What if. Nuevos carteles de películas imposibles.
Akira Takarada nació en la Corea japonesa el 29 de abril de 1934 durante su juventud vivió en Harbin (China). Su padre trabajó como ingeniero en el ferrocarril de South Manchuria. Después de la guerra, permaneció en Harbin, y es capaz de hablar chino mandarín e inglés.
Se mudó a Japón con su familia en 1948. Se enroló en la productora japonesa Tōhō como parte de su programa «New Face» en abril de 1953. En su debut cinematográfico, tuvo un pequeño papel en And Then the Liberty Bell Rang (1954) Toshio Sugie, una biografía del educador Fukuzawa Yukichi.
Su gran oportunidad llegó cuando fue seleccionado como el buzo marino Hideto Ogata en el Godzilla original, Japón bajo el terror del monstruo (1954) Hideo Ogata. Se convirtió en un actor popular en Tōhō por su buena apariencia y carácter carismático y sofisticado.
Actor popularizado en las décadas de 1950 y 1960 por sus numerosos papeles en películas de ciencia ficción, continuó su asociación con la serie de Godzilla en Mothra vs. Godzilla (1964) Ishiro Honda, Kaijū Daisensō (Los monstruos invaden la Tierra) (1965) Ishiro Honda, y Gojira, Ebira, Mosura Nankai no Daikettō (Los monstruos del mar) (1966) Jun Fukada. Sus papeles en películas de ciencia ficción y kaiju eiga (películas de monstruos gigantes) incluyen Frankenstein vs. Baragon (1965) Ishiro Honda.
Actor muy popular en Japón, también actuó en varias películas estadounidense-japonesas como Latitude Zero (1969). Sin embargo, su carrera se ralentizó a partir de la década de 1970 .
En 1966, Akira Takarada se casó con Akiko Kojima , la primera Miss Universo de Japón , y se divorciaron en 1984. Su hija mayor, Michiru Kojima, es cantante.
Regresó a la franquicia Godzilla en 1992 con Godzilla vs. Mothra (1992) Takao Okawara y apareció nuevamente en Godzilla: Final Wars (2004) Ryuhei Kitamura. También estuvo en una escena eliminada en la película de Godzilla (2014) Gareth Edwards.
Otras películas de ciencia ficción/ efectos especiales de Tōhō en las que apareció incluyen Half Human (1955) Ishiro Honda, The Last War (1961) Shue Matsubayashi, King Kong Escapes (1967) Ishiro Honda.
Takarada también fue una presencia asidua en el teatro, y un actor de doblaje fundamental para las importaciones de Hollywood.
De este modo puso voz a Rex Harrison en My Fair Lady (1964) George Cukor cuando llegó al mercado japonés, haciendo lo propio con los villanos Ratigan y Jafar en Basil, el ratón superdetective (1986) John Musker, Ron Clements, Burny Mattinson, David Michener y Aladdin (1992) Ron Clements, John Musker. A este hechicero, por cierto, volvió a doblarle en la franquicia de videojuegos Kingdom Hearts, y uno de sus últimos créditos en dicho campo fue adaptar la voz de Ian McKellen cuando Cats (2019) Tom Hooper se estrenó en Japón.
Tōhō preparó una producción musical de Lo que el viento se llevó con el compositor y letrista de Broadway, Harold Rome para su nuevo teatro Teigeki en 1970. Titulada Scarlett, Takarada originalmente estaba programada para interpretar el papel de Rhett Butler. Sin embargo, las lesiones sufridas en un accidente en el que se cayó de una excavadora durante el rodaje le impidieron participar en esta producción teatral.
Debido a esta lesión desde hace años Takarada sufría intensos dolores en la región lumbar que lo hacían volver una y otra vez al hospital. La última aparición del actor en público fue el 10 de marzo cuando se presentó en silla de ruedas en una conferencia de prensa para celebrar el estreno de Yononaka ni Taete Sakura no Nakariseba (Si no hubiera flores de Cerezo en el mundo) (2022) Goto Yosuke, última película en la que el actor tuvo un rol protagónico. Falleció el 14 de marzo de 2022.
Obituario: Peter Bogdanovich nació en Kingston, Nueva York el 30 de julio de 1939 y falleció en la ciudad de Los Ángeles el pasado 6 de enero de 2022. Hijo de inmigrantes que huyeron de los nazis. Su padre era un pintor y pianista serbio siendo cristiano ortodoxo, mientras que su madre descendía de una rica familia judía austriaca.
