Merian C. Cooper, director of King Kong (1933).
Lois Weber (13 de junio de 1881 – 13 de noviembre de 1939) fue la primera directora en rodar un largometraje estadounidense, ‘El mercader de Venecia’, en 1914, así como productora y actriz.
Llegó a ser la directora con mejor sueldo de la Universal en 1916, y la única mujer con un puesto asegurado en la Motion Picture Directors Association. John Ford (‘La diligencia‘, 1939, ‘Qué verde era mi valle‘, 1941, ‘El hombre tranquilo‘, 1952) llegó a trabajar como ayudante de Weber antes de llevar a cabo sus propias producciones. En 1927, llegó a rodar sin que fuera acreditada los films ‘Topsy’ y ‘Eva o La fildelidad de una esclava’ junto con Del Lord, uno de los responsables de ‘Los tres chiflados‘ (1922-1970) y D.W. Griffith, autor de ‘El nacimiento de una nación‘ (1915).
De hecho, la película más taquillera de la Universal en el año 1916 fue una dirigida por Lois Weber y cuya temática era el control de natalidad y el aborto. ‘Where are my children?’ fue un hito de la industria cinematográfica estadounidense.
Lois siguió sus propios instintos e ideales y rodó una serie de largometrajes que exploraban (por lo general desde una óptica femenina) una serie de temas poco comerciales sobre el aborto y el control de la natalidad como ‘Where are my Children?‘ (1916), la pena de muerte en ‘The People vs. John Doe‘ (1916) o el alcoholismo en ‘Hop, the Devil’s Brew‘ (1916). Todas ellas fueron polémicas y grandes éxitos de taquilla. Mientras parte de la crítica la aclamaba por no rodar películas al uso, otra parte la acusaba de sermonear al espectador con historias morales cuando lo que quería el público era mero entretenimiento.
En 1905 entró a formar parte de la Gaumont Film Company como actriz, y en 1906 se casó con el director de Gaumont, Phillips Smalley. Tres años después interpretó un papel en un film que ella había escrito, ‘Hypocrites‘, y que fue dirigido por Herbert Blaché, marido de la famosa cineasta Alice Guy (que a su vez fue la primera persona en ser realizadora de una película de ficción).
El primer largometraje dirigido por Lois Weber fue una adaptación de la obra de Shakespeare, ‘El mercader de Venecia‘, rodada en 1914. A partir de este momento compaginaron la producción de cortos y de largometrajes hasta que un año después fueron contratados por Hobart Bosworth Productions para que produjeran y dirigieran más largometrajes.
Fue en este momento en el que Lois Weber comenzó a hacerse un nombre como directora de cine concienzuda. Una de las películas que rodó para Bosworth tiene el honor de ser la primera en la que en pantalla sale un desnudo completo frontal.
Esa película se tituló ‘Hypocrites‘, fue rodada en 1915 y ya presenta las características principales de las obras de Weber: cuidado y meticulosidad en el diseño artístico, buena dirección de actores e historias que no sólo tuvieran categoría artística sino que incluyeran un mensaje que moviera conciencias. ‘Hypocrites’ tocaba temas de carácter social y lecciones de moralidad consideradas muy atrevidas para la época.
En 1916 llegó a ser la directora mejor pagada de Universal Studios, y en 1917 formó su propia productora, Lois Weber Productions. Uno de los filmes más exitosos de Weber en este período fue ‘The Blot’ (1921), con Claire Windsor y Louis Calhern, uno de los cinco que Weber estreno con Paramount Pictures.
Lois Weber, como actriz y directora, retrató en sus películas la tensión que, a inicios del siglo XX, experimentaron las mujeres que quisieron mantener algunas de las tradiciones victorianas, mientras escuchaban los discursos reivindicativos de la New Woman. Lois Weber supo documentar el surgimiento de una nueva psicología femenina, a partir de visualizar de manera compleja y contradictoria la dificultad de hacerse mujer en la era del progreso.
En la década de 1920 su suerte empezó a cambiar, en 1922 ocurrió algo que significó el comienzo de su declive profesional: ella y Smalley se divorciaron tras casi dos décadas de matrimonio. La relación profesional entre ambos debía ser muy sólida y complementaria, y la separación debió afectar a Weber más de lo que habría imaginado.
