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Al Borde del Spoiler: La marca del Muerto (1961)

Al Borde del Spoiler: La marca del Muerto (1961) Fernando Cortés adapta a H.P. Lovecraft en el cine, con esta película mexicana.

Vamos a hablar de la que posiblemente sea la primera adaptación al cine de un relato de Lovecraft, en este caso, concretamente “El caso de Charles Dexter Ward” (1927-1928). En esta adaptación se deshace por completo del punto de vista de la magia negra de la novela, a favor de la pura ciencia de la mano del típico doctor loco del cine de los 50’s.

Se trata de una producción mexicana dirigida por el prolífico director mexicano, de origen portorriqueño, Fernando Cortés (1909-1979),

Al Borde del Spoiler: La marca del Muerto (1961) Fernando Cortés adapta a H.P. Lovecraft en el cine.

Componen su reparto Fernándo Casanova, Sonia Furio, Edmundo Espino, Aurora Alvarado, sobre un guión escrito por José María Fernández Unsain.

En la cinta Fernándo Casanova interpreta un papel doble, por una parte al científico loco Juan Malthus, ambientado en 1860, que aparece al inicio de la cinta, y a Gonzalo Malthus descendiente de éste, ya entrado en los años 60 del siglo pasado. Y narra las maquinaciones por parte del antepasado de los Malthus por conseguir un elixir de la vida eterna, cuyo principal ingrediente es la sangre de mujeres jóvenes no mayores de 25 años. Así el jóven Gonzalo descubre los estudios de su antepasado y decide comprobar si sus resultados son ciertos, provocando con ello el regreso desde la muerte de su antepasado, lo que originará problemas morales en el joven médico y pondrá en riesgo la vida de su prometida.

Al igual que muchas películas de terror mexicanas de su época, La marca del muerto tomó premisas e ideas que ya se habían visto en el cine de Hollywood, al que le añade nuevas e interesantes formas. La fotografía en blanco y negro, es muy limpia y juega muy bien con las luces y sombras, y Fernando Cortés muestra una buena cantidad de imaginación visual más que el cineasta estadounidense medio en su rango de sueldo.

Por su parte, el actor Fernándo Casanova (1925-2012), es muy conocido en la cinematografía mexicana con importante películas, interpretando a un icono de la cultura mexicana como “El Santo” o trabajando con Luis Buñuel en El (1953). Incluso forma parte del libro de récords Guinness debido a su fascinante e increíble trayectoria como actor al haber interpretado más de 300 películas como “actor estrella que tiene más interpretaciones en el cine nacional y en el extranjero”.

Posteriormente, el productor estadounidense Jerry Warren (1925-1988) compró la cinta y la retocó para estrenarla en los EE.UU. de este modo gran parte de la esencia lovecraftiana del film original se fue al garete. Warren comenzó en el mundo del cine como actor y se convirtió en un productor después de darse cuenta que eran estos los que hacían mayor cantidad de dinero en el negocio. Así que se dedicaba a comprar películas mexicanas que estrenaba en EEUU añadiendo o eliminando metraje según conveniese.

La película llegó a los cines estadounidenses con el título Creature of the walking dead (1965). Modificó los diálogos al inglés, reordenó los segmentos, al menos en cierta medida, sin duda, extirpó una cierta cantidad de material de archivo por completo, y luego fue insertando nuevas escenas filmadas con un reparto y el equipo propio. En otras palabras, el método de Warren era muy parecido a lo que tantas veces se ha hecho con las importaciones japonesas de la época.

Incluso añadió un nuevo elenco de actores estadounidense alengando que necesitaba un elenco de caras blancas, pese a que en el fin original todos los actores eran de apariencia caucásica, así en los títulos de crédito aparecen Rock Madison, Ann Wells, George Todd,  Willard Gross. Además, la versión estadounidense cuenta asombrosamente con poco doblaje convencional, al parecer porque Warren no tenía ganas de contratar a más de una voz y actor de cada género para la tarea. Así la mayoría de las veces, nos conformamos con escuchar una voz en off del protagonista, tanto si él está presente en la escena o no. El momento más asombroso en toda la película llega cuando el protagonista y su prometida tienen su primer enfrentamiento, en lugar de escuchar la conversación entre ellos, como lo haríamos en cualquier película, es la voz en off del protagonista quien resume el diálogo original, que se escucha en español.