Durante los años 50’s fue actor, estudiando el método interpretativo de la legendaria Stella Adler, y tuvo apariciones en televisión y en obra de teatro. a principio de los 60’s adquirió relevancia al programar diversas películas en el museo MOMA en New York, donde preparó una antología de películas sobre Orson Welles y Howard Hawks y a la vez fue forjándose como un prestigioso crítico de cine.
Junto con su esposa, se trasladó a Los Ángeles donde, gracias a su insistencia con los publicistas, conseguía invitaciones para fiestas y estrenos. En el pase de una película, Roger Corman, coincidió con el director que se encontraba sentado detrás de él, mencionando que le había gustado un artículo de cine suyo en Esquire.
Como consecuencia de esta conversación, Corman le propuso un trabajo como director, que aceptó sin parpadear. Trabajaron en la aclamada Targets (El héroe anda suelto) (1968) y en Voyage to the Planet of Prehistoric Women (1968). Posteriormente, en una entrevista, Bogdanovich mencionó que Corman y su compañía habían sido la mejor escuela de cine posible, cuando hizo su primera película en tres semanas.
Mientra empezaba su carrera en el cine, realizaba trabajos como periodista lo que le permitió entablar una larga amistad de por vida con Orson Welles desde que lo entrevistó al inicio en el set de la adaptación de Catch-22, (1970) Mike Nichols, a partir de la novela de Joseph Heller. Bogdanovich, con sus escritos, tuvo finalmente un gran papel en divulgar la obra de Welles.
En 1971, Bogdanovich fue aclamado por la crítica como un «wellesiano» niño prodigio cuando se estrenó su filme más célebre, The Last Picture Show (La última película) (1971). Recibió ocho candidaturas a los Oscar, entre ellas la de mejor director. La actriz Cloris Leachman y el veterano actor Ben Johnson obtuvieron los premios como mejores intérpretes de reparto. Bogdanovich, que había contado con la hasta ese momento modelo Cybill Shepherd para un papel protagonista, se enamoró de la joven belleza, asunto que condujo a su divorcio de la diseñadora de decorados Polly Platt, su colaboradora artística durante muchos años y madre de sus dos hijos.
A esta película le sigió el gran éxito What’s up Doc? (¿Qué me pasa, doctor?) (1972), con Barbra Streisand y Ryan O’Neal. A pesar de sus homenajes al cine clásico, Bogdanovich se labró su categoría de director estrella al lado de otros como Francis Ford Coppola o William Friedkin, con quienes formó The Directors Company, un generoso acuerdo de producción con Paramount Pictures que daba a los directores carta blanca mientras se ciñeran al presupuesto. Bajo esta entidad se produjo el siguiente éxito de Bogdanovich, la aclamada Paper Moon (Luna de papel) (1973).
Paper Moon, una comedia de tiempos de la Depresión con Ryan O’Neal, que consiguió que la hija de 10 años de este, Tatum O’Neal, ganara el Oscar a la mejor actriz secundaria, marcaría el punto culminante de la carrera de Bogdanovich. Forzado a compartir los beneficios con sus colegas directores, Bogdanovich quedó insatisfecho con el trato. Así pues The Directors Company sólo produciría dos películas más, la aclamada La conversación, Francis Ford Coppola (1974) que fue candidata al Oscar de ese año y que le dio el premio al mejor director, y Daisy Miller (1974), de Bogdanovich.
Con esta adaptación de la novela de Henry James, Daisy Miller (Una señorita rebelde) (1974) supuso el principio del fin de la carrera de Bogdanovich como director popular y aclamado. La película, protagonizada por Shepherd, la novia de Bogdanovich en ese momento, fue vapuleada por la crítica y fue un fiasco en taquilla.
La siguiente película de Bogdanovich, At Long Last Love (1975), adaptando un musical de Cole Porter, que también fue protagonizado por Cybill Shepherd, fue calificada por los críticos como una de las peores películas de la historia. El filme fue, además, un fracaso en taquilla, a pesar de contar con Burt Reynolds, una superestrella de finales de los 70’s.
Durante el rodaje de la película insistió en rodar los números musicales de At Long Last Love en directo, un método no usado desde los primeros tiempos del cine sonoro, cuando el ingeniero de sonido Douglas Shearer desarrolló la sincronización de labios en Metro-Goldwyn-Mayer. La decisión fue criticada ya que ninguno de los protagonistas era célebre por sus habilidades como cantante, pero el mismo Bogdanovich ya había producido un álbum de Shepperd cantando temas de Porter en 1974.