Pero también hay que tener en cuenta un factor ajeno a las relaciones personales. A partir de la década de los años 20 del siglo XX, el mundo del cine deja de convertirse en un negocio residual y alternativo para convertirse en una máquina de fabricar dinero. Es en este momento cuando el cine es ya el entretenimiento por excelencia para el público norteamericano. Es entonces cuando la presencia femenina en los puestos importantes de la industria del cine comienza a desvanecerse y el cine se convierte en un negocio masculino.
Poco a poco van desapareciendo las mujeres productoras, directoras y quedan, de modo residual, las guionistas o diseñadoras de decorados o vestuario que, muchas veces, ni siquiera aparecían en los créditos. La presencia femenina en el cine se reduce a la interpretación y al brillo de la femme fatale que habría de marcar el cine hasta bien entrada la década de los 50.
Aun así, Lois Weber siguió dirigiendo largometrajes. Cada vez más espaciados en el tiempo. Seguía escribiendo guiones basados en protagonistas femeninas, lo que le dio fama de descubridora de nuevos talentos interpretativos como Mildred Harris, una de las grandes estrellas del Hollywood silencioso. Sus últimas películas mudas fueron ‘Sensation Seekers‘ y ‘The Angel of Broadway‘ ambas de 1927. Su última película fue ‘White Heat‘ (1934), un drama de amor interracial entre un hombre ambicioso y una nativa hawaiana, rodada en 1934 que tuvo una pobre acogida.
Después de ‘White Heat’ Lois Weber no volvió a dirigir. Pasó los últimos años de su vida corrigiendo y revisando guiones para la Universal, la productora a la que había hecho ganar una fortuna. Su papel decisivo en la historia del cine se vio ignorado durante décadas hasta que a principios del siglo XXI su figura comenzó a ser revisada.
A pesar de ser considerada por parte de la crítica como moralista e incluso mojigata por la temática de sus películas, Weber tenía claro que las protagonistas de sus historias no debían ser “muñequitas lindas” presentadas como “arboles de navidad recargados” (en sus propias palabras) sino mujeres inteligentes y con carácter, luchadoras, que deberían enfrentarse al papel que les otorgaban las estructuras sociales patriarcales y las costumbres sexuales de la época.
Las aportaciones más notables de Lois Weber al cine destacan películas como ‘Suspense’ (1913), cortometraje de diez minutos de duración, en la que la acción se da a veces en acciones paralelas, a veces utilizando la split screen, un único plano segmentado –en este caso en tres triángulos– que enmarca escenas diferentes.
En esta pequeña proeza de suspense, se adivina el placer de la experimentación con el lenguaje cinematográfico, existe una investigación meticulosa del encuadre y la planificación. Es un corto controlado, una proeza de racionalismo en el uso del montaje analítico que visualiza el estilo conciso de Lois Weber. No es, pues, extraño que ella misma hubiese escrito el guion, de la misma manera que fue la guionista de casi todos los films que «a real director should be absolute»
Está claro que Lois Weber estaba explorando de qué maneras diferentes se podían presentar las acciones paralelas. Otro ejemplo de proeza sintética se detecta en la utilización que Lois Weber hace del picado: primero, vemos, en plano picado, cómo la criada deja la llave bajo la alfombra de la puerta de la entrada y, después, vemos entrar al ladrón en la casa que, visto desde el mismo punto de vista picado, descubre la llave bajo la estera, justo donde la criada la ha dejado.
Lois Weber falleció arruinada en 1939 en Hollywood, California, a causa de una enfermedad gástrica. Tenía 58 años. No dejó descendencia. Por su contribución a la industria cinematográfica, Lois Weber tiene una estrella en el Paseo de la Fama de Hollywood, en el 6518 de Hollywood Boulevard.
El 20 de mayo de 1908 nace James Stewart, actor habitual de Hitchcock en films como La Ventana Indiscreta (1954), Vértigo (1958), y La Soga (1948). También estuvo en Que Bello es Vivir (1946) y Caballero sin Espada (1939), entre otros. Falleció en 1997.
Dinosaurios y efectos especiales, fósiles del séptimo arte, un recorrido por la evolución de los dinosaurios en el cine y como se han usado los efectos especiales para llevarlos a la vida vía Smokerwolf en su canal de YouTube.
King Kong Vs Godzilla en versión clásica. La primera película en color donde King Kong se enfrentaba a Godzilla. Todo un taquillazo para su época que se mantiene como la más exitosa de la franquicia hasta la fecha.
