como eje central, a destacar El luchador manco 2: La guillotina voladora (Master of the Flying Guillotine) (1975) Jimmy Wang Yu, trabajaría en una coproducción con Estados Unidos The Man From Hong Kong (1975) Brian Trenchard-Smith y Jimmy Wang Yu.

Durante la década de los 80’s volvería a entablar lazos con Chang Cheh interpretando el papel del pícaro Black Hat en Shangai 13 (1981) Chang Cheh. En 1986, Sammo Hung eligió a Wang como Wong Kay Ying, el padre del héroe del folclore chino Wong Fei Hung, en la película El Tren de los Millonarios (Millionaire’s Express) (1986) Sammo Hung.

Obituario: Jimmy Wang Yu

En 1991, el director y productor Tsui Hark le da también un pequeño papel en Erase una vez en China (Once Upon A Time In China) (1991) Tsui Hark, donde interpreta a uno de los esclavos al que los americanos intentan engañar. La última aparición notable de Jimmy Wang Yu antes del cambio de siglo se produjo en The Beheaded 1000 (1993) Ting Shan-hsi al lado de Joey Wong y Mónica Chan.

En los años siguientes Wang Yu mantuvo un perfil bajo, haciendo pocas apariciones públicas hasta 2002, cuando asistió al funeral del director que lo había descubierto y lanzado, su maestro Chang Cheh. Antes de la llegada de Bruce Lee, había sido el actor mejor pagado en el cine de Hong Kong, aunque los métodos de contrato salarial utilizados por el productor Shaw Brothers no permitían grandes sumas a las estrellas locales, a excepción de algunos bonos en caso de éxitos excepcionales, y fue por esta razón que Wang Yu se había «divorciado» de los Shaws

En 2011, 18 años después de su última aparición en el celuloide, tuvo un papel relevante en Dragón (Wu xia) (2011) Peter Chan, en la que, con 68 años, se enfrentaba a Donnie Yen. A continuación participó en varios films como Let’s Go! (2011) Wong Ching-poThe Guillotines (2012) Andrew Lau o Lost Soul (2013) Chung Mong-hong.

Jimmy Wang Yu actuó en más de 70 películas en una carrera que duró más de dos décadas. A pesar de que dejó una huella ineludible en el cine chino de artes marciales, nunca fue el gran artista marcial que representaba en sus películas. Las técnicas de cámara y la edición daban a Jimmy un aura de invencibilidad en la lucha. Fue practicante de Karate Shotokan y el actor de artes marciales mejor pagado hasta que Bruce Lee hizo aparición y batió todos los récords.

Obituario: Jimmy Wang Yu

Durante años, diversos escándalos hicieron que apareciera en la prensa debido a problemas con el alcohol. En 1969 se casó con la actriz Lin Tsui, quien fue uno de los nombres más famosos en la industria del cine de Hong Kong en los años 50’s y 60’s. Dejó su carrera cinematográfica después de casarse pero no resultó un matrimonio bien avenido y se rompió en 1975 con alegaciones de maltrato por parte de Lin. Tuvieron tres hijas. La mayor, Linda Wong, fue una cantante bien conocida en los 90’s. Lin emigró a los Estados Unidos en 1977 y murió en 1995 a causa de un ataque de asma.

Jimmy volvió a casarse, esta vez con la azafata de vuelo Kai-cheng. También se divorciaron en 1997. Kai-cheng inició una relación con un joven hombre de negocios y Jimmy, acompañado por la prensa y la policiá, sorprendió a la pareja en público.

También tuvo otros problemas con la justicia. En 1981, se enfrentó a una acusación de asesinato en Taiwan pero fue absuelto por falta de pruebas. De vez en cuando, los titulares de la prensa anunciaban peleas en las que se veía envuelto Jimmy Wang Yu.

Wang Yu falleció el 5 abril 2022 a sus 79 años a causa de una enfermedad que lo mantuvo en alerta durante seis años.

Obituario: Jimmy Wang Yu

Obituario: Akira Takarada

Akira Takarada nació en la Corea japonesa el 29 de abril de 1934 durante su juventud vivió en Harbin (China). Su padre trabajó como ingeniero en el ferrocarril de South Manchuria. Después de la guerra, permaneció en Harbin, y es capaz de hablar chino mandarín e inglés.

Obiturario: Akira Takarada and Momoko Kôchi behind the scenes of Gojira (Godzilla 1954)

Se mudó a Japón con su familia en 1948. Se enroló en la productora japonesa Tōhō como parte de su programa «New Face» en abril de 1953. En su debut cinematográfico, tuvo un pequeño papel en And Then the Liberty Bell Rang (1954) Toshio Sugie, una biografía del educador Fukuzawa Yukichi.

Su gran oportunidad llegó cuando fue seleccionado como el buzo marino Hideto Ogata en el Godzilla original, Japón bajo el terror del monstruo (1954) Hideo Ogata. Se convirtió en un actor popular en Tōhō por su buena apariencia y carácter carismático y sofisticado.

Obituario: Akira Takarada

Actor popularizado en las décadas de 1950 y 1960 por sus numerosos papeles en películas de ciencia ficción, continuó su asociación con la serie de Godzilla en Mothra vs. Godzilla (1964) Ishiro HondaKaijū Daisensō (Los monstruos invaden la Tierra) (1965) Ishiro Honda, y Gojira, Ebira, Mosura Nankai no Daikettō (Los monstruos del mar) (1966) Jun Fukada. Sus papeles en películas de ciencia ficción y kaiju eiga (películas de monstruos gigantes) incluyen Frankenstein vs. Baragon (1965) Ishiro Honda.