@WormHolePro

Obituario: The Shaw Brothers presenta…

El pasado día 7 de enero fallecía Run Run Shaw, a la edad de 107 años. Shaw era el último de los hermanos Shao que quedaba con vida. Ellos fueron los responsables del conocido e importantísimo estudio cinematográfico chino Shaw Brothers, fundado en Hong Kong en 1958 a partir de la productora Tianyi Film Co., creada a su vez en 1925 y una de las pocas supervivientes de la guerra chino-japonesa.

Los hermanos Run Run Shaw (1907-2014), Runme Shaw (1901-1985), Runde Shaw (1899-1973) y Runje Shaw (1896-1975), fundaron la productora Tianyi Film Co. en 1925. Tras una serie de refundaciones y fusiones se establece definitivamente en Hong Kong en 1940 con el nombre de Shaw Company, pero es en 1958 cuando Run Run Shaw toman el control del estudio pasando a denominarse Shaw Brothers y bautizó los inmensos terrenos de la Bahía de Clearwater donde se encontraban los estudios con el nombre de Movietown en 1961. Allí instaló también fábricas de vestuario y escuelas de interpretación y artes marciales, y casas donde comía y dormía el personal de la compañía. Para promocionar los estudios contrató al director publicitario Raymond Chow, al que ascendería a jefe de producción en 1962.

La primera película oficial del estudio fue “The Kingdom and the Beauty” (1959) de Li Han Hsiang, que fue también la primera filmada en color en Hong Kong.

Durante los años 60 produjeron infinidad de películas, arrasando en taquilla por todos los países del Sudeste Asiático. En su nomina tenían directores de gran talento como Chang Cheh, King Hu, Chu Yuan, Liu Chia Liang, o estrellas como Wang Yu, David Chiang, Ti lung o Cheng Pei Pei. En co-producción con otros países como el Reino Unido hicieron “Kung Fu contra los 7 vampiros de Oro” (1974) de Roy Ward Baker, muy alejada en calidad a sus mejores películas.

Shaw Brothers, produjo más de 1.000 películas durante más de cinco décadas, desde musicales y comedias románticas hasta cintas de acción. El estudio llegó en su día a contar con más de la mitad de los ingresos de las taquillas asiáticas. Pero Shaw nunca pudo atraer a la estrella más rutilante del género: Bruce Lee. El productor no consiguió que el actor chino-estadounidense firmase para protagonizar una película en su compañía, ya que este prefirió unirse a Golden Harvest.

En 1971 comienza el declive del estudio al irse muchas de sus estrellas a otra compañía, Golden Harvest, fundada por un antiguo empleado suyo, Raymond Chow, donde les pagaban mejores salarios y tenían mejores condiciones laborales. En 1972 entran en bancarrota y aunque luego siguieron unos años ya el declive era evidente y nunca más volverían los buenos tiempos.

De sus hornos surgieron obras míticas como la trilogía “Come drink with me” (Da zui xia, 1966), “Dragon Inn” (Long men kezhan, 1966) y “Touch of Zen” (Xia Nü – Hsia nu, 1967), aunque también podemos destacar otros films como “El espadachín nanco” (Dubei Dao, 1967), “El retorno del espadachín manco” (Du bei dao wang, 1969), “La furia del tigre amarillo” (Xin du bi dao, 1971), “Los cinco venenos” (Wu du – Ng Duk, 1978) o “Golden Swallow” (Jin yan zi, 1968).

Run Run Shaw también se aventuró en el mercado internacional siendo co-productor de la ya mencionada “Kung Fu contra los 7 vampiros de Oro” (The Legend of the 7 Vampires, 1974) o la mítica “Blade Runner” (1982).

Al Borde del Spoiler: El Hobbit (1966) 

Al Borde del Spoiler: El Hobbit (1966) 

Para ser un poco friki… aquí os dejo la primera adaptación de la novela “El hobbit“ (1966) de JRR Tolkien, por el director norteamericano Gene Deitch.

Animada en Checoslovaquia durante la década de los 60’s. Cuenta con ilustraciones de Adolf Born, la película estuvo perdida durante décadas hasta su redescubrimiento a principios de 2012. Adaptación bastante libre, aunque fiel en su idea principal. Fue la primera versión de la película de dibujos animados de “El Hobbit”, de J. R. R. Tolkien, una película de unos 12 minutos que fue rechazada por los productores.