King Kong es una película estadounidense de aventuras de 1933 dirigida por Merian C. Cooper y Ernest B. Schoedsack y con Fay Wray, Robert Armstrong y Bruce Cabot como actores principales. La película fue producida por la compañía cinematográfica RKO Pictures y escrita por Ruth Rose y James Ashmore Creelman, basándose en una idea de Merian C. Cooper y Edgar Wallace.
Godzilla (ゴジラ Gōjira) es una película japonesa de ciencia ficción y terror de 1954, producida y distribuida por Toho Company Ltd. Fue dirigida por Ishiro Honda, con efectos especiales a cargo de Eiji Tsuburaya.
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King Kong vs. Godzilla (キングコング対ゴジラ King Kong tai Gojira) es un film de 1962 de kaiju Tokusatsu dirigida por Ishiro Honda con efectos visuales de Eiji Tsuburaya. Es el tercero de la serie de películas donde aparece Godzilla. También es el tercero de la serie de películas donde aparece King Kong. Y fue la primera vez que ambas criaturas se vieron las caras. y la primera vez que aparecían en color.
Dado que King Kong era visto como el mayor atractivo en aquellos tiempos y Godzilla era aún representado como villano en su franquicia, la productora Toho decidió elegir a Kong como el claro vencedor. Si bien el desenlace de la pelea se vio algo ambiguo para el público, Toho anunció que King Kong fue de hecho el ganador en su programa cinematográfico en inglés de 1962-63 Toho Films Vol. 8, donde se mostró la sinopsis oficial de la cinta en la que textualmente se dice:
»Un espectacular duelo es arreglado en la cima del monte Fuji y King Kong es victorioso. Pero después de haber ganado…».
1962-63 Toho Films Vol. 8
A pesar de la existencia de dicha información, desde hace muchos años hasta el día de hoy ha persistido el mito de que el filme cuenta con 2 conclusiones distintas según la versión que se vea: en la versión japonesa es Godzilla quien emerge del agua como ganador del enfrentamiento a diferencia de la versión estadounidense donde es Kong el victorioso.
En la versión japonesa del filme después de que Kong emerge del agua, los testigos del encuentro se preguntan si Godzilla podría estar muerto o no, mientras ven a Kong dirigiéndose a su hogar y especulan si es posible que haya sobrevivido. En la versión estadounidense simplemente dicen: «Godzilla ha desaparecido sin dejar rastro» y mientras observan a Kong nadar le desean suerte en su larga travesía a casa.
Detrás de las cámaras: ‘Lo que el viento se llevó’ (1939) Victor Fleming. Vivien Leigh durante una prueba de maquillaje.
Este año se cumple el 75º aniversario del estreno de ‘Lo que el viento se llevó’ (1939).
1. Kin-dza-dza! (Кин-дза-дза!) 1986
Grotesca, irreverente y sobre todo divertida. Giorgi Danielia, director de “Mimino”, “Afonia” o “Yo paseo por Moscú”, realizó en el ocaso de su carrera su película más rara: Kin-dza-dza, una parodia de la naturaleza humana en forma de distopia cinematográfica. Vladimir Moshkov, constructor, y Gedevan Aleksidze, estudiante, son tele-transportados al planeta Kin-dza-dza por error y para volver a la tierra tendrán que cambiar fósforos por “gravidsapas”. Los diálogos de la película son tan disparatados que con frecuencia aparecen en conversaciones cotidianas. Una advertencia: no salgas a la calle después de ver Kin-dza-dza ya que corres el riesgo de abrir los brazos y gritar “ku!”.
2. Yo soy Cuba (Я Куба) 1964
“Yo soy Cuba” es a la revolución de los barbudos lo que “El Acorazado Potemkim” a lo bolchevique: una obra de arte que casi nos convence de la legitimidad del cambio de régimen. La película cuenta con una importante participación cubana, y sobre todo con dos de las figuras más importantes del deshielo cultural soviético de los 60: Mijaíl Kalatozov (director) y Evgueni Evtushenko (co-guionista). Tras la disolución de la Unión Soviética personalidades como Martin Scorsese, Francis Ford Coppola o Guillermo Cabrera Infante expresaron su admiración por una película exquisita pero olvidada por el devenir de la historia humana.