Actor muy popular en Japón, también actuó en varias películas estadounidense-japonesas como Latitude Zero (1969). Sin embargo, su carrera se ralentizó a partir de la década de 1970 . 

En 1966, Akira Takarada se casó con Akiko Kojima , la primera Miss Universo de Japón , y se divorciaron en 1984. Su hija mayor, Michiru Kojima, es cantante.

Obituario: Akira Takarada

Regresó a la franquicia Godzilla en 1992 con Godzilla vs. Mothra (1992) Takao Okawara y apareció nuevamente en Godzilla: Final Wars (2004) Ryuhei Kitamura. También estuvo en una escena eliminada en la película de Godzilla (2014) Gareth Edwards.

Otras películas de ciencia ficción/ efectos especiales de Tōhō en las que apareció incluyen Half Human (1955) Ishiro HondaThe Last War (1961) Shue MatsubayashiKing Kong Escapes (1967) Ishiro Honda.

Takarada también fue una presencia asidua en el teatro, y un actor de doblaje fundamental para las importaciones de Hollywood.

De este modo puso voz a Rex Harrison en My Fair Lady (1964) George Cukor  cuando llegó al mercado japonés, haciendo lo propio con los villanos Ratigan y Jafar en Basil, el ratón superdetective (1986) John Musker, Ron Clements, Burny Mattinson, David Michener y Aladdin (1992) Ron Clements, John Musker. A este hechicero, por cierto, volvió a doblarle en la franquicia de videojuegos Kingdom Hearts, y uno de sus últimos créditos en dicho campo fue adaptar la voz de Ian McKellen cuando Cats (2019) Tom Hooper se estrenó en Japón.

Tōhō preparó una producción musical de Lo que el viento se llevó con el compositor y letrista de Broadway, Harold Rome para su nuevo teatro Teigeki en 1970. Titulada Scarlett, Takarada originalmente estaba programada para interpretar el papel de Rhett Butler. Sin embargo, las lesiones sufridas en un accidente en el que se cayó de una excavadora durante el rodaje le impidieron participar en esta producción teatral.

Obiturario: Akira Takarada

Debido a esta lesión desde hace años Takarada sufría intensos dolores en la región lumbar que lo hacían volver una y otra vez al hospital. La última aparición del actor en público fue el 10 de marzo cuando se presentó en silla de ruedas en una conferencia de prensa para celebrar el estreno de Yononaka ni Taete Sakura no Nakariseba (Si no hubiera flores de Cerezo en el mundo) (2022) Goto Yosuke, última película en la que el actor tuvo un rol protagónico. Falleció el 14 de marzo de 2022.

Obituario: Sidney Poitier

Obituario: Sidney Poitier nació en Miami, un 20 de febrero de 1927 y falleció el 6 enero 2022 en Nassau, Bahamas. Conocido como actor, director de cine, escritor y diplomático estadounidense de origen bahameño, ganador del Premio Óscar en dos ocasiones., siendo el primer actor afroamericano en conseguir tan destacado premio.

Hijo de padres bahameños de la isla Cat dedicados al negocio de la agricultura, Evelyn Outten y Reginald James Poitier, Sydney Poitier nació de siete meses de gestación durante una visita de sus progenitores a Miami en 1927 adquiriendo de este modo la doble ciudadanía americana y bahameña (británica en esa época por ser colonia inglesa).

Tuvo una infancia y adolescencia bastante dura para ganarse la vida y regresó a Estados Unidos a casa de su hermano Ciryl para aportar a sus padres, trabajó como peón, friegaplatos, y otros trabajos.

En la ciudad de Florida, y a los 15 años de edad, sintió por primera vez el acoso de los racistas, un hecho que el joven Poitier no había conocido en Cat Island, lugar en el que la población era mayoritariamente negra. Para escapar de esta situación,

Obituario: Sidney Poitier

Sidney se marchó a Nueva York, una ciudad más cosmopolita en donde comenzó a buscarse la vida con pequeños trabajos hasta que tuvo que mentir por su edad para ingresar al cuerpo médico del Ejército en 1943, se alistó en el ejército para trabajar como ayudante médico en un hospital de veteranos en plena época de la Segunda Guerra Mundial.

A su regreso del conflicto, se incorporó al mundo de la interpretación. Pretendió acceder al American Negro Theatre, pero en su primera audición fue rechazado por su acento.

Este rechazo encorajinó a Sidney, quien comenzó a perfeccionar su dicción y a trabajar duro para perder el acento caribeño. En su segundo intento terminó incorporándose al grupo teatral y poco a poco fue adquiriendo experiencia sobre los escenarios hasta terminar en Broadway, en donde triunfó a finales de los años 40’s con la obra Lisístrata, una adaptación con intérpretes negros del conocido texto de Aristófanes.

Obituario: Sidney Poitier

Posteriormente logró que el productor Darryl F. Zanuck le eligiese para intervenir para hacer su debut en el cine con el director Joseph L. Mankiewicz en No Way Out (Un rayo de luz) (1950). Su buena apariencia, agradable personalidad y sólidas interpretaciones le abrieron la puerta en el mundo del celuloide ganando un gran reconocimiento, de hecho en Fugitivos (1958) Stanley Kramer, le valió la primera nominación de un actor afroamericano al Premio Oscar

Este inicio en la pantalla grande fue continuado con papeles secundarios pero significativos en películas como Tierra Prometida (1951) de Zoltan Korda o Hermanos Ante El Peligro (1952) Budd Boetticher, un film bélico protagonizado por Jeff Chandler.