Posteriormente rodó Nickelodeon (Así se formó Hollywood) (1976), una comedia que hacía recuento de los primeros tiempos de la industria cinematográfica, juntando a Ryan y Tatum O’Neal, con Reynolds. Aconsejado acerca de no emplear a la impopular entre los críticos Cybill Shepperd, eligió en su lugar a la debutante Jane Hitchcock como la cándida de la película. Desgraciadamente la magia de Paper Moon era irrepetible, y Jane Hitchcok solo haría una película más en su carrera.
Tras una pausa de tres años, volvió con un interesante Saint Jack (1979), pero de éxito crítico y comercial limitado, producida por Playboy Productions de Hugh Hefner. Su largo romance con Shepherd había acabado en 1978, aunque el trato hecho con el productor Hefner era parte de un acuerdo judicial sobre unas fotos de desnudos de The Last Picture Show «pirateadas» en por la revista Playboy.
Estrenó después la película They All Laughed (Todos rieron) (1981), una comedia de bajo presupuesto con Audrey Hepburn y Dorothy Stratten, quien fuera cantante y Miss Playboy en 1980. En el rodaje, se enamoró de Dorothy Stratten, que estaba casada con el buscavidas Paul Snider, quien dependía financieramente de ella. Stratten quiso vivir con Bogdanovich, y cuando le contó a Snider que lo abandonaba, este la mató y luego se suicidó.
Este suceso provocó una gran depresión que le duró tres años. They All Laughed no atrajo al distribuidor, debido al asesinato, a pesar de ser una de las pocas películas hechas por Audrey Hepburn tras su provisional retiro de 1967, y a la postre sería la última que Hepburn estrenaría como protagonista. Bogdanovich compró los derechos del negativo para difundir la película, pero tuvo un estreno limitado con flojas críticas, y le hizo perder millones de dólares, hasta llevarle a la bancarrota.
Debido a estos acontecimientos, retornó a su primera vocación, la escritura, para escribir sobre su fallecido amor en The Killing of the Unicorn, Dorothy Stratten 1960-1980, publicado en 1984. El libro era una respuesta al artículo de Teresa Carpenter «Death of a Playmate», que cargaba contra Bogdanovich y Hefner, afirmando que Stratten era casi tan víctima de ellos dos como de su asesino Snider. El artículo sirvió de base a la película Star 1980 (1983) de Bob Fosse, en la que Bogdanovich era reflejado como el ficticio director Aram Nicholas. La carrera de Bogdanovich como director importante estaba acabada, aunque obtuvo un éxito modesto con Mask (1985) en donde aparecía Cher como cabeza de reparto.
Su reputación personal sufrió por rumores maliciosos tras su matrimonio con Louse Hoogstraten, la hermana menor de Dorothy Stratten, tres años después de su fallecimiento. La idea de que procuró modelar a Louse Hoogstraten a imagen de su hermana fue desmentida por Bogdanovich. El matrimonio, que duró trece años, acabó en divorcio en 2001.
Tras una etapa apartado de la dirección, nuevamente se pone detrás de las cámara para rodar Texasville (1990), secuela de su The Last Picture Show, donde contaba con Jeff Bridges y cybill Shepherd, la película supuso cierta decepción para la crítica y el público. En 1992 dirigió dos películas de cine, ¡Qué ruina de función! (Noises Off) (1992) una comedia de moderado éxito y The Thing Called Love (Esa cosa llamada amor) (1993), pero su fracaso lo apartó de la gran pantalla hasta el año 2001.
En 2004 estrenó The Cat’s Meow (El maullido del gato) (2004), en esta ocasión la trama se centraba en el tema del pasado, esta vez en el supuesto asesinato del director Thomas Ince por el magnate William Randolph Hearst, quien ya había sido retratado en Ciudadano Kane (1941) Orson Welles. The Cat’s Meow (El maullido del gato) fue un modesto éxito de crítica pero un fracaso en taquilla.
Continuo trabajando en la década del 2010, su último trabajo de ficción fue She’s Funny That Way. (Terapia en Broadway) (2014) estrenada en el Festival de Venecia y su despedida del documental fue en 2018 con The Great Buster (2018), un trabajo que recorría la obra y trayectoria de Buster Keaton.