3. El hombre anfibio (Человек-амфибия) 1962
La película vendió 66 millones de tickets en 1962, para preocupación de las autoridades soviéticas. Consolidó la tendencia marcada por “Los tres mosqueteros” y “La reina de las gitanas”: la gente prefería ver películas divertidas con romances entre guapos protagonistas antes que aburridos films sobre la vida de Lenin.
La película está basada en la novela homónima de Alexánder Beliaev y se rodó en Crimea y Bakú; la historia va sobre un humano que habita en el fondo del mar y decide abandonar su hábitat natural para conquistar a su amada.
4. Sobre monstruos y hombres (Про уродов и людей) 1998
Entre “Brat” y “Brat 2”, Alexéi Balabanov realizó una película marcadamente extraña y repleta de simbología, erotismo y elementos post soviéticos. En tonos sepia y lenguaje alegórico, “Sobre monstruos y hombres” refleja las lesiones espirituales producidas por el auge del capitalismo y la decadencia social en Rusia. Una obra maestra con seductores elementos masoquistas y perversos.
5. Ciudad Cero (Город Зеро) 1988
Película desconcertante y seminal. El ingeniero Varakin se traslada de Moscú a provincias para una “komandirovka” (viaje de trabajo) y tras enigmáticos episodios descubre que no le va resultar fácil salir de allí.
6. El circo (Цирк) 1936
Las dos estrellas de los musicales soviéticas, Grigori Alexandrov (director) y Liubov Orlova (actriz) brillaron en la sui generis “El circo”. Marion Dixon, artista norteamericana, tiene que huir de Estados Unidos y Alemania, donde es perseguida por haber tenido un hijo negro. En un gesto de generosidad, será el pueblo soviético quien la acoja sin hacer distinción étnica alguna.
7. Vokalnye Parallelli (Вокальные Параллели) 2005
Producción kazajo-rusa, dirigida por Rustam Jamdamov y escrita y protagonizada por Renata Litvinova. La trama gira en torno a una joven cantante que va encontrándose con viejas glorias de la ópera soviética. No obstante, la porosa historia transpira erotismo y plasticidad, y el mayor logro de la película es su magnetismo estético.
8. Los primeros en la luna (Первые на Луне) 2005
Falso documental de Alexéi Fedorchenko sobre el supuesto intento soviético de llegar a la luna en los años 30. Durante la producción de la película algunos medios de comunicación rusos especularon sobre la autenticidad de la historia, e incluso ganó el premio al mejor documental del Festival de Venecia. “Los primeros en la luna” es una ficción en forma de documental, en la que se caricaturiza sobre la creación y destrucción de héroes durante el régimen soviético.
9. Polvo (Пыль) 2005
Otra película desconcertante, aunque en este caso con un tono post-moderno y low-fi. Grabada con cámara digital y sin apenas presupuesto, el resultado es admirable y el monólogo final de Piotr Mamonov es de los que no se olvidan. Dirigida por Serguéi Loban y con guión de Marina Potapova, la historia va de un obeso de 24 años que se vuelve adicto a unas pantallas donde aparece musculoso y delgado.
10. Síndrome de astenia (Астенический синдром) 1989
Película incómoda de ver a pesar de la seducción estética de sus imágenes. Kira Muratova muestra la fatiga del pueblo soviético a través de varias historias cargadas de decadencia y debilidad humana.
11. Particularidades de la pesca nacional (Особенности национальной рыбалки) 1998
Antes de conseguir el éxito comercial con “Kukushka”, Alexander Rogozhkin realizó varios ensayos cinematográficos con el argumento común “Particularidades nacionales” de la política, la caza o la pesca. Esta última es la más divertida: un joven investigador finés interesado en la tradición rusa de caza y pesca participa en una excursión organizada por militares y policías en Karelia. Durante el largo fin de semana no logran pescar ni un pez, pero acaban con 15 cajas de vodka.
12. Ménage à trois (третья мещанская) 1927
En un pequeño piso de Moscú vive una joven pareja; sin embargo el marido no presta mucha atención a su mujer y ésta no soporta las tareas domésticas. Tras encontrarse con un viejo amigo sin alojamiento, el marido invita a éste a que duerma unos días en el sofá de su casa. La historia a tres acabará con un aborto, tema por primera vez mostrado en el cine. Dirigida por el lituano Abram Room, y prohibida en Inglaterra, la película retrata la clase urbana soviética y sus comportamientos sexuales con una franqueza desconocida en la época.