Obituario: Sidney Poitier

En el año 1955, y trabajando al lado de Glenn Ford, logró su primer papel importante. La película se titulaba Semilla De Maldad (1955) Richard Brooks, un film que ponía de manifiesto el clima violento de un colegio público de Nueva York. Sidney interpretaba a uno de los alumnos.

Con posterioridad pudo ser visto en títulos tales como Donde La Ciudad Termina (1957) Martin Ritt, con participación de John Cassavetes. La Esclava Libre (1957) Raoul Walsh, una película de ambiente sureño Yvonne De Carlo y Clark Gable. Sangre Sobre La Tierra (1957) Richard Brook.

En el año 1958 alcanzó el estrellato con Fugitivos (1958) Stanley Kramer, película antiracista dirigida en la que Poitier compartió protagonismo con Tony Curtis. Por este último título consiguió ser nominado al premio Oscar en la categoría de mejor actor principal. El ganador de la estatuilla fue David Niven por Mesas Separadas (1958) Delbert Mann.

Obituario: Sidney Poitier

En 1963, Poitier consiguió ser el primer actor afroamericano en ganar el Óscar al mejor actor por su interpretación con Los lirios del valle (1963) Ralph Nelson, Posteriormente en 1965, destacó en la película antibelicista The Bedford Incident (1965) James B. Harris junto a Richard WidmarkLinda Darnell.

El resultado de sus logros fue confirmado en 1967 cuando protagonizó tres películas muy bien recibidas: To Sir, With Love (1967) James ClavellEn el calor de la noche (1967) Norman Jewison, y Adivina quién viene a cenar esta noche (1967) Stanley Kramer.

Obituario: Sidney Poitier

Posteriormente durante su carrera Poitier representó papeles controvertidos y relacionados constantemente a la lucha racial de los años setenta siendo por ello un referente en la comunidad negra y la igualdad de derechos en la Unión americana.

Los años 70’s conocieron el declive como actor, principalmente por el menor número de producciones en las que apareció y por la escasa trascendencia de éstas. En esta década también comenzó su carrera como director, iniciada con el western Buck y El Farsante (1972), que el propio Poitier co-protagonizó junto a Harry Belafonte y Ruby Dee.

Obituario: Sidney Poitier

La importancia de Sidney Poitier en el cine va mucho más allá de su excelente capacidad como intérprete. Su estatus estelar en los años 50’s y 60’s rompió el tradicional estereotipo de actor negro e incidió con sus personajes en la conciencia social sobre el conflicto racial en una época de cambio en valores y actitudes.

Desde 1997, Poitier fue designado embajador vitalicio de Bahamas en Japón y en 2002, 38 años después de recibir el Óscar al mejor actor, recibió un Óscar honorífico por su trayectoria. También ha escrito dos libros autobiográficos, This Life (1980) y The Measure of a Man: A Spiritual Autobiography (2000).

Obituario: Peter Bogdanovich

Obituario: Peter Bogdanovich nació en Kingston, Nueva York el 30 de julio de 1939 y falleció en la ciudad de Los Ángeles el pasado 6 de enero de 2022. Hijo de inmigrantes que huyeron de los nazis. Su padre era un pintor y pianista serbio siendo cristiano ortodoxo, mientras que su madre descendía de una rica familia judía austriaca.

Obituario: Peter Bogdanovich

Durante los años 50’s fue actor, estudiando el método interpretativo de la legendaria Stella Adler, y tuvo apariciones en televisión y en obra de teatro. a principio de los 60’s adquirió relevancia al programar diversas películas en el museo MOMA en New York, donde preparó una antología de películas sobre Orson Welles y Howard Hawks y a la vez fue forjándose como un prestigioso crítico de cine.

Junto con su esposa, se trasladó a Los Ángeles donde, gracias a su insistencia con los publicistas, conseguía invitaciones para fiestas y estrenos. En el pase de una película, Roger Corman, coincidió con el director que se encontraba sentado detrás de él, mencionando que le había gustado un artículo de cine suyo en Esquire.

Obituario: Peter Bogdanovich

Como consecuencia de esta conversación, Corman le propuso un trabajo como director, que aceptó sin parpadear. Trabajaron en la aclamada Targets (El héroe anda suelto) (1968) y en Voyage to the Planet of Prehistoric Women (1968). Posteriormente, en una entrevista, Bogdanovich mencionó que Corman y su compañía habían sido la mejor escuela de cine posible, cuando hizo su primera película en tres semanas.

Mientra empezaba su carrera en el cine, realizaba trabajos como periodista lo que le permitió entablar una larga amistad de por vida con Orson Welles desde que lo entrevistó al inicio en el set de la adaptación  de Catch-22, (1970) Mike Nichols, a partir de la novela de Joseph Heller. Bogdanovich, con sus escritos, tuvo finalmente un gran papel en divulgar la obra de Welles.

En 1971, Bogdanovich fue aclamado por la crítica como un «wellesiano» niño prodigio cuando se estrenó su filme más célebre, The Last Picture Show (La última película) (1971). Recibió ocho candidaturas a los Oscar, entre ellas la de mejor director.  La actriz Cloris Leachman y el veterano actor Ben Johnson obtuvieron los premios como mejores intérpretes de reparto. Bogdanovich, que había contado con la hasta ese momento modelo Cybill Shepherd para un papel protagonista, se enamoró de la joven belleza, asunto que condujo a su divorcio de la diseñadora de decorados Polly Platt, su colaboradora artística durante muchos años y madre de sus dos hijos.