El dibujante Adolf Born (České Velenice, 12 de junio de 1930), entre 1949 y 1955 estudió artes plásticas en la Facultad de Pedagogía de la Universidad Carolina de Praga. Desde los años 1960 sus obras han sido exhibidas en todo el mundo y ha recibido varios premios, entre ellos el GranPrix de la Exposición universal de caricatura en Montreal en 1964.

Su trabajo se centra sobre todo en la obra gráfica, la técnica del grabado a punta seca, el aguafuerte y la litografía. En su obra aparecen animales extraños, figuras atípicas, hombres con sombreros de copa, damas conescotesprofundos y motivos exóticos. Entre sus obras más famosas destacan las ilustraciones de libros para niños del autorMilošMacourek (Machy Šebestová, La mona Žofka). Ilustró El náufrago del Cynthia de Julio Verne, Los tres mosqueteros de Alejandro Dumas, etc.

Fue el diseñador de vestuario y decoración de una de las interpretaciones de la ópera “El diablo y Catalina” de Antonín Dvořák, representada en el Teatro Nacional de Praga.

En total ilustró 220 libros y realizó 70 películas de dibujos animados. Publicó cinco libros de caricaturas y obras gráficas. Ha organizado más de 70 exposiciones individuales y ha participado en numerosas exposiciones colectivas tanto en la República Checa como en varios países del mundo.

El asteroide 17806 Adolfborn fue llamado así en su honor.

Por su parte, Gene Deitch (8 de agosto de 1924 en Chicago, Illinois, Estados Unidos) es un ilustrador, animador y director estadounidense, ganador de un premio Oscar. Entre 1945 y 1951 Deitch fue un colaborador frecuente de “TheRecord Changer”, una revista de jazz. Ha producido dibujos animados para estudios como UPA/Columbia (Tom Terrific), MGM (Tom y Jerry), y Paramount Pictures (Nudnik).

Desde 1968, Deitch ha sido el director de la organización de Connecticut, Weston Woods/Scholastic, adaptando libros infantiles. En 2004, fue premiado con el “Annie” porASIFAHollywood por su trabajo en el arte de la animación.

Sus hijos Kim Deitch y Simon Deitch fueron destacados artistas en el ambiente de los cómics. Otro hijo, Seth Deitch escribe ficción, generalmente para publicaciones clandestinas.

Deitch ha vivido en Praga desde 1961 donde trabaja como un director de animación independiente. Escribió sus memorias, «For the Love of Prague«, basado en su experiencia de ser “el único estadounidense libre en Praga durante 30 años de comunismo”.

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Obituario. Joan Fontaine

OBITUARIO: JOAN FONTAINE

Joan de Beauvoir de Havilland, más conocida como Joan Fontaine (Tokio, Japón, 22 de octubre de 1917 – Carmel-by-the-Sea, California, 15 de diciembre de 2013), actriz estadounidense de origen británico. Ganadora de un premio Óscar por la película “Suspicion (Sospecha)” (1941) y protagonista de la película “Rebeca” (1940). Se convirtió en ciudadana estadounidense en abril de 1943. Hermana de Olivia de Havilland. oan hizo su debut sobre los escenarios en la producción “Call It A Day” en 1935 y pronto recibió una oferta para firmar un contrato con la RKO.

Su debut en el cine fue un pequeño papel en la película “No más mujeres” (1935). También fue seleccionada para aparecer en la primera película de Fred Astaire sin Ginger Rogers para la RKO: “Señorita en desgracia” (1937), que fue un fracaso.

Su suerte cambió una noche en la que asistía a una cena donde se encontraba sentada cerca del productor David O. Selznick. Durante la cena, ella y Selznick hablaron sobre la novela de Daphne du Maurier “Rebeca”. A raíz de la charla, Selznick le pidió que hiciera una audición para el papel de la heroína anónima. A partir de ese momento aguantó seis meses de pruebas y audiciones junto con cientos de actrices, hasta que se aseguró interpretar el papel.

La película “Rebeca” (1940) supuso el debut en el cine estadounidense del director británico Alfred Hitchcock. Joan fue candidata al premio Óscar a la Mejor actriz.