En twitter: @fm_fronteraazul
EL PIONERO DEL ARTE «STOP MOTION«
“It was at the Sitges film festival that I first saw an exhibition of work by the pioneering Russian animator Wladyslaw Starewicz, and the puppets were so enrapturing that when I got home I ordered up all the tapes I could find of his work. His work is absolutely breathtaking, surreal,inventive and extraordinary, encompassing everything that Jan Svankmajer, Walerian Borowczyk and the Quay Brothers would do subsequently. This is his last film, after The Tale of the Fox from 1930; it is all right there in this cosmic animation soup. It is important, before you journey through all these mind-bending worlds, to remember that it was all done years ago, by someone most of us have forgotten about now. This is where it all began.”
Terry Gililam explains:
Wladyslaw Starewicz (1882 – 1965), de origen ruso, comenzó su andadura en la animación hacia el año 1910. Entre 1909 y 1910, Wladyslaw creó tres documentales de naturaleza viva para el museo. En 1911 se trasladó a Moscú y comenzó a trabajar para la compañía cinematográfica de Aleksandr Khanzhonkov donde creó docenas de películas. Entre ellas ‘The Beatiful Leukanida‘ (1912) creación que fue aplaudida por el Zar y reconocida por el público. Aún así su película más reconocida fue ‘La venganza del cámara de cine (Cameraman’s Revenge)‘ (1912) que nada tenia que ver con su ciclo natural de los insectos que utilizó, sino más bien con las desventuras humanas del matrimonio y las infidelidades.
Ese mismo año creo otras animaciones pero fue en 1913 al crear los 41 minutos de rodaje de “The Terrible Vengeance” cuando vivió un ascenso en su camino como director, pues ganó en el Festival de Milán de 1914 la medalla de oro a mejor largometraje.
En 1919 se traslada a Francia, donde funda su propio taller y mantiene una carrera en solitario al margen de la creciente industria norteamericana emergente. Comenzó primero a trabajar con su mujer Starevich Francia y más tarde con su hija Irina. Una de las primeras películas fue ‘La Rana que demanda a su Rey (Les grenouilles qui demandent un roi)’ (1922), con un contenido político en el que adapta la fábula de Esopo.
Durante sus años en Francia, concretamente en Fontenay-sous-Bois creó docenas de películas entre las más destacadas: ‘La voz del Ruiseñor (La voix du rossignol)’ (1923) que fue pintada a mano y protagonizada por Nina Starr y el ruiseñor que la convence para liberarlo. Y ‘La mascota (Fétiche mascotte)’ (1934), una historia larga en la que el perro marioneta Duffy tiene que bajar al infierno para conseguir una naranja para una chica que está muriendo de escorbuto.
La técnica de stop motion, con la que se da vida a muñecos previamente modelados y articulados al modificar levemente sus posiciones de un fotograma al siguiente, no es original de Starewicz, ya que con anterioridad había sido utilizada tanto por Meliès y Emile Cohl en Francia, Segundo de Chomón en España o Blackton en Estados Unidos, si bien el cine de Starewicz se diferencia de toda la animación anterior, tanto clásica como por stop motion, gracias a su talento narrativo, su agudeza para humanizar los movimientos y sentimientos de los insectos protagonistas
Aunque Starewicz gozó de reconocimiento en su época, se llegó a comparar con Walt Disney en los años treinta, posteriormente a su muerte, sus películas fueron cayendo en el olvido.
Sax Rohmer fue un prolífico escritor inglés de misterio, cuyo verdadero nombre era Arthur Henry Sarsfield Ward (15 de febrero de 1883 – 1 de junio de 1959), nacido en Birmingham, de padres irlandeses. Es conocido por su creación del maestro criminal, Dr. Fu Manchu y sus oponentes Denis Nayland Smith, el Dr. Petrie, llamado después el egiptólogo Flinders Petrie, y la hermosa Karamaneh, la mujer de los sueños de Petrie.
Adoptó el nombre de Sarsfield a los 18 años, impresionado por las alcohólicas reclamaciones de su madre de descender del famoso general irlandés del siglo XVII, Patrick Sarsfield. Después explicaría que su pseudónimo “sax” significaba “filo” en sajón, y “rohmer” significaba “vagabundo”. Su primer relato “La momia misteriosa” (1903) apareció en una revista, su primer libro “¡Pausa!” en 1910, y su primera novela de Fu Manchú, “El misterio del Dr. Fu Manchu” tres años después.