Obituario: Peter Bogdanovich. Peter Bogdanovich and Cybill Shepherd

A  esta película le sigió el gran éxito What’s up Doc? (¿Qué me pasa, doctor?) (1972), con Barbra Streisand y Ryan O’Neal. A pesar de sus homenajes al cine clásico, Bogdanovich se labró su categoría de director estrella al lado de otros como Francis Ford Coppola o William Friedkin, con quienes formó The Directors Company, un generoso acuerdo de producción con Paramount Pictures que daba a los directores carta blanca mientras se ciñeran al presupuesto. Bajo esta entidad se produjo el siguiente éxito de Bogdanovich, la aclamada Paper Moon (Luna de papel) (1973).

Obituario: Peter Bogdanovich

Paper Moon, una comedia de tiempos de la Depresión con Ryan O’Neal, que consiguió que la hija de 10 años de este, Tatum O’Neal, ganara el Oscar a la mejor actriz secundaria, marcaría el punto culminante de la carrera de Bogdanovich. Forzado a compartir los beneficios con sus colegas directores, Bogdanovich quedó insatisfecho con el trato. Así pues The Directors Company sólo produciría dos películas más, la aclamada La conversación, Francis Ford Coppola (1974) que fue candidata al Oscar de ese año y que le dio el premio al mejor director, y Daisy Miller (1974), de Bogdanovich.

Con esta adaptación de la novela de Henry James, Daisy Miller (Una señorita rebelde) (1974) supuso el principio del fin de la carrera de Bogdanovich como director popular y aclamado. La película, protagonizada por Shepherd, la novia de Bogdanovich en ese momento, fue vapuleada por la crítica y fue un fiasco en taquilla.

La siguiente película de Bogdanovich, At Long Last Love (1975), adaptando un musical de Cole Porter, que también fue protagonizado por Cybill Shepherd, fue calificada por los críticos como una de las peores películas de la historia. El filme fue, además, un fracaso en taquilla, a pesar de contar con Burt Reynolds, una superestrella de finales de los 70’s.

Durante el rodaje de la película insistió en rodar los números musicales de At Long Last Love en directo, un método no usado desde los primeros tiempos del cine sonoro, cuando el ingeniero de sonido Douglas Shearer desarrolló la sincronización de labios en Metro-Goldwyn-Mayer. La decisión fue criticada ya que ninguno de los protagonistas era célebre por sus habilidades como cantante, pero el mismo Bogdanovich ya había producido un álbum de Shepperd cantando temas de Porter en 1974.

Obituario: Peter Bogdanovich

Posteriormente rodó Nickelodeon (Así se formó Hollywood) (1976), una comedia que hacía recuento de los primeros tiempos de la industria cinematográfica, juntando a Ryan y Tatum O’Neal, con Reynolds. Aconsejado acerca de no emplear a la impopular entre los críticos Cybill Shepperd, eligió en su lugar a la debutante Jane Hitchcock como la cándida de la película. Desgraciadamente la magia de Paper Moon era irrepetible, y Jane Hitchcok solo haría una película más en su carrera.

Tras una pausa de tres años, volvió con un interesante Saint Jack (1979), pero de éxito crítico y comercial limitado, producida por Playboy Productions de Hugh Hefner. Su largo romance con Shepherd había acabado en 1978, aunque el trato hecho con el productor Hefner era parte de un acuerdo judicial sobre unas fotos de desnudos de The Last Picture Show «pirateadas» en por la revista Playboy.

Estrenó después la película They All Laughed (Todos rieron) (1981), una comedia de bajo presupuesto con Audrey Hepburn y Dorothy Stratten, quien fuera cantante y Miss Playboy en 1980. En el rodaje, se enamoró de Dorothy Stratten, que estaba casada con el buscavidas Paul Snider, quien dependía financieramente de ella. Stratten quiso vivir con Bogdanovich, y cuando le contó a Snider que lo abandonaba, este la mató y luego se suicidó.

Obituario: Peter Bogdanovich

Dorothy Stratten y Peter Bogdanovich

Este suceso provocó una gran depresión que le duró tres años.​ They All Laughed no atrajo al distribuidor, debido al asesinato, a pesar de ser una de las pocas películas hechas por Audrey Hepburn tras su provisional retiro de 1967, y a la postre sería la última que Hepburn estrenaría como protagonista. Bogdanovich compró los derechos del negativo para difundir la película, pero tuvo un estreno limitado con flojas críticas, y le hizo perder millones de dólares, hasta llevarle a la bancarrota.

Debido a estos acontecimientos, retornó a su primera vocación, la escritura, para escribir sobre su fallecido amor en The Killing of the Unicorn, Dorothy Stratten 1960-1980, publicado en 1984. El libro era una respuesta al artículo de Teresa Carpenter «Death of a Playmate», que cargaba contra Bogdanovich y Hefner, afirmando que Stratten era casi tan víctima de ellos dos como de su asesino Snider. El artículo sirvió de base a la película Star 1980 (1983) de Bob Fosse, en la que Bogdanovich era reflejado como el ficticio director Aram Nicholas. La carrera de Bogdanovich como director importante estaba acabada, aunque obtuvo un éxito modesto con Mask (1985) en donde aparecía Cher como cabeza de reparto.

Obituario: Peter Bogdanovich

Su reputación personal sufrió por rumores maliciosos tras su matrimonio con Louse Hoogstraten, la hermana menor de Dorothy Stratten, tres años después de su fallecimiento. La idea de que procuró modelar a Louse Hoogstraten a imagen de su hermana fue desmentida por Bogdanovich. El matrimonio, que duró trece años, acabó en divorcio en 2001.