A pesar de las 13 nominaciones a los Oscars que recibieron sus films de esa época, el director no consiguió nunca más estar a la altura de aquel éxito y sus creaciones posteriores disfrutaron de una repercusión más escasa. Bogdanovich es considerado uno de los primeros críticos cinematográficos norteamericanos
Formó parte de la oleada del Nuevo Hollywood junto a William Friedkin, Brian De Palma, George Lucas, Martin Scorsese, Michael Cimino y Francis Ford Coppola.
Como crítico cinematográfico y su amor por el Hollywood clásico lo llevó a dialogar mano a mano con maestros como Alfred Hitchcock, Orson Welles, John Ford, Howard Hawks, James Stewart y John Wayne. Muchas de esas conversaciones quedaron plasmadas en ensayos fílmicos o en libros como Who The Devil Made It: Conversations with Legendary Film Directors y Who the Hell’s in It: Conversations with Hollywood’s Legendary Actors. También rodó documentales como Directed by John Ford (1971), otro sobre el músico Tom Petty, Runnin’ Down a Dream (2007) y el apuntado cierre de su filmografía sobre Buster Keaton.
El director y guionista de cine Mario Camus (Santander, 20 abril 1935 – 18 septiembre 2021) galardonado con el Goya de Honor de la Academia de cine en 2011 y ganador del Oso de Oro en el Festival de cine de Berlín en 1983 por La colmena (1983), la filmografía del director cántabro destaca por su maestría a la hora de realizar adaptaciones de obras literarias.
Su nombre estará siempre ligado al de Miguel Delibes, por la película Los santos inocentes (1984), y a Camilo José Cela por su adaptación de La colmena (1982). Debutó con una adaptación de Daniel Sueiro y también ha trasladado al lenguaje audiovisual a Ignacio Aldecoa, Jorge Semprún y Rafael Azcona, entre otros.
Nada más finalizada la Guerra Civil, inició sus estudios al tiempo que fue descubriendo el mundo del cine a partir de las sesiones que podía ver en los locales que se improvisaron entonces. La lectura fue otra de sus pasiones de niño. Estudió Derecho en Madrid hasta que Basilio Martín Patino y la revista italiana Cinema Novo orientaron sus pasos hacia el Instituto de Investigaciones y Experiencias Cinematográficas, la escuela de cine oficial de la época, en la que ingresó en 1956.
En su etapa de estudiante colaboró en el guion de Los golfos (1960) Carlos Saura. Fue una época en la que su trabajo le alejó del IIEC, en donde realizaría varias prácticas finalizaría su carrera en 1962 con una práctica que tituló El borracho (1962)
Tras colaborar en varios cortometrajes, Ignacio Iquino le contrató para dirigir Los farsantes (1963), una historia centrada en el drama de la vivencia diaria de un grupo de cómicos por los caminos de España; su estreno no tuvo la repercusión necesaria para que todo el mundo hablara de Camus como joven director del que cabía esperar muchas cosas.
Plasmó un nuevo tema realista al poder dirigir su propio guion, Young Sánchez (1963), sobre el mundo del boxeo, que le valieron una serie de premios. Esta trayectoria personal seguiría su proyección en películas como Con el viento solano (1965) o Los pájaros de Baden Baden (1975), en las que colaboró con el escritor Ignacio Aldecoa.
Afrontó proyectos comerciales como son las películas interpretadas por el cantante Raphael en Cuando tú no estás (1966) o Digan lo que digan (1968), y obras de género como el western La cólera del viento (1970), o las historias de amor conflictivo Volver a vivir (1968) y La joven casada (1975) con Ornella Muti o con Sara Montiel en Esa mujer (1969).
Trabajó para TVE, donde dirigió varios documentales de la serie Conozca usted España, Históricos del balompié, Cuentos y leyendas, Si las piedras hablaran y Los camioneros. De la televisión no se desvinculó con los años, y fue en este medio donde ofreció, también, una muestra de su buen hacer con la serie Curro Jiménez, que fue un hito de la programación de finales de los años setenta; Fortunata y Jacinta, una ajustada adaptación de la obra de Benito Pérez Galdós; Los desastres de la guerra, que partió de la serie homónima de aguafuertes de Goya para presentar la Guerra de la Independencia Española; y La forja de un rebelde, basada en la trilogía de Arturo Barea.
Su carrera dio un giro sorprendente con obras como Los días del pasado (1977), con Antonio Gades y Pepa Flores en el mundo de los maquis que resisten el acoso policial en sus últimos tiempos; pero también las versiones de las obras de Camilo José Cela La colmena (1982) y de Miguel Delibes Los santos inocentes (1984), de gran repercusión en España y en el extranjero, cosechando numerosos premios.