Obtuvo un éxito inmediato. Durante los siguientes años, las historias se publicaron en colecciones, pero al final del tercer libro, “The Si-Fan Mysteries” (1917), Fu Manchú perecía ahogado. En 1915, Rohmer inventó un personaje detectivesco, Gaston Max, que apareció por primera vez en “La garra amarilla”. Otra serie de personajes interesantes era la del detective de lo oculto Morris Klaw, y la de Sumuru, una dama cortada por el mismo patrón de Fu Manchú.
En el período de 1920 a 1930, Rohmer fue uno de los más leídos y mejor pagados escritores de magazines en lengua inglesa. Realizó además, trabajos para el teatro, y creó las letras de numerosas canciones. El interés de Rohmer por la mística y el ocultismo le llevaron a hacerse miembro de una organización oculta, que incluía a miembros tales como Aleister Crowley y William Butler Yeats.
Sus relatos sobrenaturales incluyen “Brood of the witch Queen” (1918) en el cual una momia egipcia es revivida para practicar antiguos conjuros en el mundo actual, y “Cara gris” (1924), en el que una supuesta reencarnación de Cagliostro provoca el caos.
La serie de Fu Manchu comenzó de nuevo, tras algunos años de silencio, con “La hija de Fu-Manchu” (1931). Tras la II Guerra Mundial Rohmer se mudó a Estados Unidos. Entre los últimos trabajos de Rohmer destacan “Hangover house” (1949), basado en una obra de teatro nunca representada de finales de los 30, y la serie de Sumuru, cinco novelas publicadas entre 1950 y 1956. Sax Rohmer murió de una combinación de neumonía e infarto, el 1 de Junio de 1959.
Las historia de su personaje más emblemático, Fu Manchu, están ambientadas a principios del siglo XX y empleando elementos de aventuras, misterio y ciencia-ficción, las historias de este megalómano chino de gran inteligencia y con poderes hipnóticos, se centran en sus planes por tratar de dominar y destruir a la humanidad, contando para ello con la ayuda de su bella y malvada hija, y de amplio grupo de sirvientes que manejan la más avanzada tecnología científica. Afortunadamente, el comisario de Scotland Yard Nayland Smith, y su fiel ayudante el Dr. Petrie (en clara alusión a Sherlock Holmes y Watson), lograrán desbaratar sus planes.
El personaje de Fu Manchu fue llevado al cine debido a su popularidad. La primera serie de películas fue producida en Gran Bretaña durante el cine mudo. Entre 1923 y 1924 H. Agar Lyons protagonizó un total de 23 films, siendo la primera “The Fiery Hand” (1923) de A.E Coleby, y la última “Cragmire Tower” (1924) de Fred Paul. Los papeles de Nayland Smith y el Dr. Petrie fueron encarnados por Fred Paul y Humberston Wright, respectivamente.
La primera serie sonora fue esta trilogía de films norteamericanos con el sueco Warner Oland como Fu Manchú. En las dos primeras estuvo secundado por O. P. Heggie como Nayland Smith, y Neil Hamilton encarnando al Dr. Petrie. En la primera y segunda entrega, dirigidas por Rowland V. Lee, Fu Manchu logra desatar su odio a la raza blanca, acusándolos del exterminio de su esposa e hijo durante la Rebelión Boxer. Para ello, elaborará un diabólico plan en el que tendrá como principal arma a Lia Elthan (Jean Arthur), una joven de raza blanca que ha crecido bajo su tutela.
En la tercera película, dirigida por Lloyd Corrigan, Fu Manchú asume un papel más secundario, ya que la gran protagonista es su malvada hija Ling Moy (Anna Way Wong), la cual combatirá a todo aquel que pretenda oponerse a los planes de su padre. En un papel secundario encontramos a Sessue Hayakawa. Al margen de estos films, Warner Oland también dio vida al personaje en la película “Paramount on Parade” (1930), concretamente en un fragmento de ésta titulado “Murder Will Out”, donde se enfrentaba a los detectives Milo Vance (William Powell) y Sherlock Holmes (Clive Brooke).