Tras una etapa apartado de la dirección, nuevamente se pone detrás de las cámara para rodar Texasville (1990), secuela de su The Last Picture Show, donde contaba con Jeff Bridges y cybill Shepherd, la película supuso cierta decepción para la crítica y el público. En 1992 dirigió dos películas de cine, ¡Qué ruina de función! (Noises Off) (1992) una comedia de moderado éxito y The Thing Called Love (Esa cosa llamada amor) (1993), pero su fracaso lo apartó de la gran pantalla hasta el año 2001.

En 2004 estrenó The Cat’s Meow (El maullido del gato) (2004), en esta ocasión la trama se centraba en el tema del pasado, esta vez en el supuesto asesinato del director Thomas Ince por el magnate William Randolph Hearst, quien ya había sido retratado en Ciudadano Kane (1941) Orson WellesThe Cat’s Meow (El maullido del gato) fue un modesto éxito de crítica pero un fracaso en taquilla.

Continuo trabajando en la década del 2010, su último trabajo de ficción fue She’s Funny That Way. (Terapia en Broadway) (2014) estrenada en el Festival de Venecia y su despedida del documental fue en 2018 con The Great Buster (2018), un trabajo que recorría la obra y trayectoria de Buster Keaton.

A pesar de las 13 nominaciones a los Oscars que recibieron sus films de esa época, el director no consiguió nunca más estar a la altura de aquel éxito y sus creaciones posteriores disfrutaron de una repercusión más escasa. Bogdanovich es considerado uno de los primeros críticos cinematográficos norteamericanos 

Obituario: Peter Bogdanovich

Formó parte de la oleada del Nuevo Hollywood junto a William FriedkinBrian De PalmaGeorge LucasMartin ScorseseMichael Cimino y Francis Ford Coppola.

Como crítico cinematográfico y su amor por el Hollywood clásico lo llevó a dialogar mano a mano con maestros como Alfred Hitchcock, Orson Welles, John Ford, Howard Hawks, James Stewart y John Wayne. Muchas de esas conversaciones quedaron plasmadas en ensayos fílmicos o en libros como Who The Devil Made It: Conversations with Legendary Film Directors y Who the Hell’s in It: Conversations with Hollywood’s Legendary Actors. También rodó documentales como Directed by John Ford (1971), otro sobre el músico Tom Petty, Runnin’ Down a Dream (2007) y el apuntado cierre de su filmografía sobre Buster Keaton.

Obituario: Mario Camus

El director y guionista de cine Mario Camus (Santander, 20 abril 1935 – 18 septiembre 2021) galardonado con el Goya de Honor de la Academia de cine en 2011 y ganador del Oso de Oro en el Festival de cine de Berlín en 1983 por La colmena (1983), la filmografía del director cántabro destaca por su maestría a la hora de realizar adaptaciones de obras literarias.

Su nombre estará siempre ligado al de Miguel Delibes, por la película Los santos inocentes (1984), y a Camilo José Cela por su adaptación de La colmena (1982). Debutó con una adaptación de Daniel Sueiro y también ha trasladado al lenguaje audiovisual a Ignacio Aldecoa, Jorge Semprún y Rafael Azcona, entre otros.

Obituario: Mario Camus. Muere el director de cine Mario Camus a los 86 años

Nada más finalizada la Guerra Civil, inició sus estudios al tiempo que fue descubriendo el mundo del cine a partir de las sesiones que podía ver en los locales que se improvisaron entonces. La lectura fue otra de sus pasiones de niño. Estudió Derecho en Madrid hasta que Basilio Martín Patino y la revista italiana Cinema Novo orientaron sus pasos hacia el Instituto de Investigaciones y Experiencias Cinematográficas, la escuela de cine oficial de la época, en la que ingresó en 1956. 

En su etapa de estudiante colaboró en el guion de Los golfos (1960) Carlos Saura. Fue una época en la que su trabajo le alejó del IIEC, en donde realizaría varias prácticas finalizaría su carrera en 1962 con una práctica que tituló El borracho (1962)

Tras colaborar en varios cortometrajes, Ignacio Iquino le contrató para dirigir Los farsantes (1963), una historia centrada en el drama de la vivencia diaria de un grupo de cómicos por los caminos de España; su estreno no tuvo la repercusión necesaria para que todo el mundo hablara de Camus como joven director del que cabía esperar muchas cosas.

Plasmó un nuevo tema realista al poder dirigir su propio guion, Young Sánchez (1963), sobre el mundo del boxeo, que le valieron una serie de premios. Esta trayectoria personal seguiría su proyección en películas como Con el viento solano (1965) o Los pájaros de Baden Baden (1975), en las que colaboró con el escritor Ignacio Aldecoa.

Afrontó proyectos comerciales como son las películas interpretadas por el cantante Raphael en Cuando tú no estás (1966) o Digan lo que digan (1968), y obras de género como el western La cólera del viento (1970), o las historias de amor conflictivo Volver a vivir (1968) y La joven casada (1975) con Ornella Muti o con Sara Montiel en Esa mujer (1969).

Obituario: Mario Camus

Trabajó para TVE, donde dirigió varios documentales de la serie Conozca usted España, Históricos del balompié, Cuentos y leyendas, Si las piedras hablaran y Los camioneros. De la televisión no se desvinculó con los años, y fue en este medio donde ofreció, también, una muestra de su buen hacer con la serie Curro Jiménez, que fue un hito de la programación de finales de los años setenta; Fortunata y Jacinta, una ajustada adaptación de la obra de Benito Pérez Galdós; Los desastres de la guerra, que partió de la serie homónima de aguafuertes de Goya para presentar la Guerra de la Independencia Española; y La forja de un rebelde, basada en la trilogía de Arturo Barea.