Su éxito continuó durante los años 1940, cuando destacó en algunos melodramas románticos. Entre sus películas más memorables están “La ninfa constante” (1943), “Alma rebelde” (1944), “Abismos” (1947) o “Carta de una desconocida” (1948). Durante los años 50 su éxito decreció un poco y empezó a aparecer en la televisión y en el teatro. En 1954 protagonizó en Broadway junto a Anthony Perkins la obra “Tea and Sympathy”, por la que obtuvo muy buenas críticas, y en 1956 participó en el melodrama musical “Serenade”, junto al tenor Mario Lanza, Vincent Price y Sara Montiel.

Durante los años 1960, continuó trabajando en el teatro, donde apareció en obras como “Vidas privadas”, “Cactus Flower” y la producción austriaca de “El león en invierno”. Su última película fue “The Witches” (1966), la cual también coprodujo. A partir de entonces realizó apariciones esporádicas en la televisión durante los años 70 y 80 y fue candidata a un Emmy por la telenovela “Ryan’s Hope” en 1980.

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Obituario. Peter O’toole

OBITUARIO: PETER O’TOOLE.

Peter Seamus Lorcan O’Toole (2 de agosto de 1932, Connemara, Irlanda – 15 de diciembre de 2013, Londres, Inglaterra) fue célebre sobre todo a partir de su representación del personaje central de la película Lawrence de Arabia” (1962).

Durante los sesenta y setenta, O’Toole realizó importantes interpretaciones: What’s New Pussycat?” (1965), La Biblia” (1966), de John Huston; La noche de los generales” (1966), La guerra de Murphy” (1971), y El hombre de La Mancha» (1972), con Sophia Loren, pero ninguna llegó a superar el cenit alcanzado en Lawrence de Arabia.

También se mostró como activo oponente a la Guerra de Vietnam. A finales de los años 70 estuvo a punto de perder la vida debido a problemas de alcoholismo, y tuvo que someterse a una cirugía para extirparle parte de su estómago e intestinos. Dado que su páncreas resultó gravemente afectado, pasó a convertirse en dependiente de la insulina. También contrajo una enfermedad aparentemente mortal de la sangre, aunque posteriormente se recuperó y poco a poco retomó su carrera de actuación, aunque sin el éxito de años anteriores.

En 1979 participó en la polémica Calígula», junto a Malcolm McDowell y Helen Mirren, película a la que su productor añadió escenas “pornográficas” en contra de los deseos de su director. Incluso estuvo nominado para el Premio Razzie (antítesis del Óscar), por la peor actuación en 1984, por su papel en Supergirl” (1984).

Tras varios papeles alimenticios en películas comerciales, O’Toole recuperó auge con El último emperador” (1987), de Bernardo Bertolucci, y participó en la superproducción Troya” (2004), protagonizada por Brad Pitt.

Ha sido nominado 8 veces al Óscar, sin éxito, por: “Lawrence de Arabia» (1962), ”Becket“ (1964), ”El león en invierno» (1968), “Adiós, Mr. Chips» (1969), ”La clase dirigente“ (1972), ”Profesión: el especialista“ (1980), ”Mi año favorito“ (1982) y ”Venus“ (2007), y sin embargo terminó por ganar la estatuilla por su trayectoria, en la edición del año 2003. Al inicio se mostró reticente a recibir el premio de la Academia de esta forma, e incluso solicitó más tiempo para ganar el Óscar por un papel en una película, pero ante la insistencia de sus hijos cambió de opinión y se hizo presente en la ceremonia para aceptar su premio.

Estuvo casado con la actriz irlandesa Siân Phillips de 1958 a 1979, y con ella tuvo dos hijas: Kate y Patricia. Si bien luego formó pareja con la modelo Karen Brown y tuvo a otro hijo, Lorcan Patrick, O’Toole nunca se volvió a casar, probablemente debido a sus creencias católicas relacionadas con el divorcio.

Entabló amistad con la estrella estadounidense Rose McGowan tras trabajar juntos en el filme ”Phantoms“ (1998). Además de mantener una buena relación en el set de rodaje, la actriz afirmó que solían quedar para hablar y tomar el té, lo que consideraba un verdadero honor. Peter afirmó que sigue carteándose con ella a menudo.

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Sax Rohmer y Fu Manchu. 