La adaptación norteamericana dirigida por Charles Brabin y Charles Vidor. Un perfecto Boris Karloff asumió el papel de Fu Manchu, dispuesto a encontrar la tumba de Gengis Kahn. Su objetivo consiste en apoderarse de la máscara y la cimitarra del legendario emperador para luego iniciar una nueva revolución china que se oponga a la raza blanca.: «La máscara de Fu Manchu» (The mask of Fu Manchu, 1932) con Boris Karloff como el malvado oriental y Myrna Loy como su pérfida hija, tiene el aroma añejo de los seriales de los treinta, pero rodada en un estudio como MGM con más medios, un Karloff sublime y unas dosis de maña leche que sorprenden.
La primera tira de cómic diaria fue creada por Leo O’Mealia entre 1931 y 1933; y de la mano de DC Cómics, hizo su primera aparición en el número 17 de “Detective Comics” (1937). A partir de la publicación de Special Marvel Edition nº15 (1973) empieza a aparecer en Marvel Comics. En dicho cómic, donde también debuta Sir Denis Nayland Smith, se presenta a su hijo Shang-Chi, que protagonizaría varias series de Marvel en las que sería recurrente la presencia de Fu Manchú como enemigo de su hijo. El Doctor Petrie también aparecería con menor frecuencia. Tras la pérdida de derechos de Marvel para publicar a los personajes de Sax Rohmer, Fu Manchu ha continuado apareciendo con otros nombres.
En versiones cinematográficas más modernas ha sido el actor británico Christopher Lee quien le ha prestado su rostro e imponente altura. así intervino en una serie de películas: «El regreso de Fu-manchu» (1965) & «Las Novias de Fu-manchu» (1966) díptico que supone la entrada del personaje en la década de los 60 y el cine en color. Estas dos primeras tienen mucho aroma Hammer Films y fueron producidas por Harry Alan Towers. Christopher Lee borda el personaje, con un guion bien tramado, aumento de ración erótica y ambiente que captura muy bien el serialismo original.
En la saga cinematográfica de Fu Manchú puede encontrarse de todo. Desde obras maestras («La máscara de Fu Manchu») a películas correctas (“El regreso de Fu Manchu”) y títulos progresivamente peores, por no decir bodrios simpáticos. En su última etapa Harry Alan Towers, quien demostró ser un productor rata y pesetero, y al aliarse con Jess Franco -aventurado a rodar en cualquier condición y tiempos- encontró al director perfecto: Rápido y barato… De esta etapa surgen algunos títulos sencillamente demenciales como “El castillo de Fu-manchu” (rodada en el Parc Guell de Barcelona) o la “Fu Manchu y el Beso de la muerte”.
También cuenta con una comedia paródica británico-norteamericana, “El diabólico plan del Dr. Fu Manchu” (1980) que fue dirigida por Piers Haggard y estuvo protagonizada por Peter Sellers, el cual asume el doble papel de Fu Manchu y Nayland Smith. En su 168 cumpleaños, Fu Manchú busca la manera de alcanzar la eterna juventud en el mundo contemporáneo. Para ello necesita un valioso diamante que será robado por su poderosa red criminal. Aunque como era de esperar, Nayland Smith tratará de detenerlo por enésima vez. En papeles secundarios encontramos a Helen Mirren, David Tomlinson y Sid Caesar.
Este film supuso la despedida cinematográfica de Peter Sellers, el cual falleció ese mismo año, y cuya enfermedad provocó que no pudiese rendir plenamente en su interpretación cómica y necesitase dobles en muchas escenas. Por todo ello el resultado artístico es bastante mediocre y los elementos de comedia no terminan de funcionar.
La última aparición del personaje hasta la fecha se produjo en la película de programa doble “Grindhouse” de Quentin Tarantino y Robert Rodríguez. Concretamente en “Werewolf Women of S.S.”, uno de los falsos trailers que completaron el film junto a las películas “Planet Terror” y “Death Proof”. Este fragmento fue dirigido por Rob Zombie, y Nicolas Cage encarnó brevemente Fu Manchú, involucrado en una serie de experimentos nazis relacionados con mujeres-lobo.
Rob Zombie’s «Werewolf Women of the SS» is a faux grindhouse trailer that was included in the 2007 «Grindhouse» double bill by Quentin Tarantino and Robert Rodriguez https://www.youtube.com/watch?v=xynLdCh2Uss
Werewolf Women of S.S. – Rod Zombie