Su carrera dio un giro sorprendente con obras como Los días del pasado (1977), con Antonio Gades y Pepa Flores en el mundo de los maquis que resisten el acoso policial en sus últimos tiempos; pero también las versiones de las obras de Camilo José Cela La colmena (1982) y de Miguel Delibes Los santos inocentes (1984), de gran repercusión en España y en el extranjero, cosechando numerosos premios.

Obituario: Mario Camus

Mario Camus decidió, además de colaborar en guiones de coetáneos suyos, continuar con su línea personal que le llevó a La casa de Bernarda Alba (1986), en la versión del texto original que escribiera Federico García LorcaLa rusa (1987), una novela de Juan Luis CebriánAdosados (1996), sobre la novela de Félix BayónLa ciudad de los prodigios (1999), sobre la novela de Eduardo Mendoza; y las historias diversas sobre realidades que se perciben en la sociedad española de la época: un pasado político que atenaza al personaje en Sombras en una batalla (1993), los negocios ocultos en Amor propio (1994) o la relación que se establece entre niños y adultos en El color de las nubes (1997), entre otras.

Obituario: Mario Camus

En 1994, ganó el Goya a Mejor Guion Original por Sombras en una batalla (1993), dirigida por Gonzalo Suárez. En su trayectoria profesional realizó también alguna incursión a la dirección escénica teatral destacando el montaje de ¿Por qué corres, Ulises? (1975), de Antonio Gala.

Entre sus últimos trabajos destacan el análisis del terrorismo de ETA presente en Sombras en una batalla (1993) y La playa de los galgos (2002) y las fábulas críticas con la sociedad capitalista Después del sueño (1992), Adosados (1996) y El color de las nubes (1998).

Obituario: Jean-Paul Belmondo

Jean-Paul Belmondo (Neuilly-sur-Seine, departamento de Hauts-de-Seine, 9 de abril de 1933) nació en el muy burgués barrio parisino de Neully-sur-Seine en el ceso de una familia de de artistas origen italiano. por sus venas corre sangre siciliana y piamontesa. Hijo del escultor parisino Paul Belmondo (1898-1982) De pequeño comenzó a practicar ciclismo, fútbol y sobre todo el boxeo, logró un físico atlético y una nariz quebrada, que le darían ventajas en su carrera cinematográfica. Explotó inteligentemente su aspecto, y el mote de el hombre más feo del cine francés, pero a la vez muy seductor.

Obituario: Jean-Paul Belmondo Muere a los 88 años el actor francés Jean-Paul Belmondo

Hasta que con dieciséis años sufrió una crisis existencial promovida por un brote de tuberculosis y decidió convertirse en actor. Estudió arte dramático en el Conservatoire National Superieur d’Art Dramatique (CNSAD). Después de algunas participaciones en obras de teatro debutó en el cine en la película À pied, à cheval et en voiture (1957) Maurice Delbez, pero casi todas sus escenas fueron eliminadas durante el montaje.

Obituario: Jean-Paul Belmondo Muere a los 88 años el legendario actor francés Jean-Paul Belmondo

Trabajó en varias películas de la nouvelle vague, hasta que Claude Chabrol, que lo eligió para su thriller con aspiraciones comerciales Una doble vida (1959) película con la que empezó a ser conocido. Belmondo consideraba que esta película sería el gran éxito que estaba buscando. Mientras esperaba la llegada de una gran producción aceptó trabajar inmediatamente después con Jean-Luc Godard en una producción de ínfimo presupuesto llamada Al final de la escapada (À bout de souffle) (1960), que llegó a ser un clásico del cine francés, lanzándolo a la fama.

Obituario: Jean-Paul Belmondo Jean-Paul Belmondo in The Professional (1981)

El movimiento cinematográfico Nouvelle Vague (Nueva ola), que dio la espalda con éxito al cine comercial, especialmente alrededor de la década de 1960, estableció nuevos estándares cinematográficos con una estructura narrativa poco convencional.

Durante los años 60, Belmondo ya era una estrella indiscutible, compatibilizando grandes papeles en películas de prestigio con éxitos de taquillas. En Dos mujeres (1960) Vittorio De Sica, llegaba a interpretaba a Arthur Miller usando como atrezzo unas gafas de montura fina junto a Sophia Loren que se llevó el Oscar. Claude Sautet, Jean-Pierre Melville, François Truffaut o Jacques Deray fueron los siguientes cineastas en trabajar con él. 

Obituario: Jean-Paul Belmondo

Fue orientando su carrera como actor en películas de acción y humor, donde realizaba personalmente las escenas de riesgo. Poco a poco se fue especializando en papeles de seductor y aventurero caradura, incluso de gánster, aprovechando su físico de ex boxeador y su sonrisa contagiosa, en filmes tales como El hombre de Río (L’Homme de Rio) (1965) Philippe de Broca, Borsalino (1970) Jacques Deray, El clan de los marselleses (1972) José Giovanni, Cómo destruir al más famoso agente secreto del mundo (1973) Philippe de Broca o El Profesional (1981) Georges Lautner.

Obituario: Jean-Paul Belmondo

Su decisión de seguir una carrera en el cine comercial y de alejarse del cine-arte le generó críticas de que había desperdiciado su indiscutible talento, algo que siempre negó.