Sax Rohmer fue un prolífico escritor inglés de misterio, cuyo verdadero nombre era Arthur Henry Sarsfield Ward (15 de febrero de 1883 – 1 de junio de 1959), nacido en Birmingham, de padres irlandeses. Es conocido por su creación del maestro criminal, Dr. Fu Manchu y sus oponentes Denis Nayland Smith, el Dr. Petrie, llamado después el egiptólogo Flinders Petrie, y la hermosa Karamaneh, la mujer de los sueños de Petrie.

Sax Rohmer y su principal obra: Fu Manchu.

Adoptó el nombre de Sarsfield a los 18 años, impresionado por las alcohólicas reclamaciones de su madre de descender del famoso general irlandés del siglo XVII, Patrick Sarsfield. Después explicaría que su pseudónimo “sax” significaba “filo” en sajón, y “rohmer” significaba “vagabundo”. Su primer relato “La momia misteriosa” (1903) apareció en una revista, su primer libro “¡Pausa!” en 1910, y su primera novela de Fu Manchú, “El misterio del Dr. Fu Manchu” tres años después.

Obtuvo un éxito inmediato. Durante los siguientes años, las historias se publicaron en colecciones, pero al final del tercer libro, “The Si-Fan Mysteries” (1917), Fu Manchú perecía ahogado. En 1915, Rohmer inventó un personaje detectivesco, Gaston Max, que apareció por primera vez en “La garra amarilla”. Otra serie de personajes interesantes era la del detective de lo oculto Morris Klaw, y la de Sumuru, una dama cortada por el mismo patrón de Fu Manchú.

En el período de 1920 a 1930, Rohmer fue uno de los más leídos y mejor pagados escritores de magazines en lengua inglesa. Realizó además, trabajos para el teatro, y creó las letras de numerosas canciones. El interés de Rohmer por la mística y el ocultismo le llevaron a hacerse miembro de una organización oculta, que incluía a miembros tales como Aleister Crowley y William Butler Yeats.

Sus relatos sobrenaturales incluyen “Brood of the witch Queen” (1918) en el cual una momia egipcia es revivida para practicar antiguos conjuros en el mundo actual, y “Cara gris” (1924), en el que una supuesta reencarnación de Cagliostro provoca el caos.

La serie de Fu Manchu comenzó de nuevo, tras algunos años de silencio, con “La hija de Fu-Manchu” (1931). Tras la II Guerra Mundial Rohmer se mudó a Estados Unidos. Entre los últimos trabajos de Rohmer destacan “Hangover house” (1949), basado en una obra de teatro nunca representada de finales de los 30, y la serie de Sumuru, cinco novelas publicadas entre 1950 y 1956. Sax Rohmer murió de una combinación de neumonía e infarto, el 1 de Junio de 1959.

Sax Rohmer y su principal obra: Fu Manchu.

Las historia de su personaje más emblemático, Fu Manchu, están ambientadas a principios del siglo XX y empleando elementos de aventuras, misterio y ciencia-ficción, las historias de este megalómano chino de gran inteligencia y con poderes hipnóticos, se centran en sus planes por tratar de dominar y destruir a la humanidad, contando para ello con la ayuda de su bella y malvada hija, y de amplio grupo de sirvientes que manejan la más avanzada tecnología científica. Afortunadamente, el comisario de Scotland Yard Nayland Smith, y su fiel ayudante el Dr. Petrie (en clara alusión a Sherlock Holmes y Watson), lograrán desbaratar sus planes.

El personaje de Fu Manchu fue llevado al cine debido a su popularidad. La primera serie de películas fue producida en Gran Bretaña durante el cine mudo. Entre 1923 y 1924 H. Agar Lyons protagonizó un total de 23 films, siendo la primera “The Fiery Hand” (1923) de A.E Coleby, y la última “Cragmire Tower” (1924) de Fred Paul. Los papeles de Nayland Smith y el Dr. Petrie fueron encarnados por Fred Paul y Humberston Wright, respectivamente.

La primera serie sonora fue esta trilogía de films norteamericanos con el sueco Warner Oland como Fu Manchú. En las dos primeras estuvo secundado por O. P. Heggie como Nayland Smith, y Neil Hamilton encarnando al Dr. Petrie. En la primera y segunda entrega, dirigidas por Rowland V. Lee, Fu Manchu logra desatar su odio a la raza blanca, acusándolos del exterminio de su esposa e hijo durante la Rebelión Boxer. Para ello, elaborará un diabólico plan en el que tendrá como principal arma a Lia Elthan (Jean Arthur), una joven de raza blanca que ha crecido bajo su tutela.