Mario Camus decidió, además de colaborar en guiones de coetáneos suyos, continuar con su línea personal que le llevó a La casa de Bernarda Alba (1986), en la versión del texto original que escribiera Federico García Lorca; La rusa (1987), una novela de Juan Luis Cebrián; Adosados (1996), sobre la novela de Félix Bayón; La ciudad de los prodigios (1999), sobre la novela de Eduardo Mendoza; y las historias diversas sobre realidades que se perciben en la sociedad española de la época: un pasado político que atenaza al personaje en Sombras en una batalla (1993), los negocios ocultos en Amor propio (1994) o la relación que se establece entre niños y adultos en El color de las nubes (1997), entre otras.
En 1994, ganó el Goya a Mejor Guion Original por Sombras en una batalla (1993), dirigida por Gonzalo Suárez. En su trayectoria profesional realizó también alguna incursión a la dirección escénica teatral destacando el montaje de ¿Por qué corres, Ulises? (1975), de Antonio Gala.
Entre sus últimos trabajos destacan el análisis del terrorismo de ETA presente en Sombras en una batalla (1993) y La playa de los galgos (2002) y las fábulas críticas con la sociedad capitalista Después del sueño (1992), Adosados (1996) y El color de las nubes (1998).
Detrás de las Cámaras: Blade (1998) Stephen Norrington
Wesley Snipes con el director de fotografía Theo van de Sande en el set Blade (1998) Stephen Norrington.
Brandon Lee estableciendo vínculos de unión con el protagonista alado durante el rodaje de The Crow (El cuervo) (1994) Alex Proyas. El animal era una hembra y responde al nombre de «Magic».
No se si os acordaréis de una serie fabulosa, creada por la BBC llamada «Sí, Ministro» y continuada después como «Sí Primer Ministro» son todo un compendio de la visión genérica y popular de una administración pública burocratizada. Son un ejemplo de muchos de los problemas que en mayor o menor medida se hacen patentes en toda gran organización que se precie, y en este caso concreto en la Administración Publica del Gobierno, durante el periodo de Thatcherismo que asoló el Reino Unido en la década de los 80 del siglo pasado (Es divertido eso de vivir entre siglos, y poder decir cosas como estas).
La serie «Sí, Ministro» (título original, «Yes, Minister«) es una comedia escrita por Antony Jay y Jonathan Lynn, y protagonizada por Paul Eddington, Nigel Hawthorne y Derek Fowlds. Fue emitida por primera vez por la BBC, en sus canales de televisión y radio, entre 1980 y 1984, dividida en tres series de siete episodios cada una.
Tuvo una secuela, titulada Sí, Primer Ministro (título original, «Yes, Prime Minister«), que se emitió entre 1986 y 1988. Con un episodio doble que unía ambas series llamado «Juegos políticos«, en donde se contaba el ascenso hasta el 10 Downing Street por parte del ministro. En total la serie se compone de 38 episodios, de los cuales todos salvo uno tienen una duración de media hora. En España fue emitida en su momento por TVE, en La2, cuando aún tenía la mosca de TVE2.
«La regla fundamental de la City decía que si se es incompetente hay que ser honrado y si se es granuja hay que ser listo. El razonamiento en que se basa dicha máxima es que si eres honrado, los amigos corren a echarte una mano si metes la pata en tus transacciones. Y, a la inversa: si eres un granuja, nadie te hará preguntas mientras obtengas beneficios substanciosos. La empresa ideal de la City era aquella que demostraba al mismo tiempo ser honrada y lista, pero de éstas había escasez.»
Los personajes centrales en “Sí, Ministro” corresponde a dos, al Ministro y al Secretario Permanente:
James Hacker, que tras ganar la elecciones por su circunscripción, espera ser nombrado Ministro de Agricultura, y es designado para la cartera de Asuntos Administrativos, cargo del que desconoce absolutamente todo, pero del que está dispuesto a cumplir las indicaciones de la Premier de recortar gastos e implantar una nueva ley conocida como «Gobierno Abierto» para hacer más transparente la gestión administrativa del mismo…. (Seguro que les suena de la actualidad actual) Pero, aún en su nuevo cargo, está más pendiente de su popularidad dentro del partido, y como ministro, que de las actividades del cargo.
Sir Humphrey Appleby es el Secretario Permanente del ministerio, cuyo objetivo es evitar que los ministros se entrometan demasiado en la labor de gobernar. Como máximo funcionario del departamento durante 25 años, les mantiene ocupados entregándoles montañas de papeles para firmar y manteniéndolos en la más profunda de las ignorancias sobre lo que sucede a su alrededor.