La última película de Belmondo fue Un homme et son chien (Un hombre y su perro) (2009) Francis Huster. Una vez abandonado su trabajo en el cine, volvió a sus inicios, el teatro. En 1991 finalmente compró su propio teatro en París, haciendo realidad un sueño de la infancia. Belmondo ha aparecido en más de 40 roles teatrales. Belmondo, una de las últimas grandes estrellas populares de su generación, junto a Alain Delon o Brigitte Bardot, desapareció casi totalmente de las pantallas de cine desde que sufrió un accidente vascular cerebral en 2001. su última aparición en pantalla data del 2009, en el corto Allons-y! Alonzo!

Obituario: Jean-Paul Belmondo

Durante su carrera, fue nominado dos veces a los premios BAFTA: a mejor actor por Léon Morin, sacerdote (1961) Jean-Pierre Melville y Pierrot el loco (1965) Jean-Luc Godard. Ganó el Premio César 1989 al mejor actor por la película El imperio del león (1988) Claude Lelouch, premio que rechazó. En 2016 ganó el León de Oro a toda su trayectoria en el Festival Internacional de Cine de Venecia.

Obituario: Jean-Paul Belmondo

La leyenda del cine francés, Jean-Paul Belmondo, murió a los 88 años el 5 septiembre, según señaló su abogado a AFP.

Obituario: Sonny Chiba

Sonny Chiba, estrella japonesa que interpretó al creador de katanas, Hattori Hanzo en Kill Bill (2003) Quentin Tarantino, falleció el 19 de agosto 2021 a los 82 años.

Nacido Sadaho Maeda en Fukuoka, Japón, fue el tercero de seis hijos de la familia de un piloto de pruebas militares. Cuando era niño, manifestó interés tanto en teatro como en gimnasia, y fue lo suficientemente serio en esto último como para ganarse un lugar en el Equipo Olímpico Japonés en los últimos años de su adolescencia hasta que se retiró por una lesión en la espalda.

Obituario: Sonny Chiba

​Mientras era un estudiante universitario, comenzó a estudiar artes marciales con el renombrado maestro de Karate Kyokushin Masutatsu «Mas» Oyama (a quien más tarde retrató en una trilogía de películas), lo que le condujo a convertirse en cinturón negro (primer dan) el 15 de octubre de 1965. Obtuvo su cuarto grado el 20 de enero de 1984.

En torno a 1960 (las fechas son inciertas, ya que es posible que haya tenido apariciones televisivas en su haber ya en 1959) fue descubierto en una búsqueda de talentos (llamada «New Face») por el estudio de películas Toei, y comenzó su carrera en la pantalla poco después como Shinichi Chiba.

Obituario: Sonny Chiba

Su carrera como actor dio comienzo en la televisión, protagonizando dos shows de superhéroes de Tokusatsu, primero reemplazando a Susumu Wajima como personaje principal Kotarô Ran/7-Color Mask (Nana-iro kamen) y posteriormente, en la segunda mitad de la serie, a Gorō Narumu/El Mensajero de Alá en The Messenger of Allah (Allah no Shisha).

Su debut en el cine y primer papel como protagonista fue en las películas de ciencia ficción Invasion of the Neptune Men (1961) Koji Ota. Más tarde ese año Chiba apareció en la primera película de Kinji Fukasaku, Wandering Detective: Tragedy in Red Valley (1961) que marcó el comienzo de una larga serie de colaboraciones entre los dos. Durante la siguiente década, fue contratado principalmente en películas de suspense. También adoptó el nombre inglés Sonny Chiba, en un principio debido a su asociación con una campaña publicitaria de Toyota para un auto llamado Sunny-S.

Obituario: Sonny Chiba

Sus proyectos posteriores incluyen trabajos como Bullet Train (1975) Junya SatōKarate Warriors (1976) Kazuhiko YamaguchiDoberman Cop (1977) Kinji Fukasaku, y The Assassin (1977) Yukio Noda, Shun’ya Itô. También de vez en cuando volvió al género de ciencia ficción, en películas como Invasores del espacio (Uchu kara no messeji, 1978) Kinji Fukasaku.

Chiba estuvo aún más ocupado en los 80, participando en docenas de largometrajes e incursiones en la televisión, y con papeles en aventuras de tan alto perfil como la popular cinta de Hong Kong basada en un cómic: The Storm Riders (1998) Andrew Lau, protagonizada junto a Ekin Cheng y Aaron Kwok. Su fama en Japón se mantuvo constantemente en los 90.

Obituario: Sonny Chiba

Cuando tenía cincuenta años volvió a trabajar bajo el nombre de Shinichi Chiba cuando lo hizo como coreógrafo de escenas de artes marciales. En los albores del siglo XXI, Chiba estuvo tan ocupado como siempre en los largometrajes, y también protagonizó sus propias series en Japón. Papeles en Deadly Outlaw: Rekka (2002) de Takashi Miike y en Battle Royale II (2003) de los directores Kenta y Kinji Fukasaku.

Obituario: Sonny Chiba

La duradera carrera de Chiba en la pantalla recibió un homenaje cuando apareció en un rol clave como Hattori Hanzo, el dueño de un restaurante de sushi y samurái artesano de espadas retirado, en Kill Bill (2003) Quentin Tarantino.

Chiba ha protagonizado más de 125 películas de Toei Studios y ha ganado numerosos premios en Japón por su actuación. En noviembre de 2007, anunció el retiro del nombre artístico Shinichi Chiba y a partir de ese momento sería conocido (en Japón) como J.J. Sonny Chiba (Justice Japan Sanī Chiba?) como actor y Rindō Wachinaga director.

Obituario: Sonny Chiba

Sonny tuvo apariciones en varias películas de Hollywood como en la citada Kill Bill (2003), Águila de acero III (1992) John Glen que fue su debut en Hollywood. The Fast and the Furious: Tokyo Drift (2006) Justin Lin. Debido a su indiscutible talento, no se pudo evitar que Chiba fuera comparado con el reconocido artista marcial, Bruce Lee, incluso lo nombraron como ‘Bruce Lee de Japón’. Chiba fue uno de los primeros actores del cine de artes marciales en alcanzar fama, primero en Japón y más tarde internacionalmente.

La causa de su muerte estaría relacionada a complicaciones con la covid-19La confirmación de su deceso se dio mediante su agente al medio Variety.

Obituario: Sonny Chiba

Como curiosidad, el personaje de Samuel L. Jackson en la película Pulp Fiction (1994) Quentin Tarantino, recita un credo falsamente atribuido a Ezequiel 25:17, comenzando: «El camino del hombre recto está por todos lados rodeado por las desigualdades [sic] de los egoístas y la tiranía de los malos» y finalizando, «…y sabrás que mi nombre es el Señor cuando caiga mi venganza sobre ti.» Este credo fue usado originalmente como la frase de apertura en la película de Sonny Chiba, Karate Kiba (El Guardaespaldas), sustituyendo las palabras, «…y sabrán que yo soy el Guardaespaldas de Chiba…,» en el pasaje anterior.​

Obituario: Richard Donner

Obituario: Richard Donner

Richard Donner, prolífico director y productor de Hollywood, empezó trabajando en TV y fue el responsable de algunos de los blockbuster más sonados de Hollywood. Entre sus créditos se incluyen algunas de las películas más icónicas de las décadas de 1970 y 1980, como ‘Superman’ (1978), ‘The Goonies‘ (1985) y la saga policial con Mel Gibson y Danny Glover, ‘Arma Letal’ (1987), falleció el día 5 de Julio 2021 a los 91 años. No se ha revelado la causa de su muerte. La noticia fue confirmada por la esposa del director, la productora Lauren Schuler.

Junto con su esposa, Lauren Shuler Donner, crearon la productora The Donner’s Company. Tras finalizar el clásico de e terror ‘La profecía‘ (1976), Donner dirigió ‘Superman‘ (1978), con Christopher Reeve en el papel del hijo de Krypton. La influencia de esta película ayudó a establecer el concepto de superhéroes como un género cinematográfico respetado. Puso en escena la primera adaptación del superhéroe de DC Comics a la pantalla grande contando con Christopher Reeve y Marlon Brando.

Obituario: Richard Donner

Donner también era el encargado de realizar la secuela ‘Superman II‘ (1980), pero fue reemplazado por Richard Lester a mitad de la producción. Sin embargo Donner, terminó un montaje con su propia versión del film titulado ‘Superman II: The Richard Donner Cut‘, (2006).

Obituario: Richard Donner

En 2000, recibió el premio del Presidente de la Academia de Ciencia Ficción, Fantasía y Películas de Terror. También fue nominado al Mejor Director en 1978 por ‘Superman‘.

Obituario: Richard Donner

Fue además uno de los escritores para DC Comics encargados del cómic El último hijo de Krypton, donde llama Christopher al hijo del General Zod, en honor a Christopher Reeve.

Obituario: Richard Donner
Obituario: Richard Donner
Obituario: Richard Donner

Obituario: Ned Beatty

Ned Beatty dio sus primeros pasos en la música y en el teatro. Comenzó su carrera cantando góspel, y no tardó en dar el salto a los escenarios de Broadway, donde participaría en ‘The Great White Hope‘, junto a James Earl Jones.

Del teatro dio el salto al cine, su primer rol frente a la cámara fue, irónicamente, el de un atracador en un documental para cadetes del FBI. Y, llegado 1972, puso el pie en Hollywood a las órdenes de John Boorman en ‘Defensa’, filme que le dio el papel poco habitual de ver en el cine, de un hombre víctima de una violación. donde compartió planos con Jon Voight y Burt Reynolds.

Obituario: Ned Beatty

Nacido el 6 de julio de 1937 en Louisville. Posteriormente a sus inicios participó en títulos como ‘El último héroe americano’ (1973) de Lamont Johnson con Jeff Bridges; ‘Los traficantes‘ (1973) de Joseph Sargent, donde volvió a coincidir con Reynolds; ‘Todos los hombres del presidente‘ (1976) de Alan J Pakula.

Obituario: Ned Beatty

Trabajó en películas tales como ‘El juez de la horca’ (1972) de Sam Peckinpah, junto a Paul Newman, ‘Nashville’ (1975) de Robert Altman y la comedia ‘El expreso de Chicago’ (1976) de Arthur MillerConsiguió su única nominación al Oscar por un papel en una única escena de seis minutos, en ‘Network’ (1976) de Sidney Lumet, en donde tenía un cara a cara con Peter Finch en el santo nombre del capitalismo.

Obituario: Ned Beatty

Su papel más conocido y por el que será recordado es Otissecuaz del villano Lex Luthor interpretado por Gene Hackman en ‘Superman’ (1978) de Richard Donner. 

Obituario: Ned Beatty

Beatty encaró los 80’s interpretando roles secundarios en telefilmes, series y cintas de serie B sin dejar de trabajar en el teatro. Su último trabajo cinematográfico fue en 2013, cuando participó en el filme ‘Ligera de equipaje‘ de David E. Talbert. Murió el 13 de junio de 2021 a los 83 años, dejando más de 100 créditos en su haber, tanto en cine como en televisión.