En la tercera película, dirigida por Lloyd Corrigan, Fu Manchú asume un papel más secundario, ya que la gran protagonista es su malvada hija Ling Moy (Anna Way Wong), la cual combatirá a todo aquel que pretenda oponerse a los planes de su padre. En un papel secundario encontramos a Sessue Hayakawa. Al margen de estos films, Warner Oland también dio vida al personaje en la película “Paramount on Parade” (1930), concretamente en un fragmento de ésta titulado “Murder Will Out”, donde se enfrentaba a los detectives Milo Vance (William Powell) y Sherlock Holmes (Clive Brooke).

La adaptación norteamericana dirigida por Charles Brabin y Charles Vidor. Un perfecto Boris Karloff asumió el papel de Fu Manchu, dispuesto a encontrar la tumba de Gengis Kahn. Su objetivo consiste en apoderarse de la máscara y la cimitarra del legendario emperador para luego iniciar una nueva revolución china que se oponga a la raza blanca.: «La máscara de Fu Manchu» (The mask of Fu Manchu, 1932) con Boris Karloff como el malvado oriental y Myrna Loy como su pérfida hija, tiene el aroma añejo de los seriales de los treinta, pero rodada en un estudio como MGM con más medios, un Karloff sublime y unas dosis de maña leche que sorprenden.

Sax Rohmer y su principal obra: Fu Manchu.

La primera tira de cómic diaria fue creada por Leo O’Mealia entre 1931 y 1933; y de la mano de DC Cómics, hizo su primera aparición en el número 17 de “Detective Comics” (1937). A partir de la publicación de Special Marvel Edition nº15 (1973) empieza a aparecer en Marvel Comics. En dicho cómic, donde también debuta Sir Denis Nayland Smith, se presenta a su hijo Shang-Chi, que protagonizaría varias series de Marvel en las que sería recurrente la presencia de Fu Manchú como enemigo de su hijo. El Doctor Petrie también aparecería con menor frecuencia. Tras la pérdida de derechos de Marvel para publicar a los personajes de Sax Rohmer, Fu Manchu ha continuado apareciendo con otros nombres.

Sax Rohmer y su principal obra: Fu Manchu.

En versiones cinematográficas más modernas ha sido el actor británico Christopher Lee quien le ha prestado su rostro e imponente altura. así intervino en una serie de películas: «El regreso de Fu-manchu» (1965) & «Las Novias de Fu-manchu» (1966) díptico que supone la entrada del personaje en la década de los 60 y el cine en color. Estas dos primeras tienen mucho aroma Hammer Films y fueron producidas por Harry Alan Towers. Christopher Lee borda el personaje, con un guion bien tramado, aumento de ración erótica y ambiente que captura muy bien el serialismo original.

En la saga cinematográfica de Fu Manchú puede encontrarse de todo. Desde obras maestras («La máscara de Fu Manchu») a películas correctas (“El regreso de Fu Manchu”) y títulos progresivamente peores, por no decir bodrios simpáticos. En su última etapa Harry Alan Towers, quien demostró ser un productor rata y pesetero, y al aliarse con Jess Franco -aventurado a rodar en cualquier condición y tiempos- encontró al director perfecto: Rápido y barato… De esta etapa surgen algunos títulos sencillamente demenciales como “El castillo de Fu-manchu” (rodada en el Parc Guell de Barcelona) o la “Fu Manchu y el Beso de la muerte”.

Sax Rohmer y su principal obra: Fu Manchu. 

También cuenta con una comedia paródica británico-norteamericana, “El diabólico plan del Dr. Fu Manchu” (1980) que fue dirigida por Piers Haggard y estuvo protagonizada por Peter Sellers, el cual asume el doble papel de Fu Manchu y Nayland Smith. En su 168 cumpleaños, Fu Manchú busca la manera de alcanzar la eterna juventud en el mundo contemporáneo. Para ello necesita un valioso diamante que será robado por su poderosa red criminal. Aunque como era de esperar, Nayland Smith tratará de detenerlo por enésima vez. En papeles secundarios encontramos a Helen Mirren, David Tomlinson y Sid Caesar.