De este modo intenta que los funcionarios puedan hacer y deshacer a su antojo y que nada cambie mientras le da al ocupante del sillón la sensación de que está haciendo algo de provecho. Con frecuencia debe acudir en auxilio del Ministro para salvarle de situaciones embarazosas. Y que con la implantación del «Gobierno Abierto» ve dificultada la acción de manejar al gobierno que desde el funcionariado realiza, del que él es la cabeza visible, y con el cual ha obtenido gran multitud de menciones y gratificaciones.
La trama principal es la enconada lucha del Ministro por sacar adelante sus proyectos, al ser nuevo en el cargo llega con la ingenuidad de que será fácil. Pero pronto descubre que tiene que hacer frente a las tácticas dilatorias del Secretario Permanente. La clave la tenemos en una conversación que el ministro tiene con su predecesor en el cargo, al que saluda en la cafetería del Parlamento y que le informa de las cinco etapas de la Inercia Creativa del burocratismo, que ha aprendido durante su mandato y que os resumo, a continuación.
Primero el Alto Funcionario sostiene que la Administración está en los primeros meses y que hay una enorme cantidad de asuntos pendientes. Después si el Ministro insiste, le dice que comprende su buena intención: “ciertamente convendría hacer algo, pero ¿es este el camino indicado?
En caso de insistencia ulterior el Alto Funcionario cambia de terreno, del cómo al cuándo: “Ministro, este no es el momento conveniente por muchas razones”. Muchos ministros abandonan en esta tercera etapa, pero si no es así, se le dirá que existen dificultades técnicas, políticas o legales: “las dificultades legales son las mejores porque pueden ser absolutamente incomprensibles y eternas”, le dice su predecesor.
Como las primeras cuatro etapas han llevado tres años, la última consiste en declarar que, dada la proximidad de las elecciones, no es posible asegurar la aprobación del proyecto.
Jonathan Lynn, después de consagrarse en la televisión como guionista, quiso ser director y, con la fama obtenida en Inglaterra, se fue a Norteamérica y ha dirigido Monjas a la carrera (1990), Su distinguida señoría (1992), Mi primo Vinny (1992), Los codiciosos (1994) , El sargento Bilko (1996), No pierdas el juicio (1997), Falsas apariencias (1999), Power Rangers: La galaxia perdida (Serie de TV) (1999), Power Rangers a la velocidad de la luz (Serie de TV) (2000) , The Fighting Temptations (2003).
El éxito de estas películas ha sido moderado. Lo cual demuestra que ha habido guionistas que se han convertido en directores de cine extraordinarios- como Billy Wilder– y otros excelentes guionistas han sido directores mediocres. Frank Capra cuenta en su «Biografía» que su guionista, Robert Riskin, quería co-dirigir sus películas, puesto que él era uno de los mejores guionistas de Hollywood. Capra se negó y a cambio, le ofreció ayudarle en cualquier película que quisiera dirigir. Riskin murió en 1955 sin haber obtenido un éxito como director. Y a la inversa, Capra no volvió a tener éxitos con sus películas- excepto ¡Qué bello es vivir!– cuando su guionista no fue Robert Riskin.
Dinosaurios y efectos especiales, fósiles del séptimo arte, un recorrido por la evolución de los dinosaurios en el cine y como se han usado los efectos especiales para llevarlos a la vida vía Smokerwolf en su canal de YouTube.
The Lord of the Rings de J.R.R. Tolkien filmada en la URSS.
El señor de los Anillos de J.R.R. Tolkien fue adaptada en la Unión Soviética por la televisión de San Petersburgo en 1991. Tras años olvidada recientemente fue encontrada después de 30 años. La televisión de San Petersburgo la ha subido en 2 partes a su canal de Youtube.
Este telefilm basado en la novela de J.R.R. Tolkien fue filmado en 1991 por la televisión de Leningrado (actual San Petersburgo). El telefim dividido en dos parte Хранители (1991) fue dirigido por Natalia Serebryakova, y cuenta con la participación de los actores Valeriy Dyachenko, Viktor Kostetskiy, Georgiy Shtil.
Es otra adaptación soviética de la obra de Tolkien, pues anteriormente ya se adaptó la novela The Hobbit en 1985.
Detrás de las cámaras durante el rodaje de «Jurassic Park» (Steven Spielberg, 1993)