Este film supuso la despedida cinematográfica de Peter Sellers, el cual falleció ese mismo año, y cuya enfermedad provocó que no pudiese rendir plenamente en su interpretación cómica y necesitase dobles en muchas escenas. Por todo ello el resultado artístico es bastante mediocre y los elementos de comedia no terminan de funcionar.

La última aparición del personaje hasta la fecha se produjo en la película de programa doble “Grindhouse” de Quentin Tarantino y Robert Rodríguez. Concretamente en “Werewolf Women of S.S.”, uno de los falsos trailers que completaron el film junto a las películas “Planet Terror” y “Death Proof”. Este fragmento fue dirigido por Rob Zombie, y Nicolas Cage encarnó brevemente Fu Manchú, involucrado en una serie de experimentos nazis relacionados con mujeres-lobo.

Rob Zombie’s «Werewolf Women of the SS» is a faux grindhouse trailer that was included in the 2007 «Grindhouse» double bill by Quentin Tarantino and Robert Rodriguez https://www.youtube.com/watch?v=xynLdCh2Uss

Werewolf Women of S.S. – Rod Zombie

Pierre Boulle, El planeta de los simios

-Tienen ahora toda la ciudad. En este reducto no somos más que unos cuantos centenares y nuestra situación es precaría. Formamos el último núcleo humano en los alrededores, pero los simios no tolerarán que estemos en libertad tan cerca de ellos. En los demás campos algunos hombres han huido lejos, a la selva; los otros se han rendido para tener qué comer para saciar el hambre. Aquí nos hemos quedado donde estamos, sobre todo por pereza. Dormimos. Somos incapaces de organizarnos para la resistencia…

Pierre Boulle, El planeta de los simios

Al Borde del Spoiler: La Nebulosa de Andromeda (1967)

Al Borde del Spoiler: La Nebulosa de Andromeda (Tummanost Andromedy) (1967) dirigida por Yevgeni Sherstobitov, con guion de Ivan Yefremov, basado en su propia novela homónima, publicada en 1957. A Yefremov se le reconoce el mérito de marcar un cambio de rumbo en la literatura fantástica soviética después de los años de plomo de Stalin – hasta ese entonces, los relatos tenían lugar en futuros muy cercanos y se centraban en detalles menores, como si la censura y la volatibilidad de la Guerra Fría se cerniera sobre la imaginación de los escritores coartando sus historias -.

Con La Nebulosa de Andrómeda Yefremov devolvía las visiones utópicas y el lirismo que siempre caracterizó a la ciencia ficción soviética, y en 1967 se planeó rodar una serie de filmes basados en su obra. Lamentablemente la película que nos ocupa no pasó de ser debut y despedida, y uno siente al final del relato que quedan personajes e historias descolgados, en espera de un futuro desarrollo. Aún sin ser exactamente auto conclusiva, “Tummanost Andromedy” es interesante, no sólo por los valores de producción (siempre de alta calidad en los filmes soviéticos), sino por tener un par de escenas de suspense bien construidas.

Al Borde del Spoiler: La Nebulosa de Andromeda (1967)

La película interpretada por Sergei Stolyarov (Dar Veter), Vija Artmane (Veda Kong), Nikolai Kryukov (Erg Noor), Tatyana Voloshina (Niza Krit), Lado Tskhvariashvili (Mven Mas), es un muy buen filme para los standares soviéticos. No es una película para cualquiera, ya que no hay acción y la trama se reduce a diálogos e investigación de misterios, la calidad del filme, resulta recomendable aunque no más no sea que como simple curiosidad.

Existen dos hilos de historias: una en la Tierra, en una utopía que pasa por una reencarnación de la cultura griega, con gente en togas dedicada a la ciencia, usando de escenario un estadio olímpico, y aplicando un esquema de tutelaje entre jóvenes discípulos y veteranos maestros, que involucra un triángulo amoroso entre un grupo de científicos. La otra subtrama es la del viaje espacial propiamente dicho, como toda tripulación soviética, estos cosmonautas son unos idealistas, explorando el universo en busca de inteligencia alienígena con la cual compartir ideas. Así cuando la astronave “Tantra” se descompone y se ve obligado a bajar en la luna de la Estrella de Hierro, se topan con una nave alienígena y con unas extrañas criaturas.

Al Borde del Spoiler: La Nebulosa de Andromeda (1967)
Al Borde del Spoiler: La Nebulosa de Andromeda (1